Rigoletto es un drama que combina pasión, engaño y venganza.
Conmovió al mundo desde su estreno hasta nuestros días.
Basado en la obra teatral Le Roi s’amuse (El rey se divierte) de Victor Hugo, censurada en su época, obligó al compositor a una adaptación, conviertiendo al Rey en un Duque, el de Mantua.
Significó un giro temático rotundo que llevó a Verdi de ser el catalizador de la sociedad italiana, en sus óperas tempranas, a interesarse mucho más por la psicología de los afectos y la intimidad de la conducta humana.
El bufón Rigoletto es un individuo que se mueve entre el amor por su inocente hija Gilda y el odio hacia el mujeriego Duque de Mantua y los inescrupulosos cortesanos que o secundan.
Nosotros, cuando pensamos en Rigoletto lo hace de forma instintiva en Leo Nucci, pero logicamente Leo no puede estar presente de todo el mundo, máxime en el año en que se retira de los escenarios.
La representación que nos ofrece el Teatro Colón de Buenos Aires cuenta con uno de los mejores directores operísticos del mundo en estos momentos, y un gran elenco y puesta en escena realmente magnífica. y además con subtítulos en español.
Desconocemos el tiempo que el Teatro Colón mantendrá esta producción disponible en Youtube.
miércoles, 20 de mayo de 2020
LA NOCHE DE LOS MUSEOS CON DEBUSSY.
Este año, no se ha celebrado la Noche de Los Museos en ningún lugar de España, pero ello no obsta para que le rindamos homenaje a esos espacios que se llenan de Cultura, Tradiciones, Enseñanzas o simplemente curiosidades para todos los pueblos y que ya han comenzado abrir sus puertas.
Por supuesto, la Música no puede faltar en esa noche y al pensar en un Museo nos viene a la mente
en esa noche de los Museos un concierto celebrado en la Universidad Politécnica de Cartagena, y en la que el violín de Laura Rodriguez y el piano de Oscar Requena interpretaron la Sonata para Violín y Piano L140, de Debussy, estrenada en 1917 y que consta de los siguientes movimientos:
Por supuesto, la Música no puede faltar en esa noche y al pensar en un Museo nos viene a la mente
en esa noche de los Museos un concierto celebrado en la Universidad Politécnica de Cartagena, y en la que el violín de Laura Rodriguez y el piano de Oscar Requena interpretaron la Sonata para Violín y Piano L140, de Debussy, estrenada en 1917 y que consta de los siguientes movimientos:
Allegro vivo
Intermède: Fantasque et léger
Final: Très animé
Siempre es una satisfacción escuchar al primer compositor impresionista y tan ligado por tanto al mundo de la pintura, y un privilegio hacerlo con el sonido de estos dos virtuosos en sus respectivos instrumentos, como son Laura y Oscar.
Allegro vivo
Intermède: Fantasque et léger
Final: Très animé
CLARA WIECK - UNA MUJER EXCEPCIONAL
Clara Wieck, de casada Clara Schumann en Frankfurt del Main el 20 de mayo de 1896 y fue una pianista y compositora alemana.
Fue una de las grandes concertistas europeas del siglo XIX y su carrera fue clave en la difusión de las composiciones de Robert Schumann, con quien estuvo casada.
Debutó en 1830 como niña prodigio con la orquesta de la Gewandhaus de Leipzig y luego realizó giras durante dos años.
Fue admirada por otras personalidades de la época como Goethe, quien la conoció siendo muy joven, en la época en que alternaba los juegos infantiles con su formación musical, y también conoció personalmente a Felix Mendelssohn, Frederic Chopin y Niccolò Paganini.
Con Johannes Brahms, otro gran compositor del siglo XIX, cultivó una profunda relación artística e intelectual que duró hasta la muerte.
Las razones por las que no se dedicó en mayor grado a la composición fueron varias, entre ellas su carrera de concertista, sus ocho hijos, la devoción por su esposo y el papel de la mujer en el siglo XIX.
Tuvo una formación musical privilegiada, lo que junto con su comprensión musical y habilidad le permitieron abordar la composición. Sin embargo, escribió en su diario: Alguna vez creí que tenía talento creativo, pero he renunciado a esta idea; una mujer no debe desear componer. Ninguna ha sido capaz de hacerlo, así que ¿por qué podría esperarlo yo?
Tuvo una gran fortaleza espiritual que le permitió soportar una vida dura como artista y llena de tragedias en el ámbito personal, como la separación de sus padres, la muerte prematura de varios de sus hijos y el intento de suicidio y la posterior muerte de su esposo.
Dudaba de su talento como compositora, no se consideraba bella, e incluso como pianista, después de escuchar a Franz Liszt, pensaba que, si bien tocaba mejor que las pianistas de la época, no tenía nada que hacer frente al virtuoso húngaro.
Fue una de las grandes concertistas europeas del siglo XIX y su carrera fue clave en la difusión de las composiciones de Robert Schumann, con quien estuvo casada.
Debutó en 1830 como niña prodigio con la orquesta de la Gewandhaus de Leipzig y luego realizó giras durante dos años.
Fue admirada por otras personalidades de la época como Goethe, quien la conoció siendo muy joven, en la época en que alternaba los juegos infantiles con su formación musical, y también conoció personalmente a Felix Mendelssohn, Frederic Chopin y Niccolò Paganini.
Con Johannes Brahms, otro gran compositor del siglo XIX, cultivó una profunda relación artística e intelectual que duró hasta la muerte.
Las razones por las que no se dedicó en mayor grado a la composición fueron varias, entre ellas su carrera de concertista, sus ocho hijos, la devoción por su esposo y el papel de la mujer en el siglo XIX.
Tuvo una formación musical privilegiada, lo que junto con su comprensión musical y habilidad le permitieron abordar la composición. Sin embargo, escribió en su diario: Alguna vez creí que tenía talento creativo, pero he renunciado a esta idea; una mujer no debe desear componer. Ninguna ha sido capaz de hacerlo, así que ¿por qué podría esperarlo yo?
Tuvo una gran fortaleza espiritual que le permitió soportar una vida dura como artista y llena de tragedias en el ámbito personal, como la separación de sus padres, la muerte prematura de varios de sus hijos y el intento de suicidio y la posterior muerte de su esposo.
Dudaba de su talento como compositora, no se consideraba bella, e incluso como pianista, después de escuchar a Franz Liszt, pensaba que, si bien tocaba mejor que las pianistas de la época, no tenía nada que hacer frente al virtuoso húngaro.
martes, 19 de mayo de 2020
LA MÚSICA DE NUESTRAS VIDAS. Con la colaboración de Mª José Muñoz Jareño.
Algún día mi principe vendrá.
Es una canción que canta Blancanieves a los Siete Enanitos.
Esta canción aparece por primera vez en el minuto en el momento que Blancanieves cuenta una historia antes de dormir.
En la canción Blancanieves cuenta que ella sabe que algún día su príncipe vendrá para llevarla a su castillo, donde serán felices para siempre, algún día cuando llegue la primavera y los pájaros canten y suenen las campanas de boda, entonces su sueño se volverá realidad.
¿Quien no recuerda esta canción de su infancia o ya vista posteriormente con hijos o nietos?
En el año 1961, el trompetista Miles Davis hizo una versión que rápidamente fue versionada por muchos músicos instrumentistas y cantantes de Jazz.
Sugerimos la escucha de la versión de Miles para trompeta, y en la voz de María José Muñoz Jareño.
Esta canción aparece por primera vez en el minuto en el momento que Blancanieves cuenta una historia antes de dormir.
En la canción Blancanieves cuenta que ella sabe que algún día su príncipe vendrá para llevarla a su castillo, donde serán felices para siempre, algún día cuando llegue la primavera y los pájaros canten y suenen las campanas de boda, entonces su sueño se volverá realidad.
¿Quien no recuerda esta canción de su infancia o ya vista posteriormente con hijos o nietos?
En el año 1961, el trompetista Miles Davis hizo una versión que rápidamente fue versionada por muchos músicos instrumentistas y cantantes de Jazz.
Sugerimos la escucha de la versión de Miles para trompeta, y en la voz de María José Muñoz Jareño.
COLEMAN HAWKINS
El 19 de mayo de 1969 fallece en Nueva York Coleman Hawkins, saxofonista (tenor) y clarinetista estadounidense de jazz.
Fundamentalmente conocido como saxofonista, Hawkins es un intérprete clásico del jazz cuyo estilo se mantuvo siempre dentro de los límites del swing y del bop.
En una época en que el saxo era considerado un instrumento nuevo, usado hasta el momento en el vodevil y como un pobre sustituto del trombón en los desfiles de orquestas, Hawkins ayudó a que desarrollase su propio sonido como instrumento con una clara asociación con la música jazz.
En la década de 1950, Hawkins actuó con músicos tradicionales como Red Allen y Roy Eldridge, con quien apareció en el Festival de Jazz de Newport en 1957 y grabó Coleman Hawkins Encounters Ben Webster con el también saxofonista tenor Ben Webster junto con Oscar Peterson (piano), Herb Ellis (guitarra), Ray Brown (bajo), y Alvin Stoller (batería).
En la década de 1960, apareció regularmente en el Village Vanguard en Manhattan.
Actualmente, nadie pensaría en el Jazz sin un SAXO.
Fundamentalmente conocido como saxofonista, Hawkins es un intérprete clásico del jazz cuyo estilo se mantuvo siempre dentro de los límites del swing y del bop.
En una época en que el saxo era considerado un instrumento nuevo, usado hasta el momento en el vodevil y como un pobre sustituto del trombón en los desfiles de orquestas, Hawkins ayudó a que desarrollase su propio sonido como instrumento con una clara asociación con la música jazz.
En la década de 1950, Hawkins actuó con músicos tradicionales como Red Allen y Roy Eldridge, con quien apareció en el Festival de Jazz de Newport en 1957 y grabó Coleman Hawkins Encounters Ben Webster con el también saxofonista tenor Ben Webster junto con Oscar Peterson (piano), Herb Ellis (guitarra), Ray Brown (bajo), y Alvin Stoller (batería).
En la década de 1960, apareció regularmente en el Village Vanguard en Manhattan.
Actualmente, nadie pensaría en el Jazz sin un SAXO.
lunes, 18 de mayo de 2020
DÍA DE LOS MUSEOS - LA DÉCIMA EN EL BELLAS ARTES.
Hoy, Día Internacional de los Museos, hemos querido celebrarlo recordando una visita que hicimos al de Bellas ArtEs de San Fernando en el Curso 2013-2014, con nuestro querido profesor Andrés Luque.
Esperamos traiga buenos recuerdos de aquella actividad, y pensemos con alegría a las compañeras que aparecen y que la muerte nos arrebató.
Hemos compuesto y ofrecido este Audiovisual con todo nuestro cariño.
Esperamos traiga buenos recuerdos de aquella actividad, y pensemos con alegría a las compañeras que aparecen y que la muerte nos arrebató.
Hemos compuesto y ofrecido este Audiovisual con todo nuestro cariño.
LA MÚSICA DE NUESTRAS VIDAS - ANA SORIANO
Agradecemos a Ana su espiritu de colaboración en esta propuesta que hemos realizado.
MAHLER Y LA MALDICION DE LA NOVENA
La lista de autores que fueron víctimas de la “maldición de la novena” es muy numerosa.
El primero en ser incluido en tan lúgubre nómina fue Ludwig Van Beethoven (1770-1827) que falleció dejando inacabada su Sinfonía nº 10 en mi bemol mayor.
A él seguirían otros compositores de la talla de Franz Schubert (1797-1828), Anton Bruckner (1824-1896), Anton Dvorak (1842-1904), Gustav Mahler (1860-1911), Ralph Vaughan Williams (1872-1958), Alexander Glazunov (1865-1936), Egon Welesz (1885-1974), Kurt Atterberg (1887-1974) y Roger Sessions (1896-1985).
Mahler quiso engañar al destino y no le dio número a su novena sinfonía, que fue estrenada como La Canción de la Tierra y creo una sinfonía posterior a la que atribuyó el número 9.
¿Fue suficiente este engaño? Desgraciadamente no fue así, y Mahler falleció en 1911, cuando solo había compuesto un movimiento Adagio de lo que iba a ser su décima sinfonía.
Ese Adagio Mahler nunca quiso que se interpretara y lo conocemos gracias a que su esposa Alma Mahler, ya en el año 1924, autorizó al editor vienés Paul Zsolnay la publicación de la copia del manuscrito, con la sorpresa de encontrarse con una sinfonía totalmente planificada, comprendiendo cinco movimientos.
Quizás por ello, por lo que el ciclo del Festival Mahler que está ofreciendo el Concertgebow haya saldado de la 9ª Sinfonía, el pasado viernes, a la Canción de la Tierra que se interpretó ayer domingo.
En cualquier caso, nosotros creemos que mere ce la pena escuchar esa hipotética Décima, pero solo lo que escribió Mahler, en forma de Adagio, y no como posteriormente fue ideada por Deryck Cook en base a los apuntes encontrados.
El primero en ser incluido en tan lúgubre nómina fue Ludwig Van Beethoven (1770-1827) que falleció dejando inacabada su Sinfonía nº 10 en mi bemol mayor.
A él seguirían otros compositores de la talla de Franz Schubert (1797-1828), Anton Bruckner (1824-1896), Anton Dvorak (1842-1904), Gustav Mahler (1860-1911), Ralph Vaughan Williams (1872-1958), Alexander Glazunov (1865-1936), Egon Welesz (1885-1974), Kurt Atterberg (1887-1974) y Roger Sessions (1896-1985).
Mahler quiso engañar al destino y no le dio número a su novena sinfonía, que fue estrenada como La Canción de la Tierra y creo una sinfonía posterior a la que atribuyó el número 9.
¿Fue suficiente este engaño? Desgraciadamente no fue así, y Mahler falleció en 1911, cuando solo había compuesto un movimiento Adagio de lo que iba a ser su décima sinfonía.
Ese Adagio Mahler nunca quiso que se interpretara y lo conocemos gracias a que su esposa Alma Mahler, ya en el año 1924, autorizó al editor vienés Paul Zsolnay la publicación de la copia del manuscrito, con la sorpresa de encontrarse con una sinfonía totalmente planificada, comprendiendo cinco movimientos.
Quizás por ello, por lo que el ciclo del Festival Mahler que está ofreciendo el Concertgebow haya saldado de la 9ª Sinfonía, el pasado viernes, a la Canción de la Tierra que se interpretó ayer domingo.
En cualquier caso, nosotros creemos que mere ce la pena escuchar esa hipotética Décima, pero solo lo que escribió Mahler, en forma de Adagio, y no como posteriormente fue ideada por Deryck Cook en base a los apuntes encontrados.
GUSTAV MAHLER
El 18 de mayo de 1911 fallece en Viena Gustav Mahler, compositor y director de orquesta austriaco, cuyas obras se consideran, junto con las de Richard Strauss, las más importantes del postromanticismo.
En la primera década del siglo XX, Gustav Mahler fue uno de los más importantes directores de orquesta y de ópera de su momento.
Después de graduarse en el Conservatorio de Viena en 1878, fue sucesivamente director de varias orquestas cada vez más importantes en diversos teatros de ópera europeos, llegando en 1897 a la que entonces se consideraba la más notable: la dirección de la Ópera de la Corte de Viena (Hofoper). Durante sus diez años en la capital austriaca, Mahler —judío converso al catolicismo— sufrió la oposición y hostilidad de la prensa antisemita.
Como compositor, centró sus esfuerzos en la forma sinfónica y en el lied.
La Segunda, Tercera, Cuarta y Octava sinfonías y Das Lied von der Erde (La canción de la Tierra) conjugaron en sus partituras ambos géneros.
La revalorización de Mahler fue lenta, al igual que la de Anton Bruckner, y se vio retrasada a causa de su gran originalidad y del auge del nazismo en Alemania y Austria, pues su condición de judío catalogó a su obra como «degenerada» y «moderna». Lo mismo sucedió con otros compositores, caídos en desgracia en el Tercer Reich.
Solo al final de la Segunda Guerra Mundial y por la decidida labor de directores como Bruno Walter, Otto Klemperer y, más tarde, Bernard Haitink o Leonard Bernstein, su música empezó a interpretarse con más frecuencia en el repertorio de las grandes orquestas, encontrándose entre los compositores más destacados en la historia de la música.
También, a nivel popular, tuvo mucha trascendencia la inclusión del Adagio de la 5ª Sinfonía en la película Muerte en Venecia, de Luchino Visconti.
En la primera década del siglo XX, Gustav Mahler fue uno de los más importantes directores de orquesta y de ópera de su momento.
Después de graduarse en el Conservatorio de Viena en 1878, fue sucesivamente director de varias orquestas cada vez más importantes en diversos teatros de ópera europeos, llegando en 1897 a la que entonces se consideraba la más notable: la dirección de la Ópera de la Corte de Viena (Hofoper). Durante sus diez años en la capital austriaca, Mahler —judío converso al catolicismo— sufrió la oposición y hostilidad de la prensa antisemita.
Como compositor, centró sus esfuerzos en la forma sinfónica y en el lied.
La Segunda, Tercera, Cuarta y Octava sinfonías y Das Lied von der Erde (La canción de la Tierra) conjugaron en sus partituras ambos géneros.
La revalorización de Mahler fue lenta, al igual que la de Anton Bruckner, y se vio retrasada a causa de su gran originalidad y del auge del nazismo en Alemania y Austria, pues su condición de judío catalogó a su obra como «degenerada» y «moderna». Lo mismo sucedió con otros compositores, caídos en desgracia en el Tercer Reich.
Solo al final de la Segunda Guerra Mundial y por la decidida labor de directores como Bruno Walter, Otto Klemperer y, más tarde, Bernard Haitink o Leonard Bernstein, su música empezó a interpretarse con más frecuencia en el repertorio de las grandes orquestas, encontrándose entre los compositores más destacados en la historia de la música.
También, a nivel popular, tuvo mucha trascendencia la inclusión del Adagio de la 5ª Sinfonía en la película Muerte en Venecia, de Luchino Visconti.
domingo, 17 de mayo de 2020
FELICITACIONES A PASCUAL
NOTA PERSONAL RECIBIDA DE NUESTRA COMPAÑERA MENTO.
Hoy, tanto en nombre propio como de los compañeros que se sientan representados, quiero felicitar a nuestro compañero Pascual en su onomástica, así como agradecerle el esfuerzo, trabajo y tiempo que dedica al mantenimiento del Blog, como núcleo de conexión de todo el Grupo, máxime en estos momentos en que no tenemos el encuentro habitual y regular en las Aulas.
Es difícil elegir una página musical que dedicarle, como se hacía en Aquellos Discos Dedicados, pero seguro que con esto no me equivoco, y así recuerda su juventud, que es la mía y nuestra propia.
PLÁCIDO EN EL ALMA
Como parece ser que es un detalle que se puede haber olvidado, por otras circunstancias, recordamos que de acuerdo con una encuesta realizada en el año 2008 Plácido Domingo fue elegido como el más grande tenor de todos los tiempos por un jurado de 16 críticos convocados por la revista BBC Music Magazine, que designó además al joven peruano Juan Diego Flórez como el más prometedor.
Logicamente, como en todos los aspectos de la vida, cada aficionado tendrá su gusto personal, puesto que son muchos los tenores a lo largo de la Historia, e incluso el própio Plácido dice que el mejor de todos los tiempo ha sido Enrico Caruso.
La lista definitiva desató todo tipo de polémicas desde el mismo día de su publicación y muchos aficionados mostraron su disconformidad con los resultados.
En esa lista, en el que el primer lo ocupa Plácido y a modo de curiosidad:
El segundo es Caruso
El tercero Pavarotti
En el puesto 17. Alfredo Kraus.
En esa lista, es evidente que según muchos otros críticos y aficionados, sobran algunos y faltan otros, pero pocos discrepan sobre la justicia del Primer designado, así como que el puesto de Kraus es un puro despropósito dificil de entender.
Dejando a un lado estas discusiones, y centrándonos en nuestra objetivo, queremos recordar que en el año 2016, el Estadio Santiago Bernabeu acogió un Concierto Homenaje a Plácido Domingo, que contó con artistas de la talla y de todos los estilos como
Alejandro Sanz, Andrea Bocelli, José Mercé, David Bisbal, Sara Baras, Pablo Alborán, Alejandro Fernández, Fher (Maná), Juanes, Pablo López, India Martínez, Rozalén, Carlos Baute, Diego Torres, Il Volo, Dvicio, Los Secretos, Diana Navarro, Pablo Sainz Villegas, Ara Malikian, Arturo Sandoval, Café Quijano, Plácido Domingo Jr., la Compañía Antonio Gades, la Orquesta Titular del Teatro Real, el Coro Filarmónica o Bertín Osborne, este último, además, como maestro de ceremonias.
ERIK SATIE
El 17 de mayo de 1866 nace Erik Satie, compositor y pianista francés.
Precursor del minimalismo y el impresionismo, es considerado una figura influyente en la historia de la música.
También es considerado precursor importante del teatro del absurdo y la música repetitiva. Denostado por la academia y admirado por otros compositores de su época, ingresó inesperadamente en el conservatorio a los cuarenta años.
Esto sorprendió a quienes lo conocían, ya que hasta ese momento su formación había sido irregular y se dedicaba, entre otras cosas, a la música de cabaret.
Además de la música, Satie fue un pensador con un «gran sentido de la elocuencia», que dejó un notable conjunto de escritos, habiendo contribuido en numerosas publicaciones, desde la revista 391 hasta la revista cultural estadounidense Vanity Fair.
Precursor del minimalismo y el impresionismo, es considerado una figura influyente en la historia de la música.
También es considerado precursor importante del teatro del absurdo y la música repetitiva. Denostado por la academia y admirado por otros compositores de su época, ingresó inesperadamente en el conservatorio a los cuarenta años.
Esto sorprendió a quienes lo conocían, ya que hasta ese momento su formación había sido irregular y se dedicaba, entre otras cosas, a la música de cabaret.
Además de la música, Satie fue un pensador con un «gran sentido de la elocuencia», que dejó un notable conjunto de escritos, habiendo contribuido en numerosas publicaciones, desde la revista 391 hasta la revista cultural estadounidense Vanity Fair.
La Música de Satie, o se la adora o se odia. Nosotros somos de los primeros.
¿QUE PASARÁ CON LAS GRANDES SINFONÍAS?
Hemos sido informados directamente por la Sinfónica de Murcia, y suponemos que también lo estará abordando nuestra ROSS, y del resto de ellas, del trabajo que están haciendo para poder adaptar sus recintos a las exigencias sanitarias que lamentablemente deberemos soportar durante un tiempo indefinido.
Entendemos que en cuanto a los auditorios, se reducirán los aforos para guardar las distancias exigidas.
Pero ¿Que pasará sobre el escenario?
Una solución suponemos será programar más música de cámara, sinfónicas con necesidad de pocos músicos o incluso adaptaciones para versiones reducidas.
Esto nos hace pensar.
"Trata de imaginar que todo el universo comienza a sonar y resuena. No hay más voces humanas, solo planetas y soles girando en sus órbitas", escribió Gustav Mahler a su amigo Willem Mengelberg, después de completar los bocetos de su Sinfonía n.º 8.
La legendaria relación entre Mahler, la Royal Concertgebouw Orchestra y Mengelberg ha establecido una firme tradición de interpretar a Mahler en Amsterdam.
La brillante interpretación de Mariss Janson de la Sinfonía de los mil es otra joya en la corona del aclamado ciclo Mahler de Concertgebouw. Con un elenco repleto de estrellas y excelentes fuerzas corale.
Entendemos que en cuanto a los auditorios, se reducirán los aforos para guardar las distancias exigidas.
Pero ¿Que pasará sobre el escenario?
Una solución suponemos será programar más música de cámara, sinfónicas con necesidad de pocos músicos o incluso adaptaciones para versiones reducidas.
Esto nos hace pensar.
¿Cuando podremos ver una Gran Sinfonía, como todas las de Mahler, Bruckner, Septima y Novena de Beethoven, Dvorak y así una sucesión que podríamos prolongar hasta donde la imaginación nos lleve?
¿Y cuando será posible interpretar una Sinfonía de los Mil?.
Quizás una de las últimas interpretaciones de esta sinfonía, que precisa de una gran inversión musical y coral, y por tanto dificil de programar, será la que el Royal Concertgebow de Amsterdam nos ha ofrecido el pasado viernes, 15 de Mayo de una representación previa dirigida por Mariss Janson, y que inmediatamente se convirtió en una grabación "de referencia"."Trata de imaginar que todo el universo comienza a sonar y resuena. No hay más voces humanas, solo planetas y soles girando en sus órbitas", escribió Gustav Mahler a su amigo Willem Mengelberg, después de completar los bocetos de su Sinfonía n.º 8.
La legendaria relación entre Mahler, la Royal Concertgebouw Orchestra y Mengelberg ha establecido una firme tradición de interpretar a Mahler en Amsterdam.
La brillante interpretación de Mariss Janson de la Sinfonía de los mil es otra joya en la corona del aclamado ciclo Mahler de Concertgebouw. Con un elenco repleto de estrellas y excelentes fuerzas corale.
DISFRUTEMOS DE ELLA MIENTRAS PODAMOS, GRACIAS A LA GENEROSIDAD DEL CONCERTGEBOW.
Para aquellos que no sean muy aficionados, podemos asegurar que La Orquesta del Concertgebouw de Ámsterdam, es probablemente la agrupación sinfónica con mayor pedigrí mahleriano del mundo.
sábado, 16 de mayo de 2020
DISCOS QUE HAN SIGNIFICADO ALGO EN TU VIDA
En estas fechas, es posible que muchos de nosotros hayamos sido invitados por Amigos de Facebook para compartir Portadas de Discos y de Libros que han significado algo a lo largo de nuestro vida.
Nuestro compañero Pascual está publicando algunas de esas portadas en su Facebook personal aceptando el reto de su amigo, el maestro Francisco Soriano, pianista y profesor del Conservatorio y hemos pensado en centrarnos en los discos, que nos permite la inclusión de Música en el Blog, así como algún comentario ya que el reto habla de solamente portadas, sin comentarios ni enlaces a Música.
Por tanto, pedimos a nuestros compañeros de La Décima, que nos envíen sus sugerencias, que pueden ser fotos de esas portadas, título y pequeño comentario.
Si no vienen acompañado de enlace a vídeos, nosotros nos ocuparemos de buscar y seleccionar los más adecuados a sus selecciones.
¿ACEPTAS EL RETO?.
Puedes hacerlo, a través de Comentario en el propio Blog, o bien enviando whatsapp o e-mail directamente a nuestro compañero Pascual, quien se ocupará de su publicación.
A modo de ejemplo, sin ningún comentario adicional, incluimos un Vídeo de algo que pudiera corresponder a una Selección personal de alguien.
CONCIERTO GLOBAL VIRTUAL DE JAZZ
También el mundo del Jazz ha querido sumarse a los Conciertos Virtuales Globales, y para ello ha contado con la colaboración de la Unesco y su embajador mundial de Buena Voluntad Herbie Hancock junto a sus asociados Morgan Freeman y Forest Hytacker.
Fue para celebrar el Día Mundial de Jazz e intervinieron musicos de la talla de
Stevie Wonder, John McLaughlin, Cecile McLorin Salvant, Artistas de la Unesco para la Paz así como Marcus Miller, Jane Monheit, Angelique Kidjo, Lang Lang, John Beasley, Ben Williams, Lizz Wright, John Scofield, Igor Butman, Evgeny Pobozhiy, Youn Sun Nah, A Bu, Dee Dee Bridgewater, Dianne Reeves, Joey DeFrancesco y otros muchos.
Incluso se envió un mensaje desde la Estación Espacial.
Ahora podemos ver ese Concierto tan especial gracias a la gentileza de United and Carnival Corporation Plc., si bien no sabemos el tiempo que permaneceré disponible.
Fue para celebrar el Día Mundial de Jazz e intervinieron musicos de la talla de
Stevie Wonder, John McLaughlin, Cecile McLorin Salvant, Artistas de la Unesco para la Paz así como Marcus Miller, Jane Monheit, Angelique Kidjo, Lang Lang, John Beasley, Ben Williams, Lizz Wright, John Scofield, Igor Butman, Evgeny Pobozhiy, Youn Sun Nah, A Bu, Dee Dee Bridgewater, Dianne Reeves, Joey DeFrancesco y otros muchos.
Incluso se envió un mensaje desde la Estación Espacial.
Ahora podemos ver ese Concierto tan especial gracias a la gentileza de United and Carnival Corporation Plc., si bien no sabemos el tiempo que permaneceré disponible.
SONATAS PARA VIOLÍN Y PIANO. BRAHMS Y BEETHOVEN
Este fin de semana, sugerimos la escucha de dos de las grandes sonatas para Violín y Piano, la número 6 de Beethoven y la 3ª de Brahms.
Pero para ello, hemos querido seleccionar, no cualquier interpretación, sino la que llevaron a cabo dos genios como David Oistriakh y Sviatoslav Richter.
Esta grabación que puede consiederarse "de referencia" en estas composiciones, al reunirse dos de las mayores figuras de la historia de sus respectivos instrumentos. cuenta además con una "propina" en forma del Scherzo de la "Primavera" de Beethoven.
El concierto fue ofrecido en Nueva York en el año 1970 en el Lincoln Center.
Pero para ello, hemos querido seleccionar, no cualquier interpretación, sino la que llevaron a cabo dos genios como David Oistriakh y Sviatoslav Richter.
Esta grabación que puede consiederarse "de referencia" en estas composiciones, al reunirse dos de las mayores figuras de la historia de sus respectivos instrumentos. cuenta además con una "propina" en forma del Scherzo de la "Primavera" de Beethoven.
El concierto fue ofrecido en Nueva York en el año 1970 en el Lincoln Center.
BETTY CARTER
,El 16 de mayo de 1929 nace Betty Carter, cantante estadounidense de jazz.
Se trata probablemente de la vocalista más innovadora de la historia del jazz, vinculada casi permanentemente a la vanguardia jazzística y con una tendencia constante a la improvisación y a la transgresión de los límites armónicos y melódicos de las canciones.
Carter tuvo la oportunidad de actuar con famosos artistas de jazz como Dizzy Gillespie, quien visitaba Detroit con frcuencia. A menudo se considera a Gillespie responsable de su gran pasión por el scatting.
A lo largo de su carrera pasó por muy profundos altibajos hasta que ya a finales de los años 70 gozó de un nuevo pico de estima y reconocimiento de la mano del sello discográfico Verve, quien incluso reedito éxitos antiguos y ya caso olvidados de Betty.
Ofrecemos un programa que emitió RTVE en su Jazz entre Amigos, que dirigió con extraordinario acierto durante varios años, Juan Carlos Cifuentes "Cifu para los amigos".
Se trata probablemente de la vocalista más innovadora de la historia del jazz, vinculada casi permanentemente a la vanguardia jazzística y con una tendencia constante a la improvisación y a la transgresión de los límites armónicos y melódicos de las canciones.
Carter tuvo la oportunidad de actuar con famosos artistas de jazz como Dizzy Gillespie, quien visitaba Detroit con frcuencia. A menudo se considera a Gillespie responsable de su gran pasión por el scatting.
A lo largo de su carrera pasó por muy profundos altibajos hasta que ya a finales de los años 70 gozó de un nuevo pico de estima y reconocimiento de la mano del sello discográfico Verve, quien incluso reedito éxitos antiguos y ya caso olvidados de Betty.
Ofrecemos un programa que emitió RTVE en su Jazz entre Amigos, que dirigió con extraordinario acierto durante varios años, Juan Carlos Cifuentes "Cifu para los amigos".
viernes, 15 de mayo de 2020
HISTORIA DE ESPAÑA . EL HOMBRE QUE MATÓ A CUERNO VERDE
A mediados del siglo XVIII, Juan Bautista de Anza, gobernador de Nuevo México, fue designado por la Corona para acabar con la banda comanche más peligrosa a la que tuvo que enfrentarse el Imperio español.
Al frente de un grupo de dragones de cuera, unidad de caballería que defendía miles de kilómetros de frontera, el legendario gobernador se internó en la Comanchería a la caza de Cuerno Verde, llamado así por el color de su tocado.
La épica lucha entre Anza y el comanche en lo que hoy es suelo estadounidense fácilmente evoca la escena de algún western, salvo porque faltaba más de un siglo para que Edwin S. Porter iniciara este género cinematográfico con «Asalto y robo de un tren».
Para entonces, los jinetes españoles tenían muy pateado el Salvaje Oeste.
Escucha la historia con guión de César Cervera, autor de 'Superhéroes del Imperio', narrada por Diego Moreno y con la colaboración en las ficciones sonoras de Jesús Calero, David del Río y Jorge Sanz. (ABC DE SEVILLA)
PASCUAL DESDE SEVILLA Y EN ÁGUILAS CON LA CONCERTANTE
Pascual ha sentido nostalgia con la nota remitida por Elena desde el Mar Cantábrico y él quiere referirse en estos momentos a su Mediterraneo, y más concretamente a Águilas, donde confía que no pase mucho más tiempo para poder desplazarse y cargar esas pilas de su ánimo que están ya en "Rojo" y pidiendo ser conectado con urgencia.
Tanto él, como algunos compañeros de La Décima que de vez en cuanto viajamos y presenciamos en directo un concierto de PróMusica Águilas en su Auditorio de Las Delicias, recordamos en estas fechas que el pasado año tuvimos ocasión de disfrutar de una excepcional interpretación de la Sinfonía Concertante de Mozart a cargo de dos virtuosas, que reúnen todas las circunstancias para ser unas grandes triunfadoras en el ámbito internacional como de hecho ya lo son.
Nos referimos a Laura Rodriguez al violín e Isabel Villanueva a la Viola quienes nos ofrecieron una excepcional Sinfonía Concertante.
De Laura, y en fechas recientes, un crítico musical muy vinculado a nosotros por muchos motivos, le decía a Pascual tras escuchar una grabación: Toca como los Ángeles y con una figura que además le acompaña. A nosotros nos recuerda a la que posiblemente sea una de sus colegas favoritas y por supuesto lo es para nosotros: Anne Sophie Mutter.
De Isabel, recientemente hablaron en el final del Telediario de la 1, como una de las más firmes realidades de ese instrumento tan olvidado como es la Viola.
Ambas cosas nos pueden dar una idea del nivel de calidad de estos Conciertos que se celebran allí y que tanto añoramos.
Hasta ayer mismo no ha estado disponible de forma pública, un fragmento de la Concertante, grabación de Mayo del 2019, concretamente su movimiento Andante, con la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia y con la dirección de su titular Virginia Martinez. Todo un lujo.
Tanto él, como algunos compañeros de La Décima que de vez en cuanto viajamos y presenciamos en directo un concierto de PróMusica Águilas en su Auditorio de Las Delicias, recordamos en estas fechas que el pasado año tuvimos ocasión de disfrutar de una excepcional interpretación de la Sinfonía Concertante de Mozart a cargo de dos virtuosas, que reúnen todas las circunstancias para ser unas grandes triunfadoras en el ámbito internacional como de hecho ya lo son.
De Laura, y en fechas recientes, un crítico musical muy vinculado a nosotros por muchos motivos, le decía a Pascual tras escuchar una grabación: Toca como los Ángeles y con una figura que además le acompaña. A nosotros nos recuerda a la que posiblemente sea una de sus colegas favoritas y por supuesto lo es para nosotros: Anne Sophie Mutter.
De Isabel, recientemente hablaron en el final del Telediario de la 1, como una de las más firmes realidades de ese instrumento tan olvidado como es la Viola.
Ambas cosas nos pueden dar una idea del nivel de calidad de estos Conciertos que se celebran allí y que tanto añoramos.
Hasta ayer mismo no ha estado disponible de forma pública, un fragmento de la Concertante, grabación de Mayo del 2019, concretamente su movimiento Andante, con la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia y con la dirección de su titular Virginia Martinez. Todo un lujo.
ELENA DESDE PECHÓN
Continúo con mi confinamiento en Pechón, sin poder desplazarme a la cercana Asturias para poder estar con mi hija y familia.
Esta mañana he hecho mi recorrido habitual de 11 kilómetros y llegado hasta el Pigüezo, desde donde he recordado que en una ocasión vimos la puesto de sol con María Rosa y Pascual.
No sabemos que música iría escuchando Elena en ese formidable paseo matutino, prácticamente de madrugada, pero esta que le proponemos no le iría nada mal, sobre todo si el mar estaba en MAREA BAJA
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