"QUIEN ENTREGA SU VIDA POR AMOR, LA GANA PARA SIEMPRE"
Hemos de recordar la información facilitada por nuestro amigo el Cantor Tenor de nuestro Catedral, Julio López Agudo, (primero por la dcha en la imagen) que todos estos himnos que venimos publicando fueron compuestos o adaptados por Don Herminio González Barrionuevo hace un par de décadas, cuando se comenzó a realizar el Oficio en castellano.
"Quien entrega su vida por amor, la gana para siempre" es un canto litúrgico profundamente arraigado en la tradición de la Liturgia de las Horas (especialmente en el rezo de Laudes) y se utiliza principalmente como canto procesional en las fiestas de los santos mártires con letra escrita por el sacerdote y poeta español Francisco Malgosa y Música compuesta por el reconocido músico litúrgico Juan Jáuregui y que destaca por su crudeza poética y su profunda mística martirial, estructurándose bajo tres ejes principales:
Reafirma que el sacrificio extremo por amor no es una derrota, sino la victoria definitiva.
Plaza Medieval de Vrijthof, situada en pleno centro de Maastricht
NOTA REMITIDA POR NUESTROS COMPAÑEROS PASCUAL Y MARÍA ROSA
Como muchos amigos nos habéis preguntado sobre nuestro viaje para asistir al Concierto de Andre Rieu, y aunque sea un poco extenso, queremos compartir siquiera minimamente nuestras sensaciones.
Ante todo, y dadas nuestras actuales limitaciones de movilidad, aclarar que esto solo se pudo hacer por el empeño e interés de nuestra nieta mayor, Rocío, estudiante en Maastricht, con la complicidad de nuestros hijos, Carlos, Mayte y nuestra nieta menor, Laura, estas dos acompáñanos tambien en el viaje y sumándose en el destino a Rocío, pudiendo llegar a feliz término un viaje que nos parecía una imposible aventura. Nunca nos pareció que se podía difrutar realmente con Andre Rieu fuera del entorno de Maastricht, y siempre nos pareció triste hacerlo en un Palacio de Deportes o similar, por lo que nunca ni pensamos desplazarnos a puntos de España donde actúa ocasionalmente. Maastricht pone la Mágia.
Alguilamos durante una semana, una casa a unos 15 minutos de Maastrich, al cruzar la frontera con Bélgica, y junto al Rio Mosa en un lugar verdaderamente idílico.
Y ya puestos en el Concierto, hemos de aclarar que, existiendo logicamente buena música, no debemos considerarlo como tal puesto que André Rieu convierte cada actuación en una celebración colectiva, pensada para emocionar, sorprender y hacer disfrutar al público durante más de tres horas de auténtica alegría y que nos invita a participar emocionalmente desde el primer momento. Allí, aún siendo importante escuchar de lo que se trata es de vivir una experiencia compartida con miles de personas como nosotros en una celebración en la que la música, la emoción y el entretenimiento se unen de manera natural.
También las azafatas forman parte del espectáculo
Aparcamiento de sillas de rueda, que te recogen y entregan al término
Otro de los aspectos más valiosos de la experiencia fue la forma segura y tranquila de disfrutar de unas horas de alegría. Todo estuvo organizado para que el público pudiera relajarse, sentirse cómodo y centrar su atención en el espectáculo, desde el mismo momento en que un grupo de azafatas nos espera a la entrada, con unas atenciones realmente exquisitas.
La combinación de buena organización, ambiente elegante y un público entregado convierte la velada en algo más que entretenimiento; la transforma en un recuerdo positivo y reconfortante, algo que llevaremos con nosotros el resto de nuestras vidas, así como el agradecimiento a nuestos Hijos y Nietas, por hacer posible este sueño y todos espoleados por la alegría y amor de Rocío.
Y para que todo fuese completo, antes del Espectáculo, a las 17,30h. una Cena de Gala, aunque con ropa informal en un ambiente que invitaba a preparar tanto el cuerpo como el espíritu para lo que tenía que llegar, aunque a esa hora que los españoles nunca llegaremos a entender.
Brujas y sus Canales.
Lógicamente, también hubo tiempo para conocer a fondo esa preciosa ciudad medieval que es Maastricht, así como Brujas, Amberes y otros lugares, aunque eso ya serían otras historias.
Nuestros compañeros Pascual y María Rosa tuvieron ocasión de estar el pasado día 2 en el Concierto Inaugural de la Temporada de André Rieu en la Plaza Vrijthof, situada en pleno centro de Maastricht en un ambiente medieval absolutamente increible, transformada en un enorme auditorio.
Dentro del espectáculo, la soprano ucraniana Anna Reker interpretó una bellísima canción del folkore de su país, al tiempo que André Rieu hacía un alegato en favor de la Paz.
Estamos seguros que nuestros compañeros, tan pronto les sea posible nos hablarán de esa experiencia para compartirla con todos nuestros lectores.
¡Qué noche, Señor! Iluminada por la luna, estrellada:
Clara, incluso si recoges agujas…
Sal, amado, cansado del trabajo,
¡Al menos por un minuto al bosque!
Sentémonos juntos aquí bajo el viburno —
Y sobre los señores yo soy señor…
Mira, mi pequeño pez, —
la niebla se extiende por el campo en una ola plateada;
El bosque mágico, como si estuviera bañado por rayos, ¿
Está soñando o está durmiendo?
Allí en el esbelto y alto álamo
Las hojas tiemblan acariciando;
El cielo inconmensurable está bañado de estrellas — ¡
Qué es esta belleza divina! El rocío perlado juega
El Allegro scherzando es el vibrante y triunfal tercer movimiento del Concierto para piano n.º 2 en do menor, Op. 18 de Serguéi Rachmáninov, con dos últimos minutos realmente
Es ampliamente considerado uno de los finales más catárticos, técnicamente exigentes y emocionalmente explosivos de todo el repertorio romántico para piano.
Tras el fracaso absoluto de su Primera Sinfonía en 1897, Rachmáninov cayó en una profunda depresión y un bloqueo creativo que duró tres años. Gracias al tratamiento de hipnoterapia del doctor Nikolai Dahl—a quien está dedicado el concierto—, recuperó la confianza.
El estreno de la obra completa en 1901 supuso su gran regreso triunfal.
Tras un desarrollo complejo y una sección de fuga, el movimiento avanza hacia una monumental sección donde el segundo tema se proclama con la máxima potencia orquestal. La obra cierra con una vertiginosa coda que transmuta la oscuridad inicial del concierto en un do mayor resplandeciente, victorioso y masivo.
El bello himno litúrgico «¿Quién podrá tanto alabarte?» es una composición mariana escrita originalmente por el famoso dramaturgo y poeta español del Renacimiento Juan del Encina (1469–1529).
El poema original se titula «Pues que tú, Reina del cielo» y forma parte de la Liturgia de las Horas, utilizándose frecuentemente como himno de Laudes en festividades de la Virgen María.
El deseo sexual parece un impulso espontáneo, difícil de controlar.
Un pensamiento, una caricia, una voz y el cuerpo y la mente reaccionan.
Sin embargo, la excitación es mucho menos casual de lo que se cree.
Lara, una estudiante de Múnich, se somete a un proceso de acompañamiento en terapia sexual. Junto a la psicoterapeuta y sexóloga clínica Dania Schiftan, examina los procesos que configuran su excitación. De ello se desprende que, en muchas personas, el deseo está fuertemente condicionado.
Cuando ciertos patrones se repiten una y otra vez, las conexiones neuronales se consolidan, mientras que otras se debilitan.
En consecuencia, resulta más difícil que la excitación aparezca con estímulos nuevos o en situaciones inusuales.
El 11 de julio de 1937 fallece a la edad de 38 años, George Gershwin a causa de un tumor cerebral, en la cúspide de su carrera cinematográfica en Hollywood.
Fue uno de los compositores más importantes del siglo XX, famoso por unir de forma magistral la música clásica europea con el jazz estadounidense.
Trabajó la mayor parte de su carrera junto a su hermano mayor, Ira Gershwin, quien escribía las letras de sus canciones mientras George componía las melodías.
Su familia compró un piano originalmente para su hermano Ira, pero fue George quien se sentó a tocarlo inmediatamente y demostró un talento natural asombroso.ç
Viajó a París para estudiar con compositores como Maurice Ravel e Igor Stravinsky. Ravel se negó a darle clases diciéndole: "¿Por qué quieres ser un Ravel de segunda clase cuando ya eres un Gershwin de primera?".
De entre algunos de sus muchos éxitos, podemos citar la Ópera Porgy and Bess, para un elenco de actores negros. Tapsody in Blue, Un Americano en París etc.
Hoy queremos centrarnos en su Rapsody in Blue estrenada el 12 de febrero de 1924 en Nueva York, y es considerada la pieza que rompió las barreras entre la música clásica y el jazz.Su impacto revolucionó la música estadounidense al introducir los ritmos y la energía de la cultura afroamericana en las salas de concierto tradicionales.
El icónico inicio de la obra con el lamento del clarinete fue una casualidad que funcionó: Durante los ensayos, el clarinetista Gorman tocó la escala haciendo un arrastre exagerado a modo de broma. A Gershwin le fascinó tanto que le pidió que lo tocara exactamente así en el estreno.
¿Quién es realmente la patrona de Sevilla según una antigua tradición?
Muchos pensarían en la Virgen de la Hiniesta, otros en la Virgen de los Reyes, en Santa María de la Sede o en las santas Justa y Rufina.
Pero una vieja memoria sevillana sitúa el origen del patronazgo mariano de la ciudad mucho más atrás, en los primeros tiempos del cristianismo en Híspalis.
Según esta tradición, el apóstol Santiago llegó a Sevilla en el siglo I y puso al frente de la primera comunidad cristiana a San Pío, considerado por el relato como el primer obispo de la ciudad.
Más tarde, tras la aparición de la Virgen sobre un pilar, Pío habría modelado en barro una imagen de María de pie sobre una columna, destinada a aquella primera iglesia sevillana.
Con el paso de los siglos, la tradición distingue varios patronazgos: la Virgen del Pilar como patrona de la ciudad, Justa y Rufina como copatronas, Santa María de la Sede como patrona de la Sede Episcopal, la Hiniesta como patrona de la Corporación Municipal y la Virgen de los Reyes como patrona de la Archidiócesis Hispalense.
¿Cómo se construyó una de las maravillas más famosas del mundo?
En este video descubrirás el increíble secreto que sostiene al Cristo Redentor de Brasil, la gigantesca estatua que domina la ciudad de Río de Janeiro desde la cima del Corcovado.
Conocerás la historia detrás de su construcción, los desafíos de ingeniería que enfrentaron sus creadores, los materiales utilizados, cómo lograron levantar una estructura tan monumental en la cima de una montaña y por qué sigue siendo uno de los símbolos más reconocidos del planeta.
Desde sus primeros bocetos hasta su inauguración, exploraremos los datos más sorprendentes, curiosidades poco conocidas y el verdadero secreto estructural que ha permitido que esta impresionante obra resista el paso del tiempo, las tormentas y las inclemencias del clima.
Y como todo lo bello y espectacular, la Música se hizo eco de ello, a través de la figura del trompetista Donald Byrd.
La canción "Cristo Redentor" es una de las obras más emblemáticas del jazz de los años 60, famosa por fusionar el jazz moderno con el gospel y la música espiritual norteamericana.
Aunque el trompetista Donald Byrd la inmortalizó, la pieza fue compuesta en su totalidad por el pianista, arreglista y compositor Duke Pearson.
Duke Pearson compuso la melodía tras quedar profundamente inspirado por una visita a la famosa estatua del Cristo Redentor en Río de Janeiro, Brasil.
Donald Byrd, hijo de un ministro metodista, quería crear un álbum de piezas espirituales basadas en sus raíces. Definió el disco como un "himnario moderno" donde los músicos de jazz abordaban la música religiosa con respeto y devoción.
Su gran innovación fue la incorporación de un coro gospel de 8 voces, que realiza un canto sin palabras sirviendo de fondo atmosférico para los desgarradores y melancólicos solos de la trompeta con sordina de Byrd.
Tras unos días de ausencia por parte de los Editores, sin escribir ni consultar nuestro Blog, nos hemos llevado la maravillosa sorpresa de descubrir que hemos superado la espectacular cifra de dos millones de visitas, concretamente más de DOS MILLONES CINCUENTA MIL
Cuando este proyecto nació, lo hizo sin grandes pretensiones.
Nuestro objetivo principal siempre ha sido mantener la unidad de todos los componentes de la Décima y, haciendo honor a nuestro carácter universitario, aportar nuestro granito de arena a la difusión de la cultura, la música y la historia.
Asimismo, este rincón ha sido, y seguirá siendo, un lugar para compartir las emociones y vivencias de sus miembros.
Ver que el interés por lo que aquí compartimos ha alcanzado a tantas personas nos llena de un profundo orgullo y una enorme gratitud.
A todos los que nos leéis, nos apoyáis y formáis parte de esta gran familia: muchas gracias por vuestro interés y fidelidad, y si bien tenemos lectores en todos los lugares del mundo, hemos de citar de forma especial a los componentes de La Décima, Comunidad Universitaria del Aula de la Experiencia, Personajes vinculados al mundo de la Música y la Lírica o solamente interesados en ello.
Vosotros hacéis que este Blog siga vivo.
Para acompañar estas líneas de gratitud, os invitamos a escuchar Salut d'Amour de Edward Elgar.
Deseamos que su hermosa melodía os transmita el mismo afecto y calidez con el que hoy os damos las gracias.¡Un fuerte abrazo para todos!
Si bien no existirán unas largas vacaciones, lo cierto es que durante las próximas semanas, este blog va a imitar el comportamiento del río Guadiana.
¿Qué significa esto? Que entraremos en una fase de actividad intermitente.
Al igual que el famoso río, nuestro ritmo de publicación "desaparecerá" de la superficie en algunos momentos para que podamos descansar, pero volverá a "emerger" con fuerza y nuevos contenidos de forma alterna.
No nos marchamos por mucho tiempo, simplemente bajamos el ritmo para recargar pilas.
Sigue atento, porque en cualquier momento volveremos a asomar la cabeza por aquí.
¡Feliz verano y feliz descanso a todos!
Entretanto, seguiremos dsfrutando con la Música Clásica, con el Jazz, y ¿Como y por qué no?, Con un buen Rock and Roll.
Y siempre son el sabor a sal y a mar sobre tu piel.
Supongo que como nosotros, fueron muchos quienes a finales de los 60 se vieron sorprendidos por esta pieza musical, además tan larga, y que firmaba un grupo con un nombre tan curioso como "Iron Butterfly" Mariposa de Acero.
"In-A-Gadda-Da-Vida" es una de las composiciones más icónicas y revolucionarias de la historia del rock, grabada por la banda estadounidense Iron Butterfly en 1968, Con una duración exacta de 17 minutos y 5 segundos, esta pieza ocupa por completo la cara B del disco de vinilo y es ampliamente reconocida como una obra puente fundamental entre el rock psicodélico y el nacimiento del heavy metal.
Fue un accidente de grabación. La banda tocó la versión de 17 minutos simplemente para probar los niveles de sonido de los micrófonos en el estudio, pero el productor decidió que la toma era perfecta y la dejó tal cual.
Gracias a este tema, el disco fue el primer álbum de la historia de la música en recibir la certificación oficial de Disco de Platino de la RIAA.Versión de radio.
Para poder pasarla en las emisoras de la época, se editó una versión corta en single de 2 minutos y 52 segundos que llegó al Top 40 de Billboard.
El final de Aida de Giuseppe Verdi "O Terra Addio), es uno de los momentos más trágicos, íntimos y célebres de la historia de la ópera a la vez que encierra profundos mensajes filosóficos y políticos.
Significa tambien el Triunfo del amor sobre la muerte: La muerte no se presenta como una derrota, sino como una liberación.
Al morir juntos, Aida y Radamés escapan de las barreras terrenales (guerra, racismo, deber político) que hacían imposible su amor en la Tierra.
CONTEXTO:
Radamés, general egipcio, es condenado por los sacerdotes a ser enterrado vivo en la cripta del templo de Vulcano tras ser acusado involuntariamente de traición.
Amneris, la hija del Faraón que ama a Radamés, intenta salvarlo pidiéndole que reniegue de Aida, pero él se niega.
Una vez sellada la tumba, Radamés descubre que Aida se ha escondido secretamente en la cripta tres días antes para morir junto a él.
Verdi contrapone el canto fúnebre y rígido de los sacerdotes ("Immensu Fthà") con la melodía mística, ligera y ascendente de los amantes
El 29 de junio de 1963 nace Anne-Sophie Mutter, violinista alemana.
Empezó tocando el piano a la edad de cinco años. Poco tiempo después empezó a tocar el violín, y después de ganar diversos premios, se dedicó exclusivamente a la música, al obtener una exención de asistencia a la escuela.
A los trece años de edad el director Herbert von Karajan la invitó a tocar con la Orquesta Filarmónica de Berlín.
Anne-Sophie Mutter es unánimemente considerada una de las mejores violinistas de la historia y un auténtico fenómeno de la música clásica contemporánea.
Anne-Sophie Mutter, dedica gran parte de su tiempo a la formación y el mecenazgo de jóvenes promesas de la música a través de su fundación y de su ensamble itinerante Mutter's Virtuosi.
Su característico sonido cobra vida a través de dos joyas históricas de la luthería creadas por Antonio Stradivari: el Emiliani (1703) y su violín principal, el Lord Dunn-Raven (1710)
John Williams, el célebre compositor de Hollywood ha escrito múltiples piezas de concierto para ella, además de adaptar los temas cinematográficos más icónicos (como Star Wars o La lista de Schindler) para violín.
El 29 de junio de 1911 nace en Nueva York Berard Hermann, compositor estadounidense especializado en el género cinematográfico.
Galardonado con un premio de la Academia a la mejor música de película dramática por su trabajo en El hombre que vendió su alma (The Devil and Daniel Webster, 1941), es principalmente conocido por sus colaboraciones con Orson Welles (Ciudadano Kane, La guerra de los mundos) y con Alfred Hitchcock, director con el que Herrmann cosechó la mayoría de sus grandes éxitos (Vértigo, The Man Who Knew Too Much y Psicosis).
Hoy debemos y es una satisfacción, felicitar a todos los Pedros y Pablos, especialmente compañeros, como Pedro Contreras, y amigos lectores de nuestro Blog.
El primer Papa de la Iglesia y el Apostol de los Gentiles, y entre ambos, los dos grandes pilares de la Fe Cristiana y también los dos sufrieron martirio por defender esa Fe.
En España fue hasta hace unos años, una Fiesta Nacional, concretamente hasta el 1977, para adaptarlo a la "modernidad", lo que viene a darnos la importancia que tal día tenía, y que sigue hacéndolo en muy diversos paises tanto hispano americanos como europeos.
Y para poner música a este día, logicamente tenemos que pensar en el gran Pedro Tchaikovsky y su composición que lleva incluido en su nombre este mes de Junio. "Junio Barcarola".
Cecilia Bartoli es una de las mezzosopranos más influyentes de la historia de la música lírica. Su importancia radica en haber revolucionado el canto barroco y el bel canto, devolviendo a la vida composiciones olvidadas gracias a un minucioso trabajo de investigación musicológica.
Con más de diez millones de discos vendidos, cinco premios Grammy y su actual rol como directora artística de instituciones como la Ópera de Montecarlo, es un fenómeno cultural único.
Curiosamente, Sevilla juega un papel crucial, simbólico y profesional en su juventud, marcando el inicio de su meteórica carrera internacional.
Seguimos ocupados y preocupados en la joven soprano Inés Ananda, desde que la conocimos hace años, y a través de actividades paralelas de la ASAO, y posteriores y fuertes vinculaciones personales.
Para poder pasar del Conservatorio a la Escuela Superior de Canto hasta ahora bastaba con tenerlo todo aprobado pero al haber más demanda que oferta han tenido que poner nota de corte.
En el primer Curso del Conservatorio se estudian muchas materias, instrumentación, idiomas (italiano, alemán, frances, ingles) sobre las que no podemos conocer detalles, pero hay algo sobre lo que sí podemos manifestarnos que es en lo que es visible, el Taller de Ópera y Técnicas Escénicas, al existir grabaciones realizadas incluso dentro de los propios conservatorios, como el vídeo que ofrecemos y correspondiente a una de las últimas pruebas del pasado curso, que Inés ha cursado en Salamanca y si el resto reune las mismas características de calidad y no existen motivos extra formativos, o de cualquier otra índole, el paso a la Escuela, en Madrid sería más que evidente y justificado.
Podríamos dar nuestra opinión sobre ese vídeo, pero solo somos unos aficionados y además imparciales, así que hemos solicitado el informe aséptico de quien tiene unos grandes conocimientos y experiencia en todo el mundo, sobre la base del citado vídeo, que no conocen personalmente a nuestra Amiga, y del que extractamos algunos de los párrafos:
En esta aria de Donizetti, demuestra una gran comodidad en la tesitura alta, manteniendo el control del aire sin reflejar tensiones físicas evidentes. "Il faut partir" exige un control del legato muy pulido y frases largas suspendidas en el aire.
La soprano exhibe una correcta administración del fiato (capacidad pulmonar y apoyo), logrando sostener las notas melancólicas de la pieza con un sonido homogéneo. Demuestra una afinación precisa en las transiciones de notas. Su timbre es dulce, claro y con un color juvenil y fresco que encaja de forma idónea con el personaje de Marie.
Si fuera el examinador de su tribunal de Canto en un Conservatorio Superior, la calificación para esta actuación en un primer año de carrera sería de 10 / Sobresaliente (con opción a Matrícula de Honor).
Para un examen de primer curso, este nivel es absolutamente excepcional. Los criterios académicos que justifican esta nota máxima se desglosan a continuación:VER EL INFORME COMPLETO PULSANDO AQUÍ.
El 27 de Junio de 1932 nace en Pensilvania, Anna Moffo, una de las principales sopranos lírico-coloratura de su generación, célebre por su voz cálida, ágil y radiante, así como por una deslumbrante belleza física que le valió el apodo mundial de "La Bellissima".
Rechazó contratos tempranos en el cine para estudiar seriamente en el prestigioso Instituto de Música Curtis en Filadelfia. En 1954, ganó una beca Fulbright que le permitió perfeccionarse en la Academia Nacional de Santa Cecilia en Roma.
Su verdadero salto a la fama internacional se dio en 1956, cuando protagonizó una producción televisiva italiana de Madama Butterfly, convirtiéndose en una sensación de la noche a la mañana.
Antes de dedicarse de lleno a la ópera, Anna Moffo consideró seriamente convertirse en monja e ingresar a un convento. Su profundo amor por la música terminó por desviar su camino.
En Hollywood le ofrecieron contratos cinematográficos debido a su gran atractivo físico, pero los rechazó para priorizar su formación clásica en el conservatorio.
Aparte de cantar, estaba titulada como pianista solista y musicóloga, y además tocaba la viola.
