El 31 de agosto de 1813 las tropas anglo-portuguesas, bajo el mando del general Thomas Graham, asaltaron y destruyeron la ciudad de San Sebastián.
La ciudad estaba ocupada por las tropas francesas de Napoleón.
Las fuerzas aliadas (británicos y portugueses) llegaban teóricamente como liberadoras.
Tras romper las defensas, los soldados aliados iniciaron un saqueo masivo.
Los libertadores quemaron la ciudad casi por completo, respetando solo una calle, La calle Trinidad (hoy de Agosto 31) sirvió para alojar a los oficiales comandantes.
La población civil sufrió asesinatos, violaciones y robos a manos de sus propios aliados.
Cada 31 de agosto, los ciudadanos de San Sebastián recuerdan este hecho con un emotivo homenaje:
El 31 de agosto de 2002 fallece a los 94 años de edad, Lionel Hampton, vibrafonista, pianista, baterista, cantante y director de orquesta de jazz estadounidense.
Hampton fue el primer vibrafonista del jazz y una de sus grandes figuras desde la década de 1930.
Su estilo es fundamentalmente el del jazz clásico, o mainstream jazz, con fuertes vínculos con el jazz de las big bands, esto es, con el swing.
Una noche en 1936 Benny Goodman lo vio actuar. Hampton grabó con él de forma inmediata, junto con Teddy Wilson y Gene Krupa en su famoso cuarteto.
Hampton se convirtió en una de las estrellas del grupo, apareciendo en películas con Goodman, en el famoso concierto del Carnegie Hall de 1938 y cada noche en la radio.
En 1937, comenzó a grabar como líder para la compañía Víctor, acompañado siempre de grandes figuras
Alma Mahler-Werfel, registrada al nacer como Alma María Margaretha Schindler nacio en Viena, el 31 de agosto de 1879 y fue una compositora y editora musical austríaca.
Conoció al compositor y director de orquesta Gustav Mahler en una cena donde todo eran elogios hacia la obra del compositor bohemio de origen judío, hasta que Alma Schindler expresó su opinión, contraria a la mayoríaː "Tu música no me gusta, no tiene estructura, le falta orden"
Tras si matrimonio , conoció al arquitecto Walter Gropius, que años más tarde fundaría la Bauhaus y con quién inició una relación. Al enterarse su marido, le pidió que no le abandonase y además en esa época él recuperó el interés por las composiciones de Alma, pero ya era tarde.
Como compositora, escribió muy poco, ya que la insistencia de Gustav para que ella no se dedicase a la composición fue tanta, que optó por abandonar la composición.
Debido a que escribió poca música es considerada una figura menor por algunas personas, aunque sus 16 lieder prevalecieron a lo largo de los años y fueron interpretados por diversidad de artistas tanto con acompañamiento orquestal, así como con acompañamiento al piano.
Su vida fue llevada al cine, con la película "La novia del viento".
El 31 de agosto de 1834 nace en Cremona Amilcare Ponchielli, compositor, maestro de capilla y profesor de música italiano, conocido actualmente por su ópera La Gioconda.
En 1880 obtiene por fin el puesto de profesor de composición en el conservatorio de Milán, donde tendrá como alumnos, entre otros, a Giacomo Puccini y Pietro Mascagni.
En 1881 acepta también el puesto de maestro de capilla en la basílica de Santa Maria Maggiore de Bérgamo, componiendo varias obras religiosas.
Esta espectacular grabación corresponde a la aclamada producción de la ópera Turandot de Giacomo Puccini grabada en directo en el Metropolitan Opera House de Nueva York en noviembre de 2009.
Esta función es mundialmente célebre por combinar la monumental y opulenta escenografía del director italiano Franco Zeffirelli con un reparto vocal de primer nivel.
Turandot: La soprano dramática rusa Maria Guleghina, conocida por su imponente fuerza vocal ideal para la fría princesa.
Calaf: El tenor italiano Marcello Giordani, quien ofrece una vibrante interpretación del príncipe desconocido.
Liù: La soprano Marina Poplavskaya en el conmovedor rol de la esclava.
Timur: El legendario bajo estadounidense Samuel Ramey.
Director Musical: Un joven y enérgico Andris Nelsons al frente de la Orquesta del Met.
La timba cubana y el son cubano, están experimentando un fenómeno muy interesante en plataformas musicales, impulsado por herramientas de Inteligencia Artificial generativa.
En este caso, y si bien huimos de la publicación de creaciones de IA, vamos a hacer una excepción, al tener una base creada por el ser humano.
La canción Reflexiones es una reconocida composición del músico de Son Cubano Adalberto Álvarez, y en este caso, se ha hecho una adaptación, eliminando algunos de los instrumentos para rebajar el tono a una música apropiada, según el motor de IA, a la esencia del texto, el cual también sufre algunas modificaciones.
En cualquier caso, este es el resultado, que nos parece realmente notable.
En 1961 el legendario futbolista Ladislao Kubala se retiró inicialmente como jugador en el F.C. Barcelona, club donde se convirtió en un mito histórico.
Tras su retirada, el club le rindió un gran partido de homenaje el 30 de agosto de ese mismo año frente al Stade de Reims.
Ladislao Kubala es uno de los futbolistas más influyentes de la historia, cuyo impacto transformó el fútbol a nivel técnico, táctico y económico.
El impacto popular de Kubala fue tan masivo que el antiguo estadio del F.C. Barcelona, el campo de Les Corts (con capacidad para 60,000 espectadores), se quedó pequeño para albergar a los aficionados que querían verlo jugar. Esto obligó al club a construir el Camp Nou, inaugurado en 1957, para dar cabida a la enorme demanda de público.
Kubala revolucionó la técnica individual. Fue el primer jugador de masas en dominar el golpeo de balón con rosca o efecto, utilizando el interior del pie para sortear las barreras en los lanzamientos de falta, una técnica que hoy es estándar en el fútbol élite.
El único en jugar con tres selecciones absolutas distintas. ostentando un record histórico en la la FIFA.
Su vida fue llevada al cine, en "Los Ases biuscan la Paz".
Y UNA NOTABLE CURIOSIDAD.
Kubala se bautizó en el catolicismo, en la Parroquia de San José de Águilas, pueblo natal de Armando Muñoz Calero, quien en ese momento era el presidente de la Real Federación Española de Fútbol (RFEF) y una figura médica y política muy influyente del régimen. Muñoz Calero apadrinó personalmente al jugador para agilizar todo el papeleo institucional, con la ayuda de José Samitier.
El 30 agosto 1969, sale el primer disco de Santana.
La banda fusionó elementos de rock, jazz, salsa y música latina en una mezcla única que los llevó al estrellato y los convirtió en uno de los grupos más influyentes de la época.
El álbum «Santana» presenta una variedad de canciones que mostrabas esa fusión de géneros y estilos. Algunas de las canciones más notables del álbum incluyen:
Waiting: Una canción instrumental que establece el tono del álbum.
Evil Ways: Uno de los sencillos más recordados del LP. Fue un gran éxito y ayudó a lanzar la carrera de Santana.
Soul Sacrifice: Esta pista es famosa por su apasionada actuación en el Festival de Woodstock en 1969.
Y aunque no estuviera incluida en ese album, no podemos dejar la osación de escuchar "Samba pa ti".
El 30 de agosto de 1957, el inolvidable clásico "Diana" de Paul Anka alcanzó oficialmente el número 1 en las listas de éxitos del Reino Unido, donde se mantuvo durante nueve semanas.
Con solo 16 años recién cumplidos, Paul Anka se convirtió en el primer solista adolescente en lograr un número 1 en el Reino Unido.
Vendió más de 1,25 millones de copias solo en territorio británico, consolidándose como uno de los sencillos más vendidos de la historia en ese país.
El joven canadiense compuso el tema inspirado en un amor platónico de la adolescencia, Diana Ayoub, una chica algo mayor que él a la que veía en la iglesia y que ocasionalmente cuidaba a sus hermanos pequeños.
Entendemos que las Onomásticas se deben regir por lo que marca la Iglesia Católica en en el calendario romano el día de las "Rosas" fue el pasado 23 de Agosto, desde el año 1969.
Aunque también es de justicia respetar aquellas que son fieles a sus tradiciones, tanto personales como Institucionales, y así es hoy, 30 de Agosto, cuando se celebra en distintos países hispanoamericanos de los que es Patrona, con fiestas muy destacadas en Perú, su país natal, de la misma manera que, según distintas bulas papales cambió desde Rosa de Santa María, hasta Rosa de Lima.
La tradición cuenta que el papa Clemente X, luego de oír los argumentos sobre su canonización dijo: «¡Hum! ¡Patrona y santa! ¿Y Rosa? que llueva flores sobre mi escritorio si es verdad». Y la respuesta al instante fue una fragante lluvia de rosas sobre la mesa del papa, quien en ese momento procedió a la canonización.
Y que nosotros sepamos, algunas de las Rosas de La Décima, como María Rosa Arcas y María Rosa Sánchez así como seguro que lectoras de nuestro Blog, no quieren cambiar lo que para ellas es una tradición, como seguro era que con su Onomástica practicamente terminaban las vacaciones de verano, con la vuelta a la rutina, y seguro que muchas más cosas, difíciles de separar.
Y, musicalmente, en este día nos viene a la mente la música escénica compuesta por Franz Schubert para la obra de teatro Rosamunda , princesa de Chipre.
La obra de teatro duró en cartel solo dos dias y pasó al olvido, pero no así la Música, y especialmente su Obertura, y es con ella con la que queremos felicitar a todas las ROSAS, tanto a las que se rigen por el calendario romano actual como las que siguen las tradiciones, arraigadas desde su nacimiento, como en el caso de nuestras citadas compañeras.
El incombustible Antonio Segura Aznar, para los amigos "Antoine el francés", y cuyo nombre debería llevar la Pista de Baile de Águilas (Plaza de Antonio Cortijos), Otros espacios musicales aguileños le han dedicado el nombre a personas menos merecedoras de ello, en opinión de nuestro redactor.
Antonio participó el pasado día 27, junto al Grupo Fusión 60, y de forma totalmente altruista, como es habitual en ellos, en el Concierto organizado por el Paso Encarnado para recaudar fondos para los desfiles de la póxima Semana Santa, con un aforo completo, y recordandos los éxitos de los años 60 y 70.
Fila Superior: En el centro Sebastian, segundo a nuestra derecha:Antoine
Como curiosidad, sus vídeos tienen más de dos millones de visualizaciones en redes sociales, tanto cantando en solitario como en dúo, con más de 1000 cantantes femeninas de todo el mundo, y en todas ellas, publicita el nombre de Águilas, donde tampoco se le he hecho "Aguileño Adoptivo", y de nuevo surge la pregunta ¿Como es posible, salvo que intervengan otras causas y motivos para ello.?
Allí, Antoine regaló de nuevo al pueblo de Águilas muchos de sus grandes éxitos, cosechados durante tantos años, y que todos escuchan de nuevo no solo con los oídos físicos, sinó también con los de la nostalgia.
Este vídeo que reproducimos, es solo una pálida muestra de lo que se vivió en "La Pista".
En este Acto, también se le rindió homenaje a Sebastián Muñoz, hermano de nuestro redactor por toda una vida dedicada a la Semana Santa Aguileña y hubo tiempo para la diversión y también para la Gastronomía.
Nuestrro agradecimiento a Juan D. Oliver, autor de las fotos y vídeo.
El 29 de agosto de 1924 nace en Madrid María Dolores Pradera, cantante melódica y actriz española.
Su trayectoria artística comenzó en 1943 logrando ser primera figura del teatro, posteriormente como actriz de cine y finalmente cantante en espectáculos en directo.
Dado el éxito de sus grabaciones discográficas realizó giras por varios países, especialmente en Hispanoamérica, y se dedicó por entero a la canción desde comienzos de la década de 1970.
Por su labor alcanzó mayor fama mundial por difundir algunos géneros de la música popular hispanoamericana, la canción española y la obra de sus más grandes autores.
Por su personalidad en el escenario, dotada de una voz grave y contundente y una gestualidad elegante, popularmente se la conoce como La Gran Señora de la Canción.
El Ayuntamiento de Madrid colocó una placa conmemorativa en la fachada del edificio de su último domicilio. . En ella se lee el siguiente texto:
“En esta casa vivió María Dolores Pradera (1924-2018). Cantante y actriz de excepcional elegancia y serenidad, paseó su ‘Fina Estampa’ por las calles de Tetuán”
El 29 de agosto de 1924 nace en Alabama Dinah Washington, cantante estadounidense de rhythm and blues, jazz, blues.
Conocida por apelativos como La reina del blues, es una de las mejores y principales voces femeninas de la música negra y considerada la cantante afrodescendiente más popular en los Estados Unidos de los años 1950.
En 1959, consiguió un gran éxito en el mercado pop con "What a Diff'rence a Day Makes".
El resto de su carrera se concentró en las baladas, respaldadas por una juvenil orquestación y grabadas para Mercury y Roulette.
El 29 de agosto de 1920 nace en Kansas City Charlie Parker, saxofonista y compositor estadounidense de jazz.
Apodado Bird y Yardbird, es considerado uno de los mejores intérpretes de saxofón alto de la historia de ese género musical, siendo una de las figuras claves en su evolución y uno de sus artistas más legendarios y admirados.
De igual forma, según los críticos de jazz, es uno de los más importantes músicos de la historia del género, junto a Louis Armstrong, Duke Ellington, John Coltrane y Miles Davis.
Habitamos un planeta oscuro que gira alrededor de una estrella enana, perdida entre millones de galaxias. Y aun así, en ese cascote surgió una especie capaz de preguntarse por el amor, por el arte y por el sentido de la vida.
La felicidad es un desafío: no venimos al mundo a ser felices, sino a luchar para merecerla, a puro coraje y a pura verdad.
Nadie muere de dolor, con dolor se vive, porque el dolor es la señal de que le estamos dando batalla a la vida. Los griegos decían agón, de donde viene agonía, y no significaba muerte, sino lucha.
Desde un bloque de apartamentos de la era soviética en Tallin hasta las salas de conciertos más importantes del mundo, Arvo Pärt creó un lenguaje musical que trasciende fronteras, religiones y generaciones.
Proponemos escuchar dos de sus composiciones de una música que sigue conmoviento al público de todo el mundo, con sonios que que nos invitan a eseuchar no solo la música, sino tambien nuestra propia alma, así como un homenaje desde el MET.
Edgar Neville fue uno de los grandes genios del cine español. Director, guionista, escritor y dramaturgo, creó un universo cinematográfico absolutamente personal que durante años permaneció injustamente olvidado y que hoy ha sido reivindicado como una de las obras más singulares de nuestro cine.
Este excepcional documento de 1984, perteneciente al mítico programa «La noche del cine español», dirigido por Fernando Méndez-Leite, nos permite redescubrir a Neville a través de fragmentos de sus películas y, sobre todo, de las voces de quienes lo conocieron y trabajaron con él.
Luis García Berlanga, Fernando Fernán Gómez, Adolfo Marsillach, Rafael Alonso, Guillermo Marín y el decorador Francisco Canet, entre otros, recuerdan al hombre, al cineasta y a una personalidad irrepetible.
Sus películas, su particular sentido del humor, su manera de entender el cine y los recuerdos de quienes compartieron profesión y amistad con él convierten este programa en un extraordinario documento sobre una de las figuras más originales de la historia del cine español.
La reciente recomendación efectuada por el Papa León XIV de leer la carta de San Agustín a Proba, nos anima a profundizar, siquiera someramente, en este asunto.
Proba fue una influyente noble y aristócrata romana cristiana de finales del siglo IV y principios del siglo V casada con Sexto Claudio Petronio Probo, uno de los hombres más poderosos del Imperio Romano y prefecto del Pretorio.
Tras el saqueo de Roma por los visigodos en el año 410, huyó como viuda hacia el norte de África junto a su nuera Juliana y su nieta Demetria, estableciéndose temporalmente en la diócesis de Hipona.
La célebre Carta a Proba (conocida formalmente como la Carta 130 de San Agustín) surgió porque ella le escribió al obispo de Hipona manifestando su profunda angustia y temor de no saber orar como es debido, basándose en la inquietud de Romanos
La respuesta de San Agustín se convirtió en el tratado teológico más importante sobre la oración de todo su legado y con ella aprovecha la consulta de Proba para estructurar los cimientos de la espiritualidad agustiniana a través de varias lecciones esenciales
San Agustín de Hipona escribió y recibió un corpus de correspondencia del que se conservan un total de entre 270 y 300 cartas.
El texto íntegro de la Carta, la podemos leer EN ESTE ENLACE.
Así se restauró el terno de castillos y leones de la Virgen de los Reyes
El histórico terno blanco de castillos y leones de Nuestra Señora de los Reyes ha recuperado su estabilidad y buena parte de su esplendor después de una intervención realizada por el Instituto Andaluz del Patrimonio Histórico.
La restauración ha permitido conservar un conjunto textil fechado en 1884, relacionado con la reina Isabel II y estrechamente unido a la historia de la patrona de Sevilla.
El terno blanco de castillos y leones constituye una de las piezas más singulares del ajuar de la Virgen de los Reyes. El conjunto, fechado en 1884, fue realizado por Rosa Gilart, bordadora vinculada al taller de cámara de la reina Isabel II.
Parte de sus tejidos procede de un vestido de gala de la soberana, que posteriormente fue adaptado para incorporarlo al ajuar de la patrona de Sevilla.
Con el paso del tiempo, el uso continuado, las manipulaciones necesarias para vestir a la Virgen y la propia fragilidad de los materiales habían provocado diversos daños
Recientemente recordábamos la efemérides del nacimiento de Tomás Luis de Victoria, con unas circunstancias rodeadas del más absoluto de los desconocimientos, tanto de la fecha como del lugar, aunque se le vincula con Ávila.
Lo cierto es que murió, de eso no hay duda aparente, el 27 de agosto de 1611 y que fue un sacerdote católico, maestro de capilla y célebre compositor polifonista del renacimiento español.
Se le ha considerado uno de los compositores más relevantes y avanzados de su época, con un estilo innovador que anunció el inminente barroco.
Su influencia llega hasta el siglo XX, cuando fue tomado como modelo por los compositores del cecilianismo.
Los Estudios Op. 25 de Frédéric Chopin son una colección de 12 obras para piano solo compuestas entre 1835 y 1837. y que Junto con el Op. 10, revolucionaron la música clásica al fusionar una complejidad técnica extrema con una profunda expresividad poética.
Cada uno de ellos aborda un desafío técnico específico del piano sin perder nunca su valor musical, y la mayoría cuenta con apodos populares que reflejan su carácter.
El apodo del número 1 es: “Arpa eólica” o “Arpa de Eolo”.
El sobrenombre no fue puesto por Chopin. Se relaciona con una observación de Robert Schumann, quien imaginó que el efecto de la obra era semejante al de un arpa eólica: un instrumento cuyas cuerdas vibran impulsadas por el viento. Los arpegios continuos y cambiantes producen precisamente esa sensación de sonido flotante.
En la versión de Lang Lang, la pieza aparece como una obra de gran refinamiento sonoro, pero también con una fuerte dimensión escénica y emocional.
El 27 de agosto de 1909 nace Lester Young, músico estadounidense de jazz, saxofonista tenor y clarinetista.
ambién conocido como "Pres o Prez " seudónimo atribuido por Billie Holiday, es una de las figuras más importantes de la historia del jazz, y su trabajo discurrió por los campos del swing, el bop y el cool.
Está considerado, junto con Coleman Hawkins, uno de los dos saxofonistas más influyentes del siglo XX, siendo uno de los pioneros de la tradición del saxo-tenor en el jazz.
A diferencia de sus contemporáneos, que tocaban con un sonido agresivo, Young revolucionó el género con un estilo relajado, melódico y flotante que más tarde daría origen al Cool Jazz.
Young tocaba el saxofón inclinado hacia un lado, formando un ángulo de casi 45 grados, como si estuviera flotando sobre el instrumento.
Fue reclutado por el ejército estadounidense en 1944. Debido al racismo sistémico y a su consumo de marihuana, pasó casi un año en una prisión militar de confinamiento. Esta experiencia lo traumatizó y cambió su personalidad y su música para siempre.Aunque la química entre Billie Holiday y Lester Young era tan profunda que muchos pensaban que eran pareja, ambos declararon siempre que su relación era estrictamente platónica y de hermandad musical.
El 26 de agosto de 1968, Mary Hopkin publica en Estados Unidos el sencillo Those Were the Days, producido por Paul McCartney y editado por Apple Records.
En el Reino Unido, el disco se lanzó el 30 de agosto.
La canción, adaptación de una pieza rusa llegó al número 1 en el Reino Unido y al número 2 en Estados Unidos.
El 26 de Agosto de 1542 la expedición del militar español Francisco de Orellana llega a la desembocadura del río Amazonas.
Ese hito marcó un antes y un después en la exploración del continente americano. Tras separarse de la expedición de Gonzalo Pizarro en busca del rústico "País de la Canela", Francisco de Orellana y sus hombres completaron una de las travesías más peligrosas de la historia, navegando el río desde los Andes hasta el Atlántico.
El viaje completo por el río duró casi ocho meses (de diciembre de 1541 a agosto de 1542). Bautizó al río como "Amazonas" tras sufrir el ataque de mujeres guerreras que le recordaron a los mitos griegos.
Construyeron dos bergantines en plena selva para poder navegar las turbulentas aguas.
Llegaron al océano Atlántico el 26 de agosto de 1542, demostrando la conexión fluvial del continente.
La Rapsodia Húngara No. 2 de Franz Liszt, compuesta originalmente en 1847 para piano solo, es una de las obras más célebres de la historia de la música, y aquí podemos admirar la interpretación del piaista Lang Lang
.
Su adaptación para quinteto de metales (habitualmente dos trompetas, trompa, trombón y tuba) representa un tour de force que traslada el pirotécnico virtuosismo del piano a las capacidades expresivas y técnicas de los instrumentos de viento-metal.
En el piano, un solo ejecutante domina las veloces escalas y arpegios. En el quinteto de metales, el arreglista fragmenta estas líneas. Las trompetas asumen los pasajes más agudos y veloces, alternándose para mantener la frescura de la embocadura, mientras que el trombón y la trompa asumen las líneas de contrapunto y los solos líricos del registro medio.
"Celeste Aida" es una de las romanzas y arias para tenor más famosas de la historia de la ópera, compuesta por Giuseppe Verdi con libreto de Antonio Ghislanzoni. Pertenece al primer acto de la ópera Aida y es interpretada por el personaje de Radamés, un joven capitán de la guardia egipcia.
Radamés sueña con ser elegido comandante en jefe del ejército egipcio para marchar a la guerra. Sus motivaciones combinan la gloria militar con su amor secreto por Aida, una princesa etíope que ha sido esclavizada por los egipcios.
Los expertos musicales consideran que "Celeste Aida" presenta un desafío monumental para los tenores debido a dos factores principales:
Falta de calentamiento: Se canta apenas iniciada la ópera, obligando al intérprete a ejecutar pasajes de enorme exigencia vocal con la voz aún fría.
El "Morendo" final: La partitura exige que la nota más alta al final de la pieza (un si bemol agudo) se cante en un tono pianissimo que se desvanece suavemente (morendo), un requerimiento técnico que muy pocos logran sin recurrir al falsete o al canto con fuerza.
Francisco Guerrero (1528–1599), sevillano, sacerdote, canónigo, racionero y maestro de capilla de nuestra Catedral, fue uno de los grandes compositores del Renacimiento, junto a Cristóbal de Morales y Tomás Luis de Victoria.
En 1950, Cifesa reunió por primera vez en una misma película a dos de las máximas estrellas del cine español: Amparo Rivelles y Ana Mariscal.
De mujer a mujer, dirigida por Luis Lucia y basada en la obra "Alma triunfante" de Jacinto Benavente, fue uno de los grandes melodramas de su tiempo y también una de las últimas grandes superproducciones de Cifesa.
Pero detrás de la película había un problema: ¿Cuál de las dos estrellas debía ocupar el primer lugar?
El personaje de Ana Mariscal fue ampliado y reescrito para darle una dimensión comparable al de Amparo Rivelles, y la disputa profesional llegó incluso a los créditos iniciales: ninguna debía aparecer después de la otra. La solución fue tan original como salomónica.
Ayer, el Teatro Colón de Buenos Aires ofreció en directo la interpretación de la Ópera Otelo de Verdi, que muchos seguimos, a pesar de los horarios, con extraordinario interés, y podemos asegurar que está absolutamente justificado.
A estas alturas, hablar solamente de la gran obra del maestro Verdi, es una cuestión casi baladí, pero en estos tiempos que vivimos de producciones minimalistas, que más bien son simplemente "baratas", y oscuras, es por lo que tenemos que contemplar otras cosas, y ya hemos tenido ocasión de leer algunas críticas tan entusiastas y unánimes como éstas:
La nueva producción realizada en coproducción con el Auditorio de Tenerife: una puesta de gran belleza visual, atmosférica y cinematográfica, que busca servir a la música de Verdi en lugar de competir con ella.
Una “obra de arte total”, destacando tanto la ópera de Verdi como su representación escénica. Para Cecilia Scalisi, por su majestuosidad y fuerza emocional, esta producción quedará entre las grandes propuestas recientes del Teatro Colón.
El director de escena Fabio Sparvoli evita una lectura radicalmente contemporánea o una reinterpretación “de autor” que pueda distraer del drama. Su idea es presentar con claridad los mecanismos de la tragedia: la envidia de Iago, los celos, la manipulación, la soledad, el prejuicio y la violencia.
Así pues, si quieres disfrutar con la música de Verdi, en una producción que seguro hubiese firmado el propio compositor, sugerimos de dejar de ver esta Obra de Arte, gracias a la generosidad del Colón.
En la publicación del vídeo, hemos suprimido unos 10 mínutos previos al comienzo de la representación.
Sugerimos la grabación, puesto que dudamos que esté por muchos días en disposición libre y gratuita. Por nuestra parte, recomendamos una especial atención al tenor Gregory Kunde, a quien ya conocemos en Sevilla, incluso con el mismo personaje de Otelo.
Cuando en la mayor parte de las poblaciones costeras y con tradición marinera, estamos todavía recordando la última procesión de la Virgen del Carmen, en Isla Cristina se acaba de celebrar otra procesión marítima, aún con mayor arraigo popular, consistente en el Embarque y Desembarco de la Virgen del Mar, y que es celebre por ser una de las más largas de España, comenzando el pasado domingo por la tarde, para terminar en la mañana de ayer lunes.
Y merece la pena pararse e explicar las diferencias:
La Virgen del Carmen es la patrona general de los marineros de Isla Cristina, mientras que la Virgen del Mar es una devoción vecinal específica de la barriada marinera de Punta del Caimán. La advocación de esta última procede directamente de la localidad de Carboneras (Almería), casi ya lindando con Murcia, y traída en 1981 por familias de pescadores inmigrantes que se asentaron en el barrio, por lo que se trata de una tración muy reciente pero que ha arraigado fuertemente en "Punta" y mientras que El Carmen recorre el centro del municipio y la ría Carreras. La Virgen del Mar se centra exclusivamente en las calles de la barriada de Punta del Caimán y la playa de El Cantil.
El desembarco se efectúa en la misma arena de la Playa, mostrándonos imágenes que nos recuerdan el Salto de la Verja en el Rocío.
Los vecinos de Punta del Caimán tienen un arraigado espíritu de pertenencia, de forma que no es solo un festejo religioso sino el evento que define la historia de sus vecinos y su cohesión como comunidad.
Es dificil poder expresar todo lo que significa para los "punteros" esta procesión, y este vídeo solo pretende ser una pálida muestra.
Estamos seguros de la devoción con que la procesión habrá sido seguida por algunos de nuestros compañeros isleños como Antonio Martín Columé, Lourdes Rodriguez y Emilia Matutes, a quienes felicitamos por acoger y mantener esta tradición procedente de la lejana Carboneras.
El 25 de agosto de 1944, París fue liberado de la ocupación nazi tras la rendición de la guarnición alemana.
Ese mismo día, Charles de Gaulle pronunció en el Hôtel de Ville su célebre discurso: «¡París ultrajada, París rota, París martirizada, pero París liberada!».
El 25 de agosto de 1580, en las inmediaciones de Lisboa, el ejército de Felipe II, dirigido por Fernando Álvarez de Toledo, III duque de Alba, derrotó decisivamente a las fuerzas de don Antonio, prior de Crato, pretendiente al trono portugués.
La batalla se produjo en el contexto de la crisis sucesoria portuguesa desencadenada tras la muerte del rey Sebastián I y la posterior desaparición del cardenal Enrique.
Felipe II, que también reclamaba la Corona portuguesa, encargó la invasión al duque de Alba, entonces un veterano comandante de 72 años.
La victoria abrió el camino hacia Lisboa, que cayó dos días después, y consolidó la incorporación de Portugal a la Monarquía Hispánica. En 1581, Felipe II fue reconocido formalmente como rey de Portugal con el nombre de Felipe I, iniciándose la unión dinástica conocida como Unión Ibérica, que se mantendría hasta 1640.
El 25 de agosto de 1925 nace en Sevilla Juanita Reina, cantante y actriz española, reconocida como "la Reina de la Copla"
Con trece años debutó en el Teatro Cervantes de Sevilla, cantando al término de la función la canción Salomé de Pastora Imperio y gracias a la mediación del director de la compañía de zarzuela que actuaba ese día.
Fue descubierta para el cine por Florián Rey, que le ofreció el papel estelar en La blanca Paloma en 1942. Durante toda la década compatibiliza la realización de espectáculos en España e Iberoamérica con el rodaje de películas del cine musical español.
Protagonizó la exitosa película La Lola se va a los puertos de los hermanos Machado y dirigida por Juan de Orduña.
Asimismo, repitió éxito con la gran producción Lola la Piconera (1951) basada en la obra de teatro de 1934 Cuando las Cortes de Cádiz de José María Pemán.
Fue devota de la Virgen de la Macarena, de quien era camarera de honor.
Tuvo la culminación de su carrera el 7 de junio de 1992 con el concierto Azabache de la Expo de Sevilla de 1992, junto a Rocío Jurado, Nati Mistral, María Vidal e Imperio Argentina y dirigido por Gerardo Vera. Recibió la Medalla de Andalucía ese mismo año.
Lo curioso de la emotiva canción de La Lola se va a los Puertos, es que el extraordinario viaje donde todo el mundo se emociona, era desde la Isla de San Fernando hasta Sanlucar de Barrameda, O sea que no se iba a America. Eran "otros" los motivos de las emociones.
El 25 de agosto de 1918 nace Leonard Bernstein, compositor, pianista y director de orquesta estadounidense.
Fue el primer director de orquesta nacido en los Estados Unidos que obtuvo fama mundial, célebre por haber dirigido la Orquesta Filarmónica de Nueva York, por sus Conciertos para jóvenes en la televisión entre 1957 y 1972 y por sus múltiples composiciones, entre ellas On the Town (1944), On the Waterfront (1954), Candide (1956) y West Side Story (1957).
También fue una figura esencial en el resurgir moderno de la música de Gustav Mahler, el compositor que le interesaba más apasionadamente.
La Dirección de Leonard Bernstein se caracterizaba por ser altamente emocional, expresivo y de un dinamismo físico desbordante, rompiendo por completo con la rigidez y sobriedad de los directores de la vieja escuela europea. Bernstein no solo dirigía la música; la vivía corporalmente, convirtiéndose en el canal de la energía de la partitura.
El Retablo Mayor de la Catedral de Sevilla es considerado el más grande de toda la cristiandad y una de las estructuras de madera policromada más colosales del arte sacro europeo.
Preside la Capilla Mayor en el cruce de las naves principales del templo.
El Evangelio en madera": Funcionaba originalmente como una enorme Biblia visual para evangelizar y educar a una sociedad mayoritariamente analfabeta.
Evolución estilística: Su construcción tomó más de 80 años (1482 a 1564). Muestra la perfecta transición del gótico tardío hacia el plateresco y el Renacimiento ibérico.
Proyecto colectivo: Ideado por el escultor flamenco Pedro Dancart. Fue continuado por grandes maestros como el maestro Marco, Pedro Millán, Jorge Fernández Alemán, Roque Balduque, Juan Bautista Vázquez el Viejo y Pedro de Heredia.Riqueza de materiales:
Está tallado en maderas nobles de nogal y castaño. Su imponente dorado fue realizado con oro traído desde el Nuevo Mundo tras el Descubrimiento de América
En 1943, encerrado en la prisión de Tegel, el teólogo Dietrich Bonhoeffer escribió algo que incomoda más hoy que entonces:
"La estupidez es un enemigo más peligroso que la maldad."
No hablaba de personas ignorantes.
Hablaba de personas normales — médicos, profesores, padres de familia — que entregaron su capacidad de pensar a un grupo, un líder o una ideología.
Por qué la estupidez es más difícil de combatir que la maldad
— Por qué ocurre más en personas con poder social, no menos
— Por qué los hechos, la información y los argumentos no sirven de nada
— Y la única cosa que sí funciona, según Bonhoeffer.
ESTA REFLEXIÓN SIGUE SIENDO UTILIZABLE EN NUESTRA RABIOSA ACTUALIDAD.
Rubén Blades explica el significado de la frase que cierra «Pedro Navaja» y cuenta por qué esta canción, publicada en 1978, sigue vigente casi medio siglo después.
El compositor panameño habla de la historia detrás de una de sus canciones más emblemáticas y de una lectura que suele pasar desapercibida: la mujer del relato no es una víctima.
El 24 de Agosto de 1997 fallece a causa de un cáncer de pulmón Tete Montoliu, el pianista de jazz más importante de la historia de España y el primer músico nacional de este género en alcanzar una proyección y reconocimiento internacional absolutos.
Ciego de nacimiento, desarrolló un oído prodigioso y un virtuosismo al piano comparado con leyendas americanas como Art Tatum u Oscar Peterson, convirtiendo a Barcelona en un punto de referencia en el mapa mundial del jazz.
El vibrafonista Lionel Hampton quedó maravillado al escucharlo en un club barcelonés e inmediatamente lo invitó a unirse a su gira europea.1958
Dio saltos históricos al tocar en el célebre club The Top of the Gate de Nueva York y fue distinguido por sus propios colegas como el mejor pianista europeo de jazz.
Dejó un legado discográfico imprescindible que incluye joyas musicales como Body & Soul (1971), Tete! (1974) o su emotivo directo Tete en "Johnny" (Colegio de San Juan Evangeiista" o sus grabaciones junto a Mayte Martín, "Free Boleros".
Te proponemos un magnñífico plan, a solo unos 50 minutos de cualquier playa donde te encuentres en Águilas.
Totana es una población murciana, rica en yacimientos arqueológicos, de cuya existencia se tienen noticias desde el siglo XIX.
El Yacimiento de La Bastida, edn Totana, es considerado una de las ciudades fortificadas más relevantes de la Edad del Bronce en Europa continental. Conocida como la "Troya de Occidente", este asentamiento de la cultura argárica estuvo habitado hace unos 4.000 años y si bien se tienen noticias del mismo desde el año 1869, no ha sido hasta muy reciemenente, donde se ha entendido su gran importancia, desde que en los años 70 se realizaron las primeras intervenciones arqueológicas, bajo la tutela del Museo Arqueológico de Murcia.
El verdadero impulso científico para desenterrar sus fases ibérica, romana y andalusí comenzó a través de un proyecto de excavación continuado que arrancó en el año 2014
La vinculación de los yacimientos de Totana con la cultura argárica (2200 a.C. - 1550 a.C.) es absoluta, hasta el punto de que La Bastida es considerada la urbe más grande e importante de toda la Edad del Bronce en Europa continental.
No eran simples aldeas; formaban parte de una de las primeras sociedades de jefatura y estados estratificados del Mediterráneo occidental.
Hemos visualizado la presentación del Concierto, a cargo de la Concejala de Turismo de Totana, quien a fuerza de repetir, hasta la saciedad que son cantantes y músicos de fama mundial, no ha citado a uno solo de ellos que nos hubiese podido sacar nuestras conclusiones, así, que aunque muy alejada en la época, recurriremos a una escena de Los Troyanos, de Hector Berlioz.
Virginía Sánchez, adaptando la luz ambiental a la intimidad y sensibilidad de su programa de turno.
Todos nuestros lectores conocen el gran interés que de siempre hemos demostrado al papel tan ignorado, en la mayor parte de las ocasiones, de las Mujeres, compositoras o intérpretes.
Es por ello, por lo que volvemos a recomendar, tras casi todo un verano escuchándolo, el programa "Suya Afectisima", que dirige y presenta la Doctora en Musicología, y profesora en la Universidad de Salamanca, Virgina Sánchez Rodriguez.
A lo largo de todas las tardes dominicales del verano, se han tratato temas tan interesantes y vital para conocer el papel de la Mujer, como:
Maria Callas, descubriendo sus confidencias por correo postal con su maestra Elvira de Hidalgo.
Mujeres que rompieron moldes en la composición orquestal, como Florence Price, Marianna Martínez o María Luisa de Borbón.
Programas enfocados en los obstáculos de las artistas, como el repaso a la trayectoria de Teresa Carreño o el análisis sobre Clara Schumann y el "síndrome de la impostora".
Monográficos dedicados a las llamadas "compositoras iluminadas" de la historia como Hildegard von Bingen o Kassia de Constantinopla
SIN SUEÑOS DE ESPERANZA Y ORGULLO, UN HOMBRE MORIRÁ
Por supuesto, no vamos a hablar de los ministros de quien preside su Consejo, sino de algo más serio, como es la Música, y en este caso del Jazz.
The Children of Sánchez es una de las composiciones más emblemáticas del músico de jazz estadounidense Chuck Mangione, lanzada en 1978 como tema principal de la película homónima que interpretó Anthony Queen, sobre la pobreza en Mexico en los años 60.
La pieza destaca por su fusión de jazz-pop, tintes latinos y una profunda carga emocional.
El Fliscorno es el instrumento protagonista en esta composición interpretado por Chuck Mangione y que diferencia de la trompeta tradicional, aporta un sonido mucho más suave, oscuro, lírico y melancólico que define la identidad de la obra.
La canción se inicia con una introducción vocal e instrumental suave y acústica, para luego estallar de forma enérgica con una potente sección de vientos-metal, percusiones y un ritmo sumamente contagioso y dramático.
Ofrecemos una versión de la Flircornista Henrike Hoon, por la gran importancia que en ella se le dá al solo inicial, que nos parece absolutamente excepcional y también como homenaje a las Bandas de Música, si bien lo completamos con la versión del propio compositor.
La reunión de B.B. King, Eric Clapton, Buddy Guy y Jimmie Vaughan para tocar "Rock Me Baby" en el primer Crossroads Guitar Festival (2004) en Dallas, Texas, es considerada una de las cumbres históricas del blues moderno.
Este encuentro no solo juntó a cuatro leyendas de distintas generaciones, sino que se convirtió en una cátedra en vivo de improvisación, respeto mutuo y pura emoción.
El festival fue organizado por Eric Clapton para recaudar fondos para su centro de rehabilitación Crossroads. Sin embargo, en esta canción cede el absoluto protagonismo y el centro del escenario al "Rey del Blues", B.B. King, quien lidera la sesión sentado en su icónica silla.
El duelo de estilos:B.B. King abre el tema con su inconfundible voz profunda y los lamentos punzantes de su guitarra Lucille.
Durante gran parte de la canción, mientras uno de los guitarristas realiza su solo, los otros tres detienen casi por completo su ejecución o bajan el volumen de sus instrumentos al mínimo. Este absoluto "silencio respetuoso" es una regla no escrita del blues clásico para permitir que la identidad y el tono de cada solista resalten al máximo sin ensuciar la mezcla.
Es evidente que todo el mundo lo quiere todo en el mismo momento y coincidiendo con todos.
Nuestra lectora y colaboradora, Mayte Muñoz está pasando sus vacaciones en Águilas,(Como no puede ser de otra manera, aunque "hay gente pa tó") y tiene la amabilidad de enviarnos unas imágenes para nuestro Blog.
En estos momentos, las 9,30h de la mañana nos envía estas fotos de la Playa de Calarreona, donde ha llegado dando un paseo por la costa, de unos 4 kilómetros, aunque también se puede llegar en coche y aparcar junto al mar, en apenas 5 minutos.
Es una vieja y sana costumbre recogida de sus propios padres, nuestros compañeros Pascual y María Rosa y podemos asegurar que llegar allí y darse un baño es un verdero deleite para los sentidos.
Si ayer nos ocupamos de una pequeña reseña sobre el Concierto para Violín de Mendelssohn, hemos pensado continuar en esta mañana en que "La Caló" nos está dando tregua con el de Barber, no tan popular como los "cuatro grandes" (Beethoven, Mendelsohhn, Tchikovsky y Brahms) pero que cada vez se interpreta con más frecuencia. El Concierto para violín, Op. 14 de Samuel Barber, compuesto entre 1939 y 1940, es hoy en día una de las obras más queridas y grabadas del siglo XX. Aunque inicialmente no tuvo una recepción sencilla, su desbordante lirismo y su electrizante final lo están convirtiendo poco a poco en un pilar del repertorio.
El concierto, denominado por el propio Barber como "El Concierto del Jabón", tuvo una génesis muy curiosa.
La obra fue un encargo del empresario y magnate del Jabón Samuel Fels para su hijo adoptivo, el joven y talentoso violinista Iso Briselli. Barber recibió un adelanto de $1,000.
Cuando Barber entregó los dos primeros movimientos mientras se refugiaba en Suiza al inicio de la Segunda Guerra Mundial, Briselli y su profesor de violín, Albert Meiff, se sintieron decepcionados. Argumentaban que la pieza era demasiado "lírica" y carecía del virtuosismo moderno y espectacular que se esperaba de un concierto. En definitiva: Demasiado Facil
Molesto por las críticas, Barber decidió componer un tercer movimiento de una dificultad técnica brutal (el perpetuum mobile). Al recibirlo, Briselli declaró que era intocable y que no encajaba con el resto de la obra, negándose a estrenarlo en la fecha prevista. Demasiado Dificil.
Para demostrar que sí se podía tocar, Barber llevó la partitura al Curtis Institute of Music. Allí, otro estudiante de violín la ensayó en apenas unas horas y la tocó a la perfección ante los patrocinadores, salvando la reputación del compositor. Finalmente, el concierto fue estrenado oficialmente en 1941 por Albert Spalding junto a la Orquesta de Filadelfia.
Ofrecemos la interpretación de Janine Jansen, con la London Symphny Orchestra, dirigidos por Sir. Antonio Pappano.
¿Qué ocurre en nuestro cerebro cuando nos enamoramos y cuando nos rompen el corazón?
La ciencia ha empezado a responder estas preguntas estudiando cómo cambian nuestros circuitos neuronales durante el amor romántico.
En este video exploramos la teoría del apego, la dopamina, la oxitocina y la vasopresina, y descubrimos por qué una pareja puede llegar a convertirse en una parte de nuestra propia identidad.
Max Roach (1924–2007) fue un baterista, compositor y activista estadounidense, considerado unánimemente como uno de los músicos más importantes e influyentes en la historia del jazz.
Fue el baterista de confianza de los padres del bebop, grabando con genios como Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk y Miles Davis.
Formó junto al virtuoso trompetista Clifford Brown uno de los grupos definitivos del hard bop.
El álbum Members, Don't Git Weary, publicado por Atlantic Records en 1968, encapsula la devastación social y la urgencia política tras el asesinato del reverendo Martin Luther King Jr.
El Album Don't Git Weary "No desfallezcas", "No os canséis" o "No te rindas" es un grito de guerra espiritual y político colectivos; un recordatorio directo a la comunidad afroamericana de no desfallecer ni rendirse ante la violenta opresión institucional.
El Concierto para violín en mi menor, Op. 64 de Felix Mendelssohn es una de las obras maestras absolutas de la historia de la música y un pilar fundamental en el repertorio para violín.
Estrenado en 1845, transformó para siempre la estructura del concierto clásico y redefinió la relación entre el solista y la orquesta.
El concierto de Mendelssohn no solo es popular por su belleza sino por el profundo impacto técnico e histórico que tuvo en las composiciones para el instrumento.
A diferencia de los conciertos puramente acrobáticos de compositores como Paganini, Mendelssohn prioriza la expresividad y la pureza del sonido.
La técnica exigente está siempre al servicio de la música.
Fue uno de los primeros grandes ejemplos donde un compositor buscó activamente el consejo de un violinista (Ferdinand David) para perfeccionar la digitación, los arpegios y la viabilidad técnica de la partitura. Este modelo de trabajo se volvió estándar en el futuro.
Entre las grabaciones de referencia, podemos citar las de Yehudi Menuhin con Furtwangler y más actual la de Anne Sophie Mutter con Karajan entre otras muchas, si bien de esta última proponemos escuchar la dirigida por Kurt Masur, por indisponibilidad en vídeo de la de Karajan, así como por la belleza plástica
En este video, descubre las 10 expresiones que nos dejó el Siglo de Oro de la literatura española gracias a Cervantes y su obra maestra, Don Quijote de la Mancha.
¡Un legado lingüístico interesante para el español moderno!
Y ya de paso, aprovechamos para escuchar una de las más hermosas canciones del Musical, El hombre de la Mancha.
El 22 de agosto de 1986 se estrenó de forma general en los cines de Estados Unidos "Stand by Me" convirtiéndose en un clásico eterno sobre el paso a la madurez.
Esta basada en la novela corta "The Body" (El cuerpo) de Stephen King.Reparto principal y en la que Cuatro amigos de un pequeño pueblo de Oregón emprenden una aventura a pie siguiendo las vías del tren para encontrar el cuerpo de un chico desaparecido.
El director Rob Reiner decidió cambiar el título original de la novela de Stephen King ("The Body") por "Stand by Me" tras escuchar la mítica canción de 1961 interpretada por Ben E. King.
Gracias al éxito de la película en 1986, la canción volvió a entrar con fuerza en las listas de éxitos de todo el mundo un cuarto de siglo después de su lanzamiento original.
La Banda original contenía algunos títulos ampliamente conocidos y que ofrecemos en su integridad
