Si bien no existirán unas largas vacaciones, lo cierto es que durante las próximas semanas, este blog va a imitar el comportamiento del río Guadiana.
¿Qué significa esto? Que entraremos en una fase de actividad intermitente.
Al igual que el famoso río, nuestro ritmo de publicación "desaparecerá" de la superficie en algunos momentos para que podamos descansar, pero volverá a "emerger" con fuerza y nuevos contenidos de forma alterna.
No nos marchamos por mucho tiempo, simplemente bajamos el ritmo para recargar pilas.
Sigue atento, porque en cualquier momento volveremos a asomar la cabeza por aquí.
¡Feliz verano y feliz descanso a todos!
Entretanto, seguiremos dsfrutando con la Música Clásica, con el Jazz, y ¿Como y por qué no?, Con un buen Rock and Roll.
Y siempre son el sabor a sal y a mar sobre tu piel.
Supongo que como nosotros, fueron muchos quienes a finales de los 60 se vieron sorprendidos por esta pieza musical, además tan larga, y que firmaba un grupo con un nombre tan curioso como "Iron Butterfly" Mariposa de Acero.
"In-A-Gadda-Da-Vida" es una de las composiciones más icónicas y revolucionarias de la historia del rock, grabada por la banda estadounidense Iron Butterfly en 1968, Con una duración exacta de 17 minutos y 5 segundos, esta pieza ocupa por completo la cara B del disco de vinilo y es ampliamente reconocida como una obra puente fundamental entre el rock psicodélico y el nacimiento del heavy metal.
Fue un accidente de grabación. La banda tocó la versión de 17 minutos simplemente para probar los niveles de sonido de los micrófonos en el estudio, pero el productor decidió que la toma era perfecta y la dejó tal cual.
Gracias a este tema, el disco fue el primer álbum de la historia de la música en recibir la certificación oficial de Disco de Platino de la RIAA.Versión de radio.
Para poder pasarla en las emisoras de la época, se editó una versión corta en single de 2 minutos y 52 segundos que llegó al Top 40 de Billboard.
El final de Aida de Giuseppe Verdi "O Terra Addio), es uno de los momentos más trágicos, íntimos y célebres de la historia de la ópera a la vez que encierra profundos mensajes filosóficos y políticos.
Significa tambien el Triunfo del amor sobre la muerte: La muerte no se presenta como una derrota, sino como una liberación.
Al morir juntos, Aida y Radamés escapan de las barreras terrenales (guerra, racismo, deber político) que hacían imposible su amor en la Tierra.
CONTEXTO:
Radamés, general egipcio, es condenado por los sacerdotes a ser enterrado vivo en la cripta del templo de Vulcano tras ser acusado involuntariamente de traición.
Amneris, la hija del Faraón que ama a Radamés, intenta salvarlo pidiéndole que reniegue de Aida, pero él se niega.
Una vez sellada la tumba, Radamés descubre que Aida se ha escondido secretamente en la cripta tres días antes para morir junto a él.
Verdi contrapone el canto fúnebre y rígido de los sacerdotes ("Immensu Fthà") con la melodía mística, ligera y ascendente de los amantes
El 29 de junio de 1963 nace Anne-Sophie Mutter, violinista alemana.
Empezó tocando el piano a la edad de cinco años. Poco tiempo después empezó a tocar el violín, y después de ganar diversos premios, se dedicó exclusivamente a la música, al obtener una exención de asistencia a la escuela.
A los trece años de edad el director Herbert von Karajan la invitó a tocar con la Orquesta Filarmónica de Berlín.
Anne-Sophie Mutter es unánimemente considerada una de las mejores violinistas de la historia y un auténtico fenómeno de la música clásica contemporánea.
Anne-Sophie Mutter, dedica gran parte de su tiempo a la formación y el mecenazgo de jóvenes promesas de la música a través de su fundación y de su ensamble itinerante Mutter's Virtuosi.
Su característico sonido cobra vida a través de dos joyas históricas de la luthería creadas por Antonio Stradivari: el Emiliani (1703) y su violín principal, el Lord Dunn-Raven (1710)
John Williams, el célebre compositor de Hollywood ha escrito múltiples piezas de concierto para ella, además de adaptar los temas cinematográficos más icónicos (como Star Wars o La lista de Schindler) para violín.
El 29 de junio de 1911 nace en Nueva York Berard Hermann, compositor estadounidense especializado en el género cinematográfico.
Galardonado con un premio de la Academia a la mejor música de película dramática por su trabajo en El hombre que vendió su alma (The Devil and Daniel Webster, 1941), es principalmente conocido por sus colaboraciones con Orson Welles (Ciudadano Kane, La guerra de los mundos) y con Alfred Hitchcock, director con el que Herrmann cosechó la mayoría de sus grandes éxitos (Vértigo, The Man Who Knew Too Much y Psicosis).
Hoy debemos y es una satisfacción, felicitar a todos los Pedros y Pablos, especialmente compañeros, como Pedro Contreras, y amigos lectores de nuestro Blog.
El primer Papa de la Iglesia y el Apostol de los Gentiles, y entre ambos, los dos grandes pilares de la Fe Cristiana y también los dos sufrieron martirio por defender esa Fe.
En España fue hasta hace unos años, una Fiesta Nacional, concretamente hasta el 1977, para adaptarlo a la "modernidad", lo que viene a darnos la importancia que tal día tenía, y que sigue hacéndolo en muy diversos paises tanto hispano americanos como europeos.
Y para poner música a este día, logicamente tenemos que pensar en el gran Pedro Tchaikovsky y su composición que lleva incluido en su nombre este mes de Junio. "Junio Barcarola".
Cecilia Bartoli es una de las mezzosopranos más influyentes de la historia de la música lírica. Su importancia radica en haber revolucionado el canto barroco y el bel canto, devolviendo a la vida composiciones olvidadas gracias a un minucioso trabajo de investigación musicológica.
Con más de diez millones de discos vendidos, cinco premios Grammy y su actual rol como directora artística de instituciones como la Ópera de Montecarlo, es un fenómeno cultural único.
Curiosamente, Sevilla juega un papel crucial, simbólico y profesional en su juventud, marcando el inicio de su meteórica carrera internacional.
Seguimos ocupados y preocupados en la joven soprano Inés Ananda, desde que la conocimos hace años, y a través de actividades paralelas de la ASAO, y posteriores y fuertes vinculaciones personales.
Para poder pasar del Conservatorio a la Escuela Superior de Canto hasta ahora bastaba con tenerlo todo aprobado pero al haber más demanda que oferta han tenido que poner nota de corte.
En el primer Curso del Conservatorio se estudian muchas materias, instrumentación, idiomas (italiano, alemán, frances, ingles) sobre las que no podemos conocer detalles, pero hay algo sobre lo que sí podemos manifestarnos que es en lo que es visible, el Taller de Ópera y Técnicas Escénicas, al existir grabaciones realizadas incluso dentro de los propios conservatorios, como el vídeo que ofrecemos y correspondiente a una de las últimas pruebas del pasado curso, que Inés ha cursado en Salamanca y si el resto reune las mismas características de calidad y no existen motivos extra formativos, o de cualquier otra índole, el paso a la Escuela, en Madrid sería más que evidente y justificado.
Podríamos dar nuestra opinión sobre ese vídeo, pero solo somos unos aficionados y además imparciales, así que hemos solicitado el informe aséptico de quien tiene unos grandes conocimientos y experiencia en todo el mundo, sobre la base del citado vídeo, que no conocen personalmente a nuestra Amiga, y del que extractamos algunos de los párrafos:
En esta aria de Donizetti, demuestra una gran comodidad en la tesitura alta, manteniendo el control del aire sin reflejar tensiones físicas evidentes. "Il faut partir" exige un control del legato muy pulido y frases largas suspendidas en el aire.
La soprano exhibe una correcta administración del fiato (capacidad pulmonar y apoyo), logrando sostener las notas melancólicas de la pieza con un sonido homogéneo. Demuestra una afinación precisa en las transiciones de notas. Su timbre es dulce, claro y con un color juvenil y fresco que encaja de forma idónea con el personaje de Marie.
Si fuera el examinador de su tribunal de Canto en un Conservatorio Superior, la calificación para esta actuación en un primer año de carrera sería de 10 / Sobresaliente (con opción a Matrícula de Honor).
Para un examen de primer curso, este nivel es absolutamente excepcional. Los criterios académicos que justifican esta nota máxima se desglosan a continuación:VER EL INFORME COMPLETO PULSANDO AQUÍ.
El 27 de Junio de 1932 nace en Pensilvania, Anna Moffo, una de las principales sopranos lírico-coloratura de su generación, célebre por su voz cálida, ágil y radiante, así como por una deslumbrante belleza física que le valió el apodo mundial de "La Bellissima".
Rechazó contratos tempranos en el cine para estudiar seriamente en el prestigioso Instituto de Música Curtis en Filadelfia. En 1954, ganó una beca Fulbright que le permitió perfeccionarse en la Academia Nacional de Santa Cecilia en Roma.
Su verdadero salto a la fama internacional se dio en 1956, cuando protagonizó una producción televisiva italiana de Madama Butterfly, convirtiéndose en una sensación de la noche a la mañana.
Antes de dedicarse de lleno a la ópera, Anna Moffo consideró seriamente convertirse en monja e ingresar a un convento. Su profundo amor por la música terminó por desviar su camino.
En Hollywood le ofrecieron contratos cinematográficos debido a su gran atractivo físico, pero los rechazó para priorizar su formación clásica en el conservatorio.
Aparte de cantar, estaba titulada como pianista solista y musicóloga, y además tocaba la viola.
El 27 de junio de 1957 marcó el inicio de la motorización de España y de la clase media durante el siglo XX, con un precio inicial de unas 65.000 pesetas de la época.
El país pasó de moverse a pie, en bicicleta o en carros a cruzar la península a una velocidad máxima de unos 95-100 km/h.
Nació la costumbre de pasar las vacaciones en la playa.
Las carreteras secundarias se llenaron de estos coches rumbo a la costa mediterránea o cantábrica.
Conseguir uno no era fácil; había listas de espera de meses o incluso años. Poseerlo demostraba que una familia pertenecía a la nueva y emergente clase media.
Aunque estaba homologado para 4 personas, era habitual que viajaran el matrimonio, tres hijos, la abuela y hasta el perro. El NO-DO llegó a documentar el caso extremo de una familia de 19 hijos que hacía varios viajes en su 600 para trasladarse.
Tras haber publicado algunos de esos finales que nos estremecen cuando los escuchamos, surgidos del genio de Puccini, vamos ahora a fijar nuestra atención, sin que hayamos dejando del todo a Puccini, Verdi, y más concretamente en La Traviata.
El final de La Traviata de Giuseppe Verdi (Acto III) es una de las escenas más desgarradoras y célebres de la historia de la ópera, centrada en la redención, el sacrificio y la muerte por tuberculosis de su protagonista, Violetta Valéry.
Verdi rompe las estructuras rígidas de la ópera tradicional italiana. La música fluye de forma continua para adaptarse al ritmo agónico de la respiración y los delirios de la protagonista, usando motivos musicales de actos anteriores (como el tema del amor) para apelar a la memoria emocional del público.
CONTEXTO:
La acción se sitúa en el dormitorio de Violetta en París.
La protagonista se encuentra gravemente enferma, sin dinero y abandonada por sus antiguos amigos del ambiente social marginal de Paris, con la única compañía de su fiel sirvienta Annina.
Al inicio del acto, Violetta lee una carta del padre de Alfredo.
En ella, él le confiesa que le ha revelado a su hijo el noble sacrificio que ella hizo al abandonarlo (para proteger el honor de la familia Germont).
Le anuncia que Alfredo viene en camino para pedirle perdón.
Mientras Violetta canta su dolorosa despedida a la vida ("Addio del passato"), en la calle se escuchan los cantos alegres del Carnaval de París, creando un contraste irónico y cruel entre la vitalidad exterior y la tragedia interior.
Y ofrecemos dos de las mejores interpretes, en nuestra opinión, entre las sopranos actuales, Lisette Oropesa y Ermonela Jaho
En otra publicación hablamos hoy del Heroe de Carretas, el actor Manolo Zarzo, durante un incendio en esa popular calle madrileña.
Al poco tiempo, y ante el estado en que quedó el después famoso actor se le dedicó un homenaje por parte de actores españoles, y hemos visto entre ellos y recordado a una figura, que francamente la teníamos olvidada. Se trata de Chico Valento, haciéndose precido recordarla por la importancia que tuvo en el nacimiento del rock and roll en España.
Chico Valento, fue un cantante español pionero del rock and roll a finales de los años 1950 y la década de 1960. Junto a figuras como Miguel Ríos, Kurt Savoy o Rocky Kan, ayudó a introducir los ritmos estadounidenses en la España de la época.
Su especialidad eran las versiones al español de grandes éxitos de rock instrumental, rockabilly, twist y pop internacional. Grabó numerosos discos en formato EP y sencillos con sellos de la época. Su catálogo está recopilado en plataformas como Spotify.
Entre grandes almacenes desaparecidos, mercerías que conocían a cada cliente por su nombre y tiendas que marcaron generaciones enteras, este viaje recorre los comercios que definieron la vida cotidiana de millones de españoles.
Desde Galerías Preciados y Simago hasta Don Algodón, Sederías Carretas y los legendarios Almacenes Madrid-París, descubrimos cómo compraban, vestían y vivían nuestros padres y abuelos.
Más que simples negocios, fueron escenarios de recuerdos, encuentros familiares y momentos que hoy forman parte de la memoria colectiva de España.
Y como en el vídeo se habla de las antiguas Sederias Carretas, hemos pensado que se hace casi obligado recordar al actor Manolo Zarzo, que se convirtió de la noche a la mañana en el "Heroe de Carretas".
El 24 de septiembre de 1960, un devastador incendio consumió un edificio comercial en dicha vía madrileña (habitualmente confundido con Sederías Carretas, aunque ocurrió realmente en los Almacenes Chaguaceda, en el número 12).Zarzo, quien pasaba casualmente por allí tras haber enterrado a su hija de dos meses esa misma mañana, se sumó a los ciudadanos que intentaban rescatar a los atrapados. Su acción heroica se inmortalizó cuando atrapó al vuelo con su propio cuerpo a una dependienta que saltó desde una ventana alta para huir de las llamas. El brutal impacto le salvó la vida a la joven, pero dejó al actor clínicamente muerto durante dos horas y le causó graves lesiones en la columna que requirieron meses de escayola y secuelas de por vida.
DEBERÍAMOS PERMITIR OLVIDAR LOS VIEJOS AMIGOS Y LOS TIEMPOS PASADOS:
"Auld Lang Syne" es una de las canciones más cantadas del planeta, traducida del escocés antiguo como "Por los viejos tiempos" o "Hace mucho tiempo".
El tema principal es una celebración de la amistad, la nostalgia y la lealtad frente al paso implacable del tiempo.A través de sus estrofas, plantea una pregunta fundamental:
¿Deberían olvidarse los viejos amigos y los tiempos pasados?
La respuesta de la canción es un rotundo "no".
El texto describe el reencuentro de dos personas que evocan los días de su infancia y juventud (corriendo por las colinas o cruzando ríos juntos), para concluir brindando con una "copa de bondad" en honor al camino compartido.
La leyenda de la cierva blanca de Sertorio en Sevilla narra cómo el general romano Quinto Sertorio utilizó a un animal supuestamente sagrado como estrategia de propaganda política y militar para ganarse la devoción de los pueblos hispanos durante las Guerras Sertorianas (82-72 a.C.).
Según los textos del historiador clásico Plutarco, un campesino local capturó una cría de cierva con un pelaje completamente blanco y se la regaló a Sertorio.
El general consiguió domesticarla pacíficamente hasta el punto de que el animal lo seguía a todas partes, caminaba libremente por los campamentos militares y arrimaba el hocico a su oreja.
La manipulación divina Sertorio, consciente de la profunda religiosidad y credulidad de las tribus indígenas ibéricas, aprovechó el color inmaculado del animal para elaborar su engaño:Afirmó públicamente que la cierva era un regalo directo de la diosa Diana e hizo creer a sus tropas que el animal poseía facultades proféticas y le susurraba secretos divinos al oído.
Esto no debería extrañarnos actualmente, en que líderes políticos tienen engañados y hipnotizados a sus fieles, incluso sin "cierva que les susurre"
Hoy vamos abordar la escena final de La Boheme, con la muerte de Mimí, uno de los momentos más desvastadores y efectivos de la historia de la Ópera, y que al contrario de otros, en éste, Puccini no recurre a la estridencia de la música, sino al silencio absoluto.
CONTEXTO:
La escena se desarrolla en la misma fría buhardilla de París donde Mimí y Rodolfo se enamoraron.
Mimí, debilitada por la tuberculosis, regresa allí porque su último deseo es morir cerca de Rodolfo.
Los amigos bohemios venden sus pocas pertenencias (un abrigo, unos pendientes) para comprarle medicinas y un manguito para calentar sus manos.
Tras un momento a solas donde la pareja recuerda su amor, los amigos regresan.
Mimí se queda dormida pacíficamente y deja de respirar.
Rodolfo es el último en darse cuenta, y la ópera cierra con sus gritos desgarradores desesperados.
Esta ópera no habla grandes y heroícos personajes sino de jóvenes comunes, pobres y vulnerables. La pobreza extrema imposibilita su tratamiento médico, volviendo la tragedia dolorosamente humana y cercana.
El manguito de piel: Este pequeño objeto simboliza el amor puro de los amigos. Musetta y Marcello sacrifican lo poco que tienen para darle un último instante de calor y dignidad a la joven.
La genialidad del final radica en que el espectador ve morir a Mimí antes que los personajes. La tensión estalla cuando Rodolfo nota las caras de sus amigos, comprende lo ocurrido y grita su nombre en agonía.
El 26 de Junio 1783 en San Petersburgo (Rusia), el matemático y físico Leonhard Euler (1707-1783) describe la llegada de la nube ácida proveniente del volcán Laki (de Islandia), que explotó el 8 de junio y erupcionará los próximos 8 meses.
En los dos años siguientes esta niebla causará una gran hambruna, que dejará un saldo de 6 millones de muertes en todo el mundo. Se ha descrito como «una de las mayores catástrofes medioambientales en la Historia europea».
Aunque geográficamente el sur de Europa quedó más resguardado de los gases ácidos letales directos en comparación con el norte del continente, el impacto en el territorio español fue notable y quedó registrado en las crónicas de la época.
A partir de finales de junio de 1783, una densa y misteriosa bruma de origen volcánico se extendió por la península ibérica.
Los periódicos madrileños y las crónicas de la época describieron intensos atardeceres anómalos. El sol adquiría un tono rojizo apagado debido a la alta concentración de aerosoles de sulfato suspendidos en la estratosfera.
¿Cómo podemos cambiar nuestra forma de ver lo cotidiano?
Acariciando cada frase, Nuria Pérez nos invita a volver al asombro y hacer que nuestro día a día cuente y nos acerque a la felicidad está en nuestra mano.
Enlazando historias que conectan almas, diferentes países y recuerdos, la escritora vuela con cada uno de sus relatos como un diente de león con un único destino: transmitir el amor por la palabra y el poder que ejercen sobre cada uno de nosotros.
El 26 de junio de 1956 fallece con 25 años de edad, en un accidente automovilístico, junto al pianista del quinteto, Richie Powell (hermano menor de Bud Powell) y a la esposa de éste.
Clifford Brown fue un trompetista estadounidense de jazz. y una de las figuras más destacables del bebop y del hardbop, a la altura de otros trompetistas como Miles Davis y Dizzy Gillespie.
Brown es inventivo tanto en las baladas melódicas como en las más exigentes jam sessions.
Cuando se enteró de su muerte, Benny Golson compuso una emotiva canción de homenaje titulada "I Remember Clifford" que se ha convertido en uno de los estándars de jazz más conocidos.)
El 26 de junio de 1933 nace en Milán Claudio Abbado, director de orquesta italiano.
Junto a Riccardo Muti está considerado uno de los sucesores de la tradición italiana encarnada por Arturo Toscanini y Victor de Sabata.
Su primera gran oportunidad llegó en 1958 cuando ganó el prestigioso Concurso Internacional de Dirección Dimitri Mitropoulos en Nueva York.
Este logro le brindó exposición internacional y le permitió comenzar a dirigir importantes orquestas en Europa y América del Norte.
En 1963, Abbado fue invitado a dirigir en el Festival de Salzburgo, lo que marcó el inicio de una larga y exitosa asociación con este evento musical de renombre mundial.
A partir de entonces, su carrera despegó y se convirtió en uno de los directores de orquesta más solicitados y respetados del mundo.
En 1992 dirigió un concierto con la Wiener Philharmoniker en La Scala. Después de completar sus compromisos con la Ópera Estatal de Viena, comenzó su actividad a tiempo completo como director artístico de la Filarmónica de Berlín. Una vez más el impacto en la temporada y, en general, la vida cultural del Berlín es notable: en la estela de iniciativas para reestructurar el capital de la nueva Alemania unida, la Filarmónica de Berlín se convirtió en uno de los centros de iniciativas relativas a todas las formas de arte. Además, la Filarmónica de Berlín comienza a encargar nuevas composiciones y ampliar su repertorio a la música contemporánea.
Para quien no conozca este vídeo, les recomendamos que no dejen de hacerlo en algún momento de su vida.
El silencio como música: Explora la filosofía de Abbado, conocido como un "pensador silencioso" que lograba sus visiones musicales más potentes a través del gesto y la mirada, más que con las palabras.ç
Lección de vida: Abbado habla abiertamente sobre el cáncer de estómago que sufrió en el año 2001 y cómo superar esta enfermedad transformó por completo su forma de vivir y de entender el arte.
Para poder disfrutar del primer vídeo hay que pulsar en VER EN YOUTUBE
Nuestra querida amiga, la joven soprano Inés Ananda, a quien desde esta publicación le enviamos todo nuestro cariño y apoyo para afrontar la exigente carrera que ha elegido, no exenta de dificultades y tensiones propias del entorno profesional, aunque en ocasiones también marcada por dinámicas complejas e injustas que pueden surgir tanto entre compañeros de profesión como, en algunos casos, dentro de los propios espacios de formación y tutela de futuras carreras, ha querido colaborar con nosotros y nos ofrece su propuesta.
Es lógico que Inés haya elegido en su colaboración con nuestro Blog, la voz de María Callas, ya que como ella ha confesado muchas veces de forma pública, fue con 6 años, escuchandola en la radio cantar O mio Babinno Caro cuando tuvo claro cual iba a ser su futuro.
El aria que nos propone en cualquier caso, es el final de Madama Butterfly de Puccini.
CONTEXTO:
El aria Con onor muore (cuya frase completa inscrita en la daga es "Con onor muore chi non può serbar vita con onore") constituye el clímax trágico y desenlace definitivo de la ópera Madama Butterfly.
Cio-Cio-San (Butterfly) ha pasado toda la noche en vela esperando el barco de su esposo americano, Pinkerton. Al despertar, Pinkerton llega a la casa, pero no viene solo sino con su nueva esposa estadounidense y con la intención de llevarse al hijo de Butterfly para criarlo en América. Butterfly regresa a la sala emocionada buscando a Pinkerton.
Cio Cio San lo comprende todo de golpe. Pinkerton la ha abandonado para siempre y esa mujer es su esposa legítima. Suzuki se resiste a dejarla sola presintiendo lo peor, pero la protagonista la obliga a salir de la habitación.Sola en la habitación, Butterfly se acerca al altar familiar. Saca la daga que le heredó su padre (en la que está grabada la frase sobre el honor) y se la coloca en el cuello
Mientras Butterfly agoniza desangrándose detrás del biombo, se escuchan los gritos desesperados de Pinkerton desde fuera de la casa llamándola: "¡Butterfly! ¡Butterfly!". Pinkerton y Sharpless entran corriendo a la habitación, pero ya es tarde. El niño sigue jugando inocentemente en el suelo mientras el cuerpo de Butterfly cae sin vida a los pies de Pinkerton. La ópera termina inmediatamente con un acorde orquestal seco y brutal.
Si bien Ines Ananda nos propone, logicamente, una grabación de María Callas, al ser solo en audio, la hemos respetado, pero incluyendo además una de nuestras favoritas interpretaciones, la de Mirella Freni.
Uno de los grandes acontecimientos musicales de todos los años es el que ofrece la Filarmónica de Berlín en los románticos jardines y Palacio de Shönbrun, para dar la bienvenida al Verano.
Este año, se celebró el pasado día 19 bajo la dirección del maestro suizo Lorenzo Viotti, con un variado programa que incluyó entre otras muchas, composiciones de Verdi, Puccini, Tchaikovski, Wagner etc. y contando como invitado especial el reconocido barítono galés Sir Bryn Terfel.
Nota: Dudamos que este vídeo permanezca muchos días de forma libre en Youtube, por lo que recomendamos su grabación.
El 25 de junio de 1870 la Reina Isabel II abdicó al trono de España durante su exilio en París.
Esta decisión histórica pretendía salvar la monarquía borbónica en España, facilitando que su hijo, el futuro rey Alfonso XII, pudiera reinar más adelante.
Líderes alfonsinos, especialmente Antonio Cánovas del Castillo, la convencieron de que el pueblo español no aceptaría su regreso por el descrédito de su reinado.
Mientras España buscaba un monarca extranjero en las cortes europeas, los partidarios de los Borbones necesitaban una figura joven y sin el "desgaste" político de la reina.
La reina firmó el acta de abdicación en el Palacio de Castilla de París, cediendo todos sus derechos dinásticos a su hijo de tan solo 12 años.
El 25 de junio de 1983 fallece en Ginebra Alberto Ginastera, compositor argentino de música académica contemporánea, considerado como uno de los más importantes del siglo XX en América. D
iscípulo destacado de Aaron Copland, su estilo discurrió en torno al dodecafonismo, el serialismo, el microtonalismo y la música aleatoria con un amplio uso de motivos propios del acervo folclórico argentino.
Compuso óperas, ballets, piezas orquestales, obras corales, conciertos para solistas, sonatas y música para películas.
Estancia (Op. 8) es una de las obras más célebres del Ginastera, estrenada en 1941. Es un ballet en un acto y cinco escenas encargado originalmente por el mecenas estadounidense Lincoln Kirstein para su compañía, el American Ballet Caravan
El 25 de junio de 1767 fallece en Hamburgo, Sacro Impero Romano Germánico, Georg Philipp Telemann compositor alemán del Barroco, cuya obra también tuvo características de principios del Clasicismo, y al que se considera el compositor más prolífico de la historia de la música.
Pese a haberse iniciado en la música de forma autodidacta, decidió estudiar Derecho en la Universidad de Leipzig.
Fue contemporáneo de Johann Sebastian Bach y de Georg Friedrich Händel
Consiguió una serie de cargos importantes hasta culminar con el de director de música de las cinco iglesias más grandes de Hamburgo, puesto que ocupó desde 1720 hasta su muerte en 1767.
A su muerte, le sucedió su ahijado Carl Philipp Emanuel Bach, hijo de Johann Sebastian Bach.
El Libro Guinness de los récords mencionó a Telemann como el compositor más prolífico de todos los tiempos, con más de 800 obras acreditadas. El catálogo temático de sus obras publicado en la década de 1980 recoge más de 3000 composiciones de su autoría, muchas perdidas.
Varias de estas piezas perdidas fueron descubiertas recientemente por musicólogos de relieve, como Jason Grant. Muchos de los manuscritos fueron destruidos durante la Segunda Guerra Mundial.
A pesar de ello, la edición de 1911 de la Enciclopedia Británica, que incluye largos artículos sobre Bach y Händel, no menciona a Telemann.
Hoy es el Día de la "Gente de Mar", y nuestro editor quiere dar un homenaje de reconocimiento a toda esa Gente que con su esfuerzo contribuyen a la economía mundial en un trabajo tan duro y a veces tan poco reconocido, y por lo que las Naciones Unidas decidieron visibilizar.
Pero, siendo además de Águilas y viviendo, no junto al mar, sino practicamente "sobre el Mar" y concretamente del Puerto Poniente, nos habla de un tiempo no tan lejano, en que el mar era un misterio absoluto y sin cables.
Los barcos de pesca partían empujados por la necesidad, desafiando a un Mediterraneo que, en su aparente calma, puede ser tran traicionero como un bravo Océano, no avisaban de sus cambios de humor.
Sin radares, sin partes meteorológicos en tiempo real, ni radios que calmaran el alma, cada salida era un desafío ente la necesidad de "traer pan a su familia", aunque fuese en forma de peces.
Una tormenta repentina convertía las calmadas aguas en un muro insalvable y el regreso, en una moneda al aire.
Al caer la tarde, y ya con la noche amenazando, tiene grabada en su mente las siluetas de las mujeres en el Peñón del Roncaor o en el alto del Castillo oteando el horizonte y buscando ese punto en la inmensidad que les sugiriera que sus hombres estaban de vuelta.
Por esto y por muchas otras cosas, nuestro homenaje a esos heroes anónimos a quienes les pediría: Hablame del Mar, Marinero.
Y nuestro redactor, también enamorado de Gijón, y siempre que lo visita recuerda aquellos momentos ante la "Loca del Rinconín".
Madrid esconde restaurantes centenarios que han sobrevivido guerras, crisis, cambios políticos y generaciones enteras de clientes.
Desde Botín hasta Lhardy, estos quince establecimientos no solo sirven comida: conservan siglos de historia, tradiciones y recuerdos que siguen vivos en cada mesa.
Un recorrido por los restaurantes más antiguos de Madrid y las historias que casi desaparecen con ellos.
El Doble Concierto "Romantic Offering" (Ofrenda Romántica) es una obra maestra contemporánea que une a uno de los compositores rusos más importantes del último siglo con dos de los más grandes virtuosos de la música clásica moderna.
Este concierto fue compuesto en 2010 y se estrenó mundialmente en Lucerna el 9 de febrero de 2011.
Shchedrin la escribió específicamente para la pianista Martha Argerich y el chelista Mischa Maisky.
El compositor buscó capturar y plasmar en la partitura las personalidades artísticas individuales de ambos intérpretes.
Miguel López de Legazpi no era un militar de carrera, sino un burócrata y abogado cincuentón que consolidó la presencia española en Filipinas mediante la diplomacia y con un contingente sorprendentemente reducido de hombres.
diferencia de otros conquistadores de su época, su perfil destaca por aspectos muy particulares
Inició su expedición hacia el Pacífico en 1564 bordeando ya los 60 años de edad, por lo que se le conocía como "El Abuelo" una longevidad excepcional para embarcarse en misiones de exploración en el siglo XVI.
Financió su propia expedición: Para costear los navíos comandados junto al cosmógrafo Andrés de Urdaneta, Legazpi tuvo que vender gran parte de los bienes patrimoniales que había acumulado en su vida.
Con apenas 400 hombres bajo su mando, priorizó los pactos de amistad y el comercio con los líderes nativos frente al uso directo de la fuerza militar. Su pacto de sangre con el jefe filipino Sikatuna en la isla de Bohol es uno de los episodios diplomáticos más célebres de su campaña.
A pesar de haber sido nombrado Gobernador y Capitán General de las Filipinas, falleció repentinamente en Manila en 1572 debido a un infarto, en una situación económica precaria y sin llegar a conocer la inmensa riqueza que generaría la ruta comercial del Galeón de Manila.
Y seguro que ese mantón que se cita en la Verbena de la Paloma, vino en el Galéon de Manila, gracias a nuestro personaje de hoy.
Hemos de adelantar que al escribir esta nota, nuestro ánimo está golpeado por estas situaciones, en las que nos sentimos identificados con esas sopranos que no pueden luchar contra la maldad de los hombres, y que lamentablemente suceden también en la vida real.
Las óperas trágicas funcionan como un espejo amplificado de las debilidades humanas, donde la bondad de los protagonistas rara vez es suficiente para frenar la destrucción deliberada provocada por la envidia, el ansia de poder o los celos de otros personajes.
En el universo de la ópera, la tragedia no suele ocurrir por desastres naturales o accidentes fortuitos, sino por la maldad del género humano, tan asimetrico a veces.
Los protagonistas bondadosos suelen guiarse por ideales puros como el amor incondicional, la lealtad y la compasión.
Sin embargo, esta misma pureza se convierte en su mayor vulnerabilidad: su nobleza les impide anticipar la maldad, la manipulación o la crueldad de quienes los rodean.
Y como ejemplo de cuanto decimos, pensamos en Desdémona, victima de la envidia de Yago.
El 24 de Junio de 1935 fallece en Medellín, Colombia, Carlos Gardel, cantante, compositor y actor de cine nacionalizado argentino nacido en el siglo XIX,
Es el más conocido representante del género en la historia del tango.
Iniciador y máximo exponente del tango canción, fue uno de los intérpretes más importantes de la música popular mundial en la primera mitad del siglo XX, por la calidad de su voz, por la cantidad de discos vendidos (como cantante y como compositor), por sus numerosas películas relacionadas con el tango y por su repercusión mundial.
De hecho, en su época de máximo esplendor, solamente pensaba en el cine, y no en la canción.
El Día de San Juan, celebrado cada 24 de junio, es una festividad que fusiona el origen pagano del solsticio con la conmemoración cristiana del nacimiento de San Juan Bautista.
Es una jornada cargada de simbolismo que representa la purificación, la renovación espiritual y el triunfo de la luz sobre la oscuridad.
Pero hablando de San Juan, como santo y no como simbolismos, es el único de ellos, junto al de la Virgen María, en que la Iglesia celebra su fecha de nacimiento y no el de su muerte.
Y algo que deben saber quienes encienden hogueras, pensando solamente en el rito pagano y el jolgorio, pero que tiene un origen bíblico, donde se indica que su padre, Zacarías, encendió hogueras para anunciar a sus parientes el nacimiento de Juan, el precursor de Jesucristo.
Las famosas hogueras purifican los pecados, queman las malas energías del pasado y abren paso a nuevos deseos.
Así que bien venidas sean todas las buenas energias y mejores deseos.
Todos quienes hemos viajado por Galicia conocemos la categoría de su Tortilla de Patatas, y si apuramos un poco más de La Tortilla de Betanzos, que tiene como característica, aparte de que "Siempre sin Cebolla", que es la parte con la que no estamos de acuerdo, algo tan dificil de estarlo entre españoles, y que se caracteriza junto a la excelencia del propio producto, y una cantidad de huevos superior a lo habitual, éste apenas cuaja en la tortilla, de forma que se derrama de forma fluida en el plato al cortarla.
Y esto sirve de preambulo para una historia vinculada a La Décima.
Amelia Paz.
Amelia Paz es una muy querida amiga, de esas que permanecen en el corazón, y compañera durante muchos años, hasta que tras una etapa de su vida en Sevilla decidió tomar el camino de retorno a su querida tierra Gallega, ya que aquí dejaba a todos nosotros y una gran Amiga, casi una hermana, como Tere Mora , pero a determinada edad, es bueno y a veces necesario, retornar a nuestras raices y familia. Y desde su Galicia, ella, y nosotros en Sevilla, seguimos estando en continuo contacto.
En uno de nuestros viajes por Galicia, Miguel y Montaña quedaron en verse en La Coruña y conversando hasta que ambos dijeron que ese día iban a comer su icónica tortilla a la Penela, dándose el caso de que los dueños y fundadores de ese ya famoso restaurante, Antonio Simón y Maruja Barallobre son primos hermanos de ellos.
La gran sorpresa es cuando Amelia manifestó que Maruja era familia y gran amiga de la infancia, desde que vivian ambas en el Ayuntamiento coruñés de Coiros, en la comarca de Betanzos.
Maruja Barallobre(La Penela), junto a su famosa Tortilla de Betanzos.
En estos momentos, La Penela es de actualidad al haber merecido el Reconocimiento de La Medalla Castelao, como Local Embajador en todo el mundo de la Tortilla de Betanzos, y además de ser un reclamo turístico para La Coruña, se ha convertido actualmente en un Grupo Empresarial que ha llevado su Tortilla incluso al corazón de París que no esá nada mal cuando en el 1989 eran una modesta Casa de Comidas en Cairós (afueras de Betanzos).
Y, como todos sabemos que para una buena torrilla hacen falta unas excelentes patatas, que es de donde nacemos y terminamos......
Hoy es un día torrido en toda España, y logicamente Sevilla no puede escaparse de esa situación, así que hemos pensado en divagar un poco sobre esas cosas que se nos quedan de nuestras lecturas y escuchas. Ya sabemos que la educación musical en este caso, es lo que queda cuando olvidamos todo lo que hemos aprendido, leyendo y escuchando.
Y divagando, divagando, hemos llegado a Bach, Mozart y Beethoven, intentando reflejar algunas de esas cosas que nos quedan en la memoria.
Siempre nos he encantado las adaptaciones, aparentemente sencillas, del Padre Bach y la música de Jazz, con el genio de Jacques Lousier como máximo exponente, aprovechando las progresiones de acordes de forma cíclica y una estructura y códigos matemáticos, que incluso está sirviendo de base para los algoritmos de la Inteligencia Artificial.
Mozart perfeccionó la forma clásica y legó al mundo una capacidad inigualable para crear melodías memorables, siendo un recurso constante para anuncios y el cine.
"Lacrymosa" de Evanescence es uno de los ejemplos más brillantes y ambiciosos de cómo fusionar la música clásica con el rock moderno.
Beethoven rompió las reglas del Clasicismo e inició el Romanticismo, transformando la música en un vehículo para la autoexpresión emocional y la rebelión.
Toda la música dramática actual, especialmente las bandas sonoras de Hollywood (compositores como Hans Zimmer o John Williams), utiliza sus técnicas de tensión y liberación.
El estatus de "Estrella de Rock" creando la figura del artista atormentado, rebelde e icónico, un arquetipo que siguen los músicos modernos.
La legendaria cantante italiana Mina (Mina Anna Mazzini) se retiró de los escenarios en 1978 principalmente por su profunda aversión a la fama, el acoso de la prensa y el deseo de proteger su vida privada.
Durante los años 60 y 70, la prensa italiana la persiguió implacablemente por su vida personal. Fue duramente juzgada y vetada temporalmente en la televisión pública (RAI) por tener un hijo con un hombre casado. Esta relación hostil con los medios la desgastó profundamente.
El cansancio físico y el estrés del directo la llevaron a tomar la decisión de no volver a pisar un escenario buscando el anonimato.
La buena noticia es que sigue publicando grabaciones desde su retiro en Lugano (Suiza) si bien en ninguno de los discos muestra su imagen actual.
Legendarias son sus antiguas actuaciones junto a Adriano Celentano.
Mientras el canon folclórico valoraba la expresividad exagerada y los rasgos raciales extremos, Paquita Rico poseía el rostro más perfecto del cine español. Sus facciones eran de una simetría impecable, destacando unos ojos impactantes y una boca magnética
Segunda entrega de la serie dedicada a Paquita Rico, una de las grandes estrellas del cine español de los años cincuenta.
Tras convertirse en uno de los rostros más populares de la pantalla, Paquita encadenó rodajes a un ritmo frenético protagonizando títulos como "Malvaloca", "Suspiros de Triana", "Curra Veleta", "¡Viva lo imposible!", "La Tirana" o "S.O.S. abuelita".
Sin embargo, detrás de aquella imagen de éxito comenzaban a aparecer los primeros síntomas de agotamiento de un género que había dominado durante años la taquilla española.
En este vídeo se analizan sus intentos de renovación artística, sus discretas aventuras internacionales y el acontecimiento cinematográfico que cambió definitivamente su carrera:
"¿Dónde vas Alfonso XII?", la película que convirtió a Paquita Rico en la inolvidable María de las Mercedes y la elevó a la categoría de mito popular.
Una historia de triunfos, fracasos, cambios de rumbo y una de las mayores leyendas del cine español.
Para esta tercera entrega de la Seríe, Seguimos con Puccini y con la ópera Tosca y uno de los finales más celebreres, que en pocos minutos une Amor, Engaño y Tragedia.
Pongamos la escena en contexto.
Tosca ama al pintor Mario Cavaradossi y se ve atrapada entre salvarlo y enfrentarse al comisario Scarpia, que la chantajea.
Para obtener un salvoconducto, Tosca mata a Scarpia, pero el precio del pacto resulta ser una trampa: el fusilamiento de Mario no está amañado como ella había entendido.
En el tercer acto, Mario canta “E lucevan le stelle” antes de ser llevado al patíbulo.
Tosca le explica cómo debe fingir la muerte, pero tras la descarga ella comprende que el pelotón ha disparado munición real.
Cuando llegan los hombres de Scarpia para arrestarla por el asesinato, Tosca exclama “O Scarpia, avanti a Dio!” y se lanza al vacío.
El final funciona como una ironía brutal: Tosca confía en que podrá burlar a Scarpia con una puesta en escena, pero la ópera convierte esa idea teatral en tragedia real.
Además, el cierre musical deja una huella muy fuerte porque enlaza el drama final con el eco del aria de Mario, reforzando la sensación de pérdida.
Ese contraste entre teatro, amor y violencia es una de las claves del impacto de la obra.
Y para ello, pensamos en la soprano Angela Gheorghiu, que aquí aparece con quien fue su marido, el tenor Roberto Alagna.
Jaime de Borbón y Battenberg, que era sordomudo desde los cuatro años debido a una doble mastoiditis, renunció a sus derechos al trono el 21 de junio de 1933 en Fontainebleau, Francia.
Alfonso XIII consideraba que la discapacidad de su hijo le impediría reinar con normalidad en España.
La renuncia abrió el camino para que su hermano menor, Juan de Borbón (padre del futuro rey Juan Carlos I), se convirtiera en el heredero de los derechos dinásticos.
Años más tarde, Jaime de Borbón intentó retractarse de esta renuncia, reclamando sus derechos dinásticos y la jefatura de la Casa Real, lo que generó un largo conflicto familiar.
La palabra inventada no ha sido "inventada" por nadie, ya que se trata del participio del verbo "inventar".
No obstante, si se debe a algún político y su entorno, su difusión a raiz de negar algunas afirmaciones salidas a la luz pública, aunque las trazas y confirmación de "verdades" casi sea lo de menos.
Se comenzó a usar como un término de descalificación política ante filtraciones periodísticas o publicaciones críticas con su gestión.
No cabe duda que su uso no fue casualidad sino rebuscado y propuesto por algún consultor en Comunicación, buscando una deslegimitación inmediata y una jerga informal, casi juvenil y del gusto de un determinado público. Y actualmente es usado por políticos de cualquier tendencia, y no exclusivo.
Pero como lo nuestro es la Música, recurriremos al aria de Basilio en el Barbero de Sevilla, por la forma en que el uso de la "Inventada" se expandió como una "Calumnia".
El 23 de junio de 1812, Napoleón cruzó el río Niemen (en la actual Lituania) con un ejército multinacional de más de 600.000 soldados, la fuerza militar más grande jamás reunida hasta ese momento
Este movimiento militar marcó el inicio de la invasión napoleónica de Rusia, una de las campañas más masivas y catastróficas de la historia militar.
El ejército ruso, superado en número, evitó las batallas frontales y aplicó la táctica de la tierra quemada, destruyendo recursos y alimentos a medida que se retiraban para dejar sin suministros a los franceses.
Aunque Napoleón logró llegar a una Moscú incendiada y abandonada en septiembre, la falta de provisiones y el crudo invierno ruso forzaron una retirada trágica.
Menos del 20% de su ejército logró sobrevivir a la campaña.
Pero al margen de esta histórica efemérides, a nosotros nos da motivos más que sobrados para proponer escuchar hoy la Obertura 1812, compuesta por Tchikovski para conmemorar la vistoria de la resistencia rusa ante el invasor. Y lo queremos hacer con la versión dirigida por el maestro Yuri Temirkanov con la Filarmónica de Leningrado, con la recomendación de no perderse ni una nota hasta ese final tan brillante.
Y una última nota. Temirkanov es recordado casi con reverencia por muchos aficionados sevillanos, entre los que nos encontramos, en su paso por el Teatro de la Maestranza, hace ya muchos años.
El Día Internacional de las Viudas se celebra el 23 de junio de cada año para visibilizar la pobreza, la discriminación y la injusticia que sufren millones de mujeres tras perder a sus parejas, siendo establecido por la ONU.
En varias culturas, la viudez se asocia con maldiciones o estigmas sociales, exponiendo a las mujeres a abusos físicos y psicológicos.
Millones de viudas sufren la pérdida de sus tierras, herencias y propiedades a manos de las familias de sus exesposos.
.El origen de la iniciativaAntes del reconocimiento de la ONU, la Fundación Loomba (una ONG británica) instauró esta campaña global en el año 2005. Eligieron el 23 de junio porque en esa misma fecha, en 1954, la madre del fundador de la organización quedó viuda y tuvo que enfrentar sola las carencias y los prejuicios de la sociedad de la época.
Todos nuestros lectores conocen sobradamente el famoso Clair de Lune, tan famoso que incluso lo conocen quienes dicen que no les gusta ni escuchan la música clásica. ¡De todo hay en la Viña del Señor!
Creemos merece la pena profundizar un poco sobre esta celebre composición, comenzando que está incluida en la Suite Bergamasque compuesta por el impresionista francés Claude Debussy cuando contaba tan solo con 28 años, si bien la revisó años después, inspirada en la poesía de Paul Verlaine y evoca las fiestas galantes de la Comedia del Arte italianaEn su manuscrito original de 1890, el tercer movimiento de la suite se titulaba «Promenade Sentimentale» (Paseo Sentimental). El cambio de nombre final se inspiró directamente en un poema de Paul Verlaine que describe a unos danzantes tocando el laúd bajo la triste y bella luz de la luna.
El término Bergamasque hace referencia a la región de Bérgamo, en Italia. Se asocia con las danzas rústicas de la zona y con el personaje Arlequín de la Comedia del Arte, un mundo nostálgico que fascinaba a los poetas franceses de la época.
La obra fue compuesta para piano y dado que Claude Debussy nunca la orquestó por sí mismo, otros músicos se encargaron de adaptarla debido al enorme éxito de la obra.La versión oficial y más célebre de la Suite Bergamasque para orquesta fue realizada por el compositor y director francés André Caplet, junto con Gustave Cloëz
Desde hace unos días, la página oficial de Andre Rieu tiene instalada una Webcam en la Plaza Vrijthof de Maastricht, y donde se irá viendo los trabajos de adaptación.
Esta plaza es el escenario de sus famosos conciertos anuales de verano al aire libre, convirtiéndose en la tradición cultural más importante de su ciudad natal.
André Rieu fundó allí su espectáculo en la década de los 80 y, de manera ininterrumpida por más de dos décadas, transforma la histórica plaza medieval en un gigantesco auditorio romántico.
Cada mes de julio, decenas de miles de espectadores de más de 100 países viajan a Maastricht para presenciar los conciertos junto a la Orquesta Johann Strauss.
Durante los días del evento, toda la plaza se cierra al público general.
Los restaurantes y terrazas que rodean el recinto venden paquetes especiales para cenar mientras se disfruta de los valses y melodías.
Incluso la propia organización de Andre Rieu tiene sus propios salones, anexos a la Plaza, para poder cenar antes del comienzo del espectáculo.
¿Y POR QUE HABLAMOS DE ESTO?
Hemos sabido que algunos compañeros de La Décima, quieren estar presentes en este gran acontecimiento que mezcla sabiamente la Música con el Espectáculo, y confiamos en que, si Dios lo quiere, y eso tiene lugar, nos den detalle de sus experiencias.
Entretanto, disfrutemos del gran ambiente que allí tiene lugar, on una grabación del Concierto del pasado año 2025.
La historia de Mahou es también la historia de Madrid.
Lo que comenzó como el sueño de un inmigrante en el siglo XIX terminó convirtiéndose en una de las marcas más reconocibles de España.
En este vídeo descubrimos cómo una pequeña fábrica de hielo y cerveza sobrevivió guerras, crisis y cambios de época hasta convertirse en el mayor grupo cervecero del país.
Una historia de perseverancia, familia y tradición que pocos conocen.
Existen cuatro puntos cardinales que pueden orientar una relación sana: positividad, aprecio, curiosidad y bondad.
Expresar cariño, usar el sentido del humor, escuchar con interés o reaccionar con entusiasmo ante una buena noticia son gestos cotidianos que fortalecen el vínculo y hacen que el otro se sienta visto, valorado y querido.
Nuestra mente suele tener “velcro para lo malo y teflón para lo bueno”, por eso cultivar el aprecio es una decisión diaria.
Una reflexión clara y cercana sobre cómo cuidar el amor antes de que se desgaste, prestando atención a lo que sí funciona y practicando la bondad en las pequeñas interacciones de cada día.
En esta leyenda, hasta que se convirtió en Historia, viajamos hasta un tiempo remoto, cuando tartesios y fenicios comerciaban junto al Guadalquivir, cuando la riqueza del cobre, la ganadería y los metales convirtió a Tartesos en un reino próspero… y cuando la ambición terminó provocando la tragedia.
El rey Argantonio intentó evitar el conflicto, pero la guerra fue inevitable. Su hijo Terión, heredero del reino, tomó una decisión que cambiaría la historia para siempre: ocultar las joyas reales en un lugar secreto antes de marchar a su última batalla.
Durante siglos, el tesoro quedó envuelto en el misterio.
Más de dos mil años después, el 30 de septiembre de 1956, unos obreros excavaban en el cerro del Carambolo, cerca de Sevilla, cuando encontraron un antiguo recipiente de barro.
En su interior apareció un conjunto extraordinario de joyas de oro: el legendario Tesoro del Carambolo.
¿Fueron aquellas piezas las mismas joyas que, según la leyenda, Terión escondió antes de morir?
Entre la historia y la leyenda, el misterio del Tesoro del Carambolo continúa fascinando a Sevilla.
Nuestra admirada amiga y soprano Berna Perles, nos ha transmitido el que para ella, es el final más impactante de cuaquier ópera y nos propone tres, si bien con una de ellas fue con la que comenzamos nuestra serie, Manon Lescaut de Puccini.
Si te soy honesta, de todo lo que he cantado en mi vida, el final más impactante que he vivido como cantante en el escenario es el de Yerma. Yerma, de forma inesperada, mata a Juan, su marido. Para mí, como intérprete no ya de la música de Villalobos, sino de la dramaturgia de Lorca, ese final es un giro del personaje de Yerma absolutamente impactante, desgarrador y descarnado. Sobre el escenario no he vivido jamás algo así. (Palabra de Berna).
Hemos de aclarar que con este personaje, Berna Perles impulsó a que "esa Yerma", ganara dos premios Talia, de la Academia de Artes Escénicas de España, en el presente año 2026, y lamentamos mucho que esa escena de la ópera no este disponible libremente para poder disfrutar y tambien sufir con Yerma y con la propia Berna.
En óperas más conocidas, te diría que Suor Angelica, cuando se muere y se reúne con su hijo gracias a la intervención misericordiosa de la Virgen. Esos momentos en los que ella, parece que en trance entre la vida y la muerte, parece que ve a su hijo y le habla, son absolutamente impactantes.
Este himno tradicional de la Iglesia Católica, utilizado en la Liturgia de las Horas para la festividad de los mártires, es una oración que pide el perdón de los pecados por intercesión de los mártires y ensalza su triunfo sobre las tentaciones mundanas, alcanzando la gloria eterna.
La estructura clásica del himno incluye una invocación inicial, la reflexión sobre la hiel de los placeres terrenales, la valentía ante el sufrimiento, y la doxología final.
