El 30 de septiembre de 1908 nace en Odesa David Oistraj - Ámsterdam, violinista ruso, uno de los de mayor prestigio del siglo XX.
Nació en la cosmopolita Odesa, junto al mar Negro, en aquel momento parte de la Rusia zarista (ahora Ucrania), en una modesta familia de judía y dotados sus padres de talento musical (su padre tocaba el violín y algunos instrumentos de viento, la madre era corista).
A la edad de 5 años David, instigado por su madre, comenzó a estudiar violín y viola con el profesor Piotr Stoljarski, el primer y único maestro que nunca tuvo.
Sus grabaciones e interpretaciones de los conciertos para violín de Shostakóvich y Prokófiev son muy conocidas, pero también interpretaba conciertos clásicos.
Trabajó con orquestas en Rusia, y con músicos en Europa y los Estados Unidos.
Otra grabación famosa es la que hizo junto con Sviatoslav Richter y Mstislav Rostropóvich del Triple Concierto de Beethoven dirigidos por Herbert von Karajan.
lunes, 30 de septiembre de 2019
domingo, 29 de septiembre de 2019
JERRY LEE LEWIS
El 29 de septiembre de 1935 nace en Lousiana Jerry Leee Lewis pianista y cantante estadounidense, pionero del Rock and Roll, apodado "The Killer" ("El Asesino") por su fuerte personalidad y su puesta en escena, y tras ser considerado una seria alternativa frente a Elvis Presley, el Rey del Rock, su popularidad decayó durante los años sesenta y setenta por diversos escándalos.
Su figura ha sido rehabilitada en las últimas décadas, entrando a formar parte en 1986 del Salón de la Fama del Rock dentro del primer grupo, junto con otros pioneros del rock, y posteriormente del Salón de la Fama del Rockabilly.
En 2003, la revista Rolling Stone lo situó en el puesto 24.º de los mejores músicos del siglo.
Su vida fue llevada la gran pantalla en la película Gran bola de fuego, donde fue encarnado por el actor Dennis Quaid.
Su figura ha sido rehabilitada en las últimas décadas, entrando a formar parte en 1986 del Salón de la Fama del Rock dentro del primer grupo, junto con otros pioneros del rock, y posteriormente del Salón de la Fama del Rockabilly.
En 2003, la revista Rolling Stone lo situó en el puesto 24.º de los mejores músicos del siglo.
Su vida fue llevada la gran pantalla en la película Gran bola de fuego, donde fue encarnado por el actor Dennis Quaid.
AUTUMN LEAVES (LAS HOJAS MUERTAS)
Dentro de las varias versiones que nos apetece escuchar y compartir con los lectores de nuestro Blog, de Las Hojas Muertas, en esta etapa otoñal ocupa un lugar preeminente la incluida en el Album Sometin'Else (Algo más).
Se trata, en nuestra opinión, de uno de los mejores álbumes en la Historia del Jazz, y en el que se dieron cita, Julian "Cannonban"Aderley (Saxo alto) y Miles Davis (Trompeta), y junto a ellos otros músicos míticos como Hank Jones (piano), Sam Jones (contrabajo) y al ritmo de la batería, nada menos que Art Blakey.
El resultado no podía ser otra cosa QUE ÉSTE.
Se trata, en nuestra opinión, de uno de los mejores álbumes en la Historia del Jazz, y en el que se dieron cita, Julian "Cannonban"Aderley (Saxo alto) y Miles Davis (Trompeta), y junto a ellos otros músicos míticos como Hank Jones (piano), Sam Jones (contrabajo) y al ritmo de la batería, nada menos que Art Blakey.
El resultado no podía ser otra cosa QUE ÉSTE.
CELEBRACIÓN CONVIVENCIA EN ARACENA
La Convivencia que acabamos de celebrar en Aracena, como preámbulo y preparación para el duro curso académico que se nos presenta, ha tenido un componente que la ha convertido en excepcional.
A lo largo de los 15 cursos que llevamos matriculados en la Universidad, hemos tenido la gran fortuna de contar con profesores que nos han dejado huella, y que con el paso del tiempo se han convertido en nuestros amigos.
Ese es el caso de una persona tan extraordinaria como Lola Gonzalez, con quien nunca hemos perdido el contacto, a pesar de haberse semi retirado a su paraíso en la tierra, como es Aracena, con todo su entorno.
Y decimos "semi", ya que en una persona como ella no se puede hablar de jubilación. Sus inquietudes culturales, sus escritos que esperamos prosperen pronto en un nueva publicación y todos sus desvelos para atraer la Cultura a Aracena, como ese fallido Congreso Internacional de la Cultura del Agua, en colaboración con las Red Internacional de Universidades Lectoras, de España, Portugal, Italia, Rusia e Hispano America, y en las cuales pensábamos que La Décima podría estar presente de alguna manera, Congreso que fue aplazado por el Ayuntamiento "sine die".
Lola nos recibió a pie de autobús para convertir nuestra Convivencia en una celebración singular.
La recepción por parte del Excmo. Sr. Alcalde.
Poder compartir para reponer fuerzas, un magnífico piñonate con que Lola nos obsequió en el Casino, un espacio rodeado de historia y en el que hay que respirar profundamente para empaparnos de ella, e imaginar al propio Anibal Gonzalez en la construcción de un edificio que tenía que rendir, y sigue haciéndolo, homenaje a D. Benito Arias Montano, y desde cuya balconada se puede disfrutar de una vista excepcional.
Una excelente comida con productos típicos de la Sierra de Aracena, sirvió de enlace con los actos en la Peña de Arias Montano, donde se leyeron pasajes de la obra de este gran hombre prototipo del Renacimiento, y en cuya Capilla de la Virgen de los Ángeles, Lola dirigió unas oraciones por el desarrollo de un próximo curso pletórico de felicidad para todos.
Para quienes allí estuvimos, fue una Convivencia realmente excepcional, y tanto para ellos como para quienes no pudieron acompañarnos, estamos publicando una amplia Galería Fotográfica, que se puede ver en el cuerpo derecho del Blog.
jueves, 26 de septiembre de 2019
¿SE TE HA PERDIDO LA CAMISETA CORPORATIVA?
Algunos compañeros indican que se le ha extraviado la camiseta, o que no la recogió en su momento, o directa o veladamente, que ya no se puede enfundar esa talla.
A todos ellos, la solución es muy sencilla.
Adjuntamos la imagen para la impresión, así como la de la camiseta ya impresa para coincidencia del color, y estamos seguros que en cualquier tienda de camisetas se la pueden hacer casi sobre la marcha y con el tipo de tejido que prefieran, al ser un color muy standard.
Así lo han hecho ya algunos amigos, con resultados plenamente satisfactorios.
CONVIVENCIA EN ARACENA. REGRESO
Sin duda todos quienes mañana vamos a Aracena, tenemos conocimiento del verdadero caos circulatorio en que se convertirá Sevilla, especialmente por la tarde.
A la vista de ello, y ante la posible imposibilidad y seguro que máxima dificultad para acceder al punto de salida,hemos hablado con la empresa de Autobuses, quienes nos proponen como lugar de llegada, la parada de metro de Blas Infante, desde donde cada uno se pueda desplazar con comodidad a su domicilio.
Mañana coincidirán, sin que aparentemente se haya tenido en cuenta por parte de quien corresponda:
Carrera Nocturna.
Apertura del Centro Comercial de Lagoh, con seguro colapso de la SE-30.
Tres conciertos.
Corrida de Toros.
Velá de San Miguel
y diversos actos más .
Lo positivo es que quien quiera divertirse un poco a la vuelta de la Convivencia, lo tendrá fácil, incluso para participar en la Carrera, si le quedan fuerzas para ello.O sea que Sevilla se convertirá mañana en una VERDADERA LOCURA para los automovilistas.
APERTURA CURSO ACADÉMICO
El lunes, día 14 a las 12h, tendrá lugar en el Paraninfo de nuestra Universidad, la apertura del Curso Académico 2019-2020.
La lección inaugural,
"MATEMÁTICAS: LA BELLEZA MÁGICA DEL PENSAMIENTO”
estará a cargo del Dr. D. Ramón Piedra Sánchez
Profesor Titular de Universidad
Departamento de Álgebra de la Universidad de Sevilla
Quienes conocemos al Dr.D. Ramón Piedra por haber asistido a sus clases de Matemáticas en nuestra Facultad, podemos asegurar que será una lección atípica, novedosa y plena de interés y amenidad.
GEORGE GERSWHIN
El 26 de septiembre de 1898 nace en Brooklyn George Gershwin, compositor y pianista estadounidense.
Es reconocido, popularmente, por haber logrado hacer una amalgama perfecta entre la música clásica y el jazz, lo que se llega a evidenciar en sus prodigiosas obras.
En 1935 Gershwin estrenó su ópera Porgy y Bess, un retrato de la vida de una comunidad negra en el sur de Estados Unidos.
La culminación de su carrera como compositor llegó en 1935 con la ópera Porgy and Bess, convincente retrato de la vida de una comunidad negra en el sur de Estados Unidos, en la que el autor, fiel a su estilo, sintetizó las dos tradiciones que conocía: la estadounidense, representada por el jazz y el espiritual, y la sinfónica europea.
A pesar de algunas dificultades iniciales, Porgy and Bess se impuso rápidamente en los escenarios de todo el mundo, hasta el punto de que hoy es la ópera estadounidense por antonomasia.
Gershwin, sin embargo, no pudo disfrutar durante mucho tiempo de su éxito: un tumor cerebral truncó prematuramente su vida, privando a la música estadounidense de uno de sus compositores más representativos y universales.
Y siendo muy dificil elegir un número concreto entre toda la belleza que encierra esta ópera, nos vamos a inclinar por una nana, de sobra conocida Summertime.
Es reconocido, popularmente, por haber logrado hacer una amalgama perfecta entre la música clásica y el jazz, lo que se llega a evidenciar en sus prodigiosas obras.
En 1935 Gershwin estrenó su ópera Porgy y Bess, un retrato de la vida de una comunidad negra en el sur de Estados Unidos.
La culminación de su carrera como compositor llegó en 1935 con la ópera Porgy and Bess, convincente retrato de la vida de una comunidad negra en el sur de Estados Unidos, en la que el autor, fiel a su estilo, sintetizó las dos tradiciones que conocía: la estadounidense, representada por el jazz y el espiritual, y la sinfónica europea.
A pesar de algunas dificultades iniciales, Porgy and Bess se impuso rápidamente en los escenarios de todo el mundo, hasta el punto de que hoy es la ópera estadounidense por antonomasia.
Gershwin, sin embargo, no pudo disfrutar durante mucho tiempo de su éxito: un tumor cerebral truncó prematuramente su vida, privando a la música estadounidense de uno de sus compositores más representativos y universales.
Y siendo muy dificil elegir un número concreto entre toda la belleza que encierra esta ópera, nos vamos a inclinar por una nana, de sobra conocida Summertime.
Tiempo de verano y la vida es fácil
Los peces están saltando y el algodón esta alto
Oh tu papá es rico y tu madre es buena
Bebé calla, no llores
Una de estas mañanas
Vas a levantarte cantando
Entonces vas a extender tus alas
Y tomarás el cielo
Pero hasta esa mañana
No hay nada que pueda hacerte daño
Con papá y mamá junto a tí.
miércoles, 25 de septiembre de 2019
DMITRI SHOSTAKÓVICH
El 25 de septiembre de 1906 nace en San Petersburgo Dmitri Shostakovic, compositor y pianista soviético, uno de los músicos más importantes del siglo XX.
En público, siempre se mostró leal con el sistema soviético, ocupó responsabilidades importantes en las instituciones artísticas, aceptó pertenecer al PCUS en 1960 y llegó a ser miembro del Soviet Supremo de la URSS. S
Su actitud frente al gobierno y el Estado soviético ha sido objeto de agrias polémicas y se ha discutido enconadamente si fue o no un disidente clandestino frente a la URSS.
Pero a nosotros, lo que nos importa es el aspecto musical.
Cualquier aficionado seguro que relaciona a Shostakovich con alguna música concreta, como de sus composiciones de Cámara, (voz y piano), Trios, Sonatas, Ópera e incluso Operetas.
Otros lo harán con su famoso Vals de su Suite para Orquesta de Jazz.
Nosotros, lo hacemos de forma indudable con su Sinfonía nº 7, Leningrado, compuesta dentro del Sitio que sufrió la ciudad, y escuchando los bombardeos del ejercito alemán sobre su cabeza.
En ese amor nos viene desde hace años en que tuvimos la gran fortuna de escuchar al maestro Yury Temirkanov dirigiendo a nuestra ROSS con esa sinfonía, en lo que sin duda ha quedado en los anales del Maestranza.
Para quien no esté muy familiarizado, queremos contar alguna pequeña historia de esta increible Sinfonía.
La “Sinfonía Nº 7 en do mayor” Op.60 (Leningrado) fue empezada en el mes de julio de 1941, terminando sus tres primeros movimientos hacia finales de septiembre.
Las autoridades le obligan junto con su familia a abandonar Leningrado, para pasando por Moscú reunirse con otros evacuados y dirigirse a la provinciana ciudad de Kuibyshev.
Desde 1991 la ciudad se denomina Samara, estando situada en la orilla izquierda del Volga, a 880 Km al sudeste de Moscú. Allí termina su sinfonía el 27 de diciembre de 1941.
Se estrenó el 5 de marzo de 1942 en Kuibyshev, interpretada por la orquesta del Teatro Bolshoi siendo retransmitida a través de toda la Unión Soviética.
Poco después se estrena en Moscú, siendo enviada la partitura a los Estados Unidos en forma de microfilm.
Arturo Toscanini la dirige en New York con la NBC Symphony Orchestra el 19 de julio.
Karl Eliasberg la dirige el 9 de agosto de 1942 en la propia Leningrado, con solo quince miembros de la antigua orquesta de la Radio de Leningrado, completada por todos los músicos que habían podido reunir, en un acto propagandístico.
Potentes altavoces difundieron la obra por toda la ciudad y sobre las tropas alemanas que la asediaban. Este difícil acontecimiento logístico demuestra la importancia que daban los soviéticos a esta obra.
En público, siempre se mostró leal con el sistema soviético, ocupó responsabilidades importantes en las instituciones artísticas, aceptó pertenecer al PCUS en 1960 y llegó a ser miembro del Soviet Supremo de la URSS. S
Su actitud frente al gobierno y el Estado soviético ha sido objeto de agrias polémicas y se ha discutido enconadamente si fue o no un disidente clandestino frente a la URSS.
Pero a nosotros, lo que nos importa es el aspecto musical.
Cualquier aficionado seguro que relaciona a Shostakovich con alguna música concreta, como de sus composiciones de Cámara, (voz y piano), Trios, Sonatas, Ópera e incluso Operetas.
Otros lo harán con su famoso Vals de su Suite para Orquesta de Jazz.
Nosotros, lo hacemos de forma indudable con su Sinfonía nº 7, Leningrado, compuesta dentro del Sitio que sufrió la ciudad, y escuchando los bombardeos del ejercito alemán sobre su cabeza.
En ese amor nos viene desde hace años en que tuvimos la gran fortuna de escuchar al maestro Yury Temirkanov dirigiendo a nuestra ROSS con esa sinfonía, en lo que sin duda ha quedado en los anales del Maestranza.
Para quien no esté muy familiarizado, queremos contar alguna pequeña historia de esta increible Sinfonía.
La “Sinfonía Nº 7 en do mayor” Op.60 (Leningrado) fue empezada en el mes de julio de 1941, terminando sus tres primeros movimientos hacia finales de septiembre.
Las autoridades le obligan junto con su familia a abandonar Leningrado, para pasando por Moscú reunirse con otros evacuados y dirigirse a la provinciana ciudad de Kuibyshev.
Desde 1991 la ciudad se denomina Samara, estando situada en la orilla izquierda del Volga, a 880 Km al sudeste de Moscú. Allí termina su sinfonía el 27 de diciembre de 1941.
Se estrenó el 5 de marzo de 1942 en Kuibyshev, interpretada por la orquesta del Teatro Bolshoi siendo retransmitida a través de toda la Unión Soviética.
Poco después se estrena en Moscú, siendo enviada la partitura a los Estados Unidos en forma de microfilm.
Arturo Toscanini la dirige en New York con la NBC Symphony Orchestra el 19 de julio.
Karl Eliasberg la dirige el 9 de agosto de 1942 en la propia Leningrado, con solo quince miembros de la antigua orquesta de la Radio de Leningrado, completada por todos los músicos que habían podido reunir, en un acto propagandístico.
Potentes altavoces difundieron la obra por toda la ciudad y sobre las tropas alemanas que la asediaban. Este difícil acontecimiento logístico demuestra la importancia que daban los soviéticos a esta obra.
lunes, 23 de septiembre de 2019
CONVIVENCIA EN ARACENA - ASPECTOS LOGÍSTICOS
Queremos reseñar e insistir en algunos aspectos logísticos relacionados con nuestra Convivencia, que celebraremos (D.m.) el próximo día 27 en Aracena.
A las 9:00 h. comenzará a rodar el autobús, desde la puerta del Consulado de Portugal. Si alguien tuviese algún problema que le pueda demorar algo, deberá llamar por teléfono y, en caso contrario, asumiremos que no asiste sin haber informado previamente, con las consecuencias pertinentes.La responsabilidad será de los retrasados.
La parada en ruta la haremos presumiblemente en la Venta la Plata, a la altura de Arroyo de la Plata, a 50 kilometros de Sevilla.
Insistimos en que es una "Parada Técnica", entendiendo que todos acuden ya desayunados, y habida cuenta de lo que se indica a continuación.
Llegaremos a la estación de autobuses de Aracena, sobre las 10,45h, y el Sr. Alcalde nos espera a las 11h, estando previsto que tomemos un Café con pasteles en lugar a designar.
Si bien llevaremos un autobús de 55 plazas, con asientos sobrantes para que que cada uno se pueda acomodar en la compañía que prefiera, hemos confeccionado la lista de asientos asignados en función del día y hora de inscripción.
Insistimos en que una vez en el autobús, cada cual puede acomodarse como prefiera. ¡Lo bien hecho bien parece!.
Para conocer tu número de asiento PULSAR AQUÍ
AGRADECEREMOS QUE EN LA MEDIDA DE LO POSIBLE, CADA UNO LLEVE SU CAMISETA INSTITUCIONAL, AL MENOS PARA PODER HACER UNA FOTOGRAFÍA EN ALGÚN MOMENTO DEL VIAJE.
Y dada la estación del año en que viajaremos a ese lugar tan maravilloso como es la Sierra de Aracena, esperamos que allí nos esperen Las Hojas Muertas del Otoño.CONVIVENCIA EN ARACENA - ASPECTOS CULTURALES
Uno de los puntos culturales más interesantes que abordaremos durante nuestra estancia en Aracena será en la Peña de Arias Montano.
Tendremos ocasión de conocer a fondo la historia, vida y obra de quien le da nombre, D. Benito Arias Montano, quien simboliza como pocos el ideal de Hombre del Renacimiento.
Si bien nuestra profesora Lola Gonzalez se ocupará de ilustrarnos sobre esta figura de quien es posible que alguien no conozcamos nada más allá de que existe una peña con su nombre, y por si queremos ya ir preparados para la "Clase", os dejamos dos publicaciones que pueden resultar de interés para lectura previa.
LEYENDAS, ROMERIAS Y NATURALEZA
PEÑA, ERMITA Y ENTORNO
COMIENZA EL OTOÑO
Hoy, a las 9:50 hora española comienza el equinocio de otoño en el Hemisferio Norte, y que permanecerá con todos nosotros hasta el 22 de Diciembre.
Se trata de un período que suele producir nostalgia así como reflexión, quizás influenciado por el equilibrio que se produce entre el día y la noche.
No dudamos que todo esto influyó en el ánimo de Vivaldi para componer uno de sus más bellos conciertos, incluido en las Cuatro Estaciones.
Invitamos a nuestros lectores a que sigan todo lo que el famoso compositor nos quiso transmitir a lo largo de los tres movimientos de que consta.
Se trata de un período que suele producir nostalgia así como reflexión, quizás influenciado por el equilibrio que se produce entre el día y la noche.
No dudamos que todo esto influyó en el ánimo de Vivaldi para componer uno de sus más bellos conciertos, incluido en las Cuatro Estaciones.
Invitamos a nuestros lectores a que sigan todo lo que el famoso compositor nos quiso transmitir a lo largo de los tres movimientos de que consta.
Primer Movimiento - Allegro.
El baile y el canto de los campesinos
Comienzo con una bella y sencilla melodia bailable que serviré de tema principal.
El violín solista tocando con dobles cuerdas nos evoca el canto alegre de los campesinos.
Descripción de un borracho amigo del vino joven, con escalas ascendentes y descendentes.
La calma que inunda y la tranquilidad bucólica del borracho dormido.
Segundo movimiento - Adagio Molto
Continúa la calma con los borrachos dormidos.
Un acorde del violín nos indica una progresión armónica que nos transporta al ambiente otoñal.
Tercer Movimiento: Allegro
La Caza, pasando con la melodía solista que nos introduce en la fiera huyendo con los cazadores tras ella con progresiones melódicas en forma en tresillos.
Escopetas y perros de caza con decisivas intervenciones de las cuerdas.
El solista ataca de nuevo con escalas y aspergios imitando el jaleo de los perros.
Muere la fiera mientras huye con el solista engtrando en vertiginosas escalas. El animal está muerto.
Reexposición del primer tema con la conclusión del concierto.
Y para poder transmitirnos todo esto, pocos músicos como Anne Sophie Mutter.
VINCENZO BELLINI
El 23 de septiembre de 1835 fallece en Francia Vincenzo Bellini, compositor italiano y uno de los tres máximos representantes de la era del 'Bel Canto' de principios del siglo XIX, junto con los compositores italianos Gioachino Rossini y Gaetano Donizetti.
Hijo del organista Rosario Bellini, recibió las primeras lecciones de música de su padre y de su abuelo.
Bellini fue un niño prodigio y cuenta la leyenda que a los dieciocho meses era capaz de cantar un aria de Valentino Fioravanti, que comenzó a estudiar teoría musical a los dos años de edad, piano a los tres y que a los cinco era capaz de tocarlo con soltura.
Su primera composición data de cuando tenía seis años.
Compuso música sacra (motetes, misas, etc.), de cámara, un famoso concierto para oboe y sinfónica, pero es la ópera el género musical que le dio fama.
Su obra más difundida es Norma, en la que destaca la muy célebre aria Casta Diva, donde se conjuntan la gravedad clásica con un apasionamiento muy romántico en la expresión, siendo éste uno de los grandes roles para soprano dentro del repertorio.
Durante el siglo XX destacó en este papel Maria Callas, que fue la más famosa Norma del siglo y quien recuperó el carácter puramente belcantista del papel, enterrado por los excesos veristas de las generaciones de cantantes anteriores.
Hijo del organista Rosario Bellini, recibió las primeras lecciones de música de su padre y de su abuelo.
Bellini fue un niño prodigio y cuenta la leyenda que a los dieciocho meses era capaz de cantar un aria de Valentino Fioravanti, que comenzó a estudiar teoría musical a los dos años de edad, piano a los tres y que a los cinco era capaz de tocarlo con soltura.
Su primera composición data de cuando tenía seis años.
Compuso música sacra (motetes, misas, etc.), de cámara, un famoso concierto para oboe y sinfónica, pero es la ópera el género musical que le dio fama.
Su obra más difundida es Norma, en la que destaca la muy célebre aria Casta Diva, donde se conjuntan la gravedad clásica con un apasionamiento muy romántico en la expresión, siendo éste uno de los grandes roles para soprano dentro del repertorio.
Durante el siglo XX destacó en este papel Maria Callas, que fue la más famosa Norma del siglo y quien recuperó el carácter puramente belcantista del papel, enterrado por los excesos veristas de las generaciones de cantantes anteriores.
sábado, 21 de septiembre de 2019
RIGOLETO SE RETIRA DE LOS ESCENARIOS
Evidentemente no es que se vaya a retirar de los escenarios de todo el mundo la representación de la gran ópera de Verdi, pero lo cierto es que será algo parecido.
Los lectores de nuestro Blog, sin duda conocen de nuestra admiración hacia Leo Nucci, quien ha hecho propio durante muchos años el propio papel del Bufón.
Ayer viernes, con 77 años y en el escenario del Teatro de la Scala de Milán, Nucci ha dicho adios al personaje al que tanto le debe, y seguro que viceversa.
Y ha sido una despedida con una actuación magistral "El personaje ha evolucionado conmigo. Somos el resultado de nuestra historia, de nuestros valores, y esta historia no puede separarse de lo que hacemos en el escenario" dijo algunos días antes de cortarse la coleta.
Nucci ha representado el papel de Rigoleto en 550 ocasiones a lo largo de 46 años.
También tenemos en nuestra mente su última representación Nucci-Rigoleto en nuestro Teatro de la Maestranza, con Mariola Cantarero, así como una emotiva mesa redonda en nuestra Universidad, propiciada por la profesora Eva Lainsa, y unas cervezas compartidas en el jardín del Restaurante La Raza, donde nos dio una verdadero lección, junto con su esposa, de humanidad, y lejano del divismo con el que solemos asociar a estos personajes.
La experiencia, a lo largo de años y ocasiones de tratar con muchos de ellos, es que su su divismo es indirectamente proporcional a su grandeza.
Los lectores de nuestro Blog, sin duda conocen de nuestra admiración hacia Leo Nucci, quien ha hecho propio durante muchos años el propio papel del Bufón.
Ayer viernes, con 77 años y en el escenario del Teatro de la Scala de Milán, Nucci ha dicho adios al personaje al que tanto le debe, y seguro que viceversa.
Y ha sido una despedida con una actuación magistral "El personaje ha evolucionado conmigo. Somos el resultado de nuestra historia, de nuestros valores, y esta historia no puede separarse de lo que hacemos en el escenario" dijo algunos días antes de cortarse la coleta.
Nucci ha representado el papel de Rigoleto en 550 ocasiones a lo largo de 46 años.
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| Nuestra compañera María Rosa, conversando con el matrimonio Nucci |
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| Nuestra compañera Mento, con los Nucci y la profesora Eva Lainsa |
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| Tertulia improvisada en La Raza |
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| Pedro, Reyes (te lloramos amiga), Pascual, Nucci, María Rosa, Mento y Josefina |
LEONARD COHEN
El azar quiso que ayer dedicáramos nuestro Vídeo Musical del Día a la canción Baila conmigo hasta el fin del Amor, del genial Leonard Cohen. Y lo hicimos justo el día antes de la celebración de su efemérides de hoy.
Leonard Norman Cohen nace en Montreal el 21 de septiembre de 1934 y fue un poeta, novelista y cantautor canadiense.
Como músico desarrolló una carrera con una continua exploración de temas como la religión, la política, el aislamiento, las relaciones personales y la sexualidad, y ha sido definido como «uno de los cantantes y compositores más fascinantes y enigmáticos de finales de los 60». Algo con lo que seguro muchos estamos de acuerdo.
Cohen ha sido introducido en el Salón de la Fama del Rock and Roll de los Estados Unidos y en el Salón de la Fama Musical de Canadá.
Recibió la Orden de Canadá, la Orden Nacional de Quebec y en 2011 fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Letras, del que escuchamos su discurso, ya que solo su voz, ya es una canción.
Leonard Cohen era un enamorado de España y del flamenco, cultivando una gran amistad con figuras como Enrique Morente.
Cohen llegó a Granada en 1986 para promocionar su participación en el disco "Poetas en Nueva York" dedicado a homenajear a García Lorca, el álbum en el que sonó por primera vez su "Take this waltz", la adaptación del "Pequeño vals vienés" que le costó, según reconoció el artista, más de un centenar de folios tirados a la basura y una depresión.
El 3 de octubre de 1986, cuando un Cohen "aparentemente tan serio, elegante con su traje oscuro como un lord", se adentró en las mismas estancias en las que creció Federico para "brindar" con agua del pozo y plasmar en el libro de firmas el dibujo de una guitarra, con sus iniciales y las del autor de Yerma, atravesadas por una única flecha.
Pero como nunca la miés es poca, dediquemos unos minutos a esta gran figura de la Música y a una de sus más famosas canciones.
Como músico desarrolló una carrera con una continua exploración de temas como la religión, la política, el aislamiento, las relaciones personales y la sexualidad, y ha sido definido como «uno de los cantantes y compositores más fascinantes y enigmáticos de finales de los 60». Algo con lo que seguro muchos estamos de acuerdo.
Cohen ha sido introducido en el Salón de la Fama del Rock and Roll de los Estados Unidos y en el Salón de la Fama Musical de Canadá.
Recibió la Orden de Canadá, la Orden Nacional de Quebec y en 2011 fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Letras, del que escuchamos su discurso, ya que solo su voz, ya es una canción.
Leonard Cohen era un enamorado de España y del flamenco, cultivando una gran amistad con figuras como Enrique Morente.
Cohen llegó a Granada en 1986 para promocionar su participación en el disco "Poetas en Nueva York" dedicado a homenajear a García Lorca, el álbum en el que sonó por primera vez su "Take this waltz", la adaptación del "Pequeño vals vienés" que le costó, según reconoció el artista, más de un centenar de folios tirados a la basura y una depresión.
El 3 de octubre de 1986, cuando un Cohen "aparentemente tan serio, elegante con su traje oscuro como un lord", se adentró en las mismas estancias en las que creció Federico para "brindar" con agua del pozo y plasmar en el libro de firmas el dibujo de una guitarra, con sus iniciales y las del autor de Yerma, atravesadas por una única flecha.
GUSTAV HOLST
El 21 de septiembre de 1874 nace Gustavus Theodore von Holst -Londres, compositor de música clásica británico, con raíces familiares en Letonia, Suecia y Alemania.
Gustavus se quitó el Von de su nombre durante la Primera Guerra Mundial por miedo de ser identificado como alemán.
Es mayormente conocido por su obra Los planetas. pieza que ha inmortalizado el nombre de Gustav Holst. Se abre con los violentos y apocalípticos acordes de Marte, el portador de la guerra, movimiento en forma de marcha que, en el momento del estreno (1918), fue considerado una alusión a la Primera Guerra Mundial. Otros seis más, dedicados a otros tantos planetas (Venus, Mercurio, Júpiter, Saturno, Urano y Neptuno) completan esta suite en la que su autor expresó su pasión astrológica.
Compuesta entre 1914 y 1918, Los planetas es una obra desarrollada en forma de poema sinfónico, con precisas referencias literarias: se interpreta el significado esotérico ritual de cada planeta, a menudo diverso de la imagen mitológica. Marte aparece como portador de la guerra y Mercurio como mensajero alado; pero Venus es portadora de la paz, y sobre todo Júpiter es portador de alegría, en un sentido casi dionisíaco; Neptuno es el místico que acompaña a Saturno, portador de la vejez, y a Urano el mago.
Como todos nuestros lectores conocen perfectamente Los Planetas, hemos pensado en ofrecer esta versión de Leonard Bernstein dentro de sus Conciertos Didácticos, y quizás todos podamos aprender cosas de interés.
Gustavus se quitó el Von de su nombre durante la Primera Guerra Mundial por miedo de ser identificado como alemán.
Es mayormente conocido por su obra Los planetas. pieza que ha inmortalizado el nombre de Gustav Holst. Se abre con los violentos y apocalípticos acordes de Marte, el portador de la guerra, movimiento en forma de marcha que, en el momento del estreno (1918), fue considerado una alusión a la Primera Guerra Mundial. Otros seis más, dedicados a otros tantos planetas (Venus, Mercurio, Júpiter, Saturno, Urano y Neptuno) completan esta suite en la que su autor expresó su pasión astrológica.
Compuesta entre 1914 y 1918, Los planetas es una obra desarrollada en forma de poema sinfónico, con precisas referencias literarias: se interpreta el significado esotérico ritual de cada planeta, a menudo diverso de la imagen mitológica. Marte aparece como portador de la guerra y Mercurio como mensajero alado; pero Venus es portadora de la paz, y sobre todo Júpiter es portador de alegría, en un sentido casi dionisíaco; Neptuno es el místico que acompaña a Saturno, portador de la vejez, y a Urano el mago.
Como todos nuestros lectores conocen perfectamente Los Planetas, hemos pensado en ofrecer esta versión de Leonard Bernstein dentro de sus Conciertos Didácticos, y quizás todos podamos aprender cosas de interés.
viernes, 20 de septiembre de 2019
BEN WEBSTER
Ben Webster es sin duda, para quienes redactan esta nota, uno de los más grandes saxofonistas sopranos de swing de la Historia del Jazz, junto con Coleman Hawking y Lester "Pres" Young.
Webster, nacido en Kansas City, falleción en Amsterdam el 20 de Septiembre de 1973.
El momento más importante en la carrera musical de Webster se produjo en 1940 cuando se incorporó a la orquesta de Duke Ellington para convertirse en el primer saxofonista importante de la misma.
Webster, nacido en Kansas City, falleción en Amsterdam el 20 de Septiembre de 1973.
El momento más importante en la carrera musical de Webster se produjo en 1940 cuando se incorporó a la orquesta de Duke Ellington para convertirse en el primer saxofonista importante de la misma.
JEAN SIBELIUS
El 20 de septiembre de 1957 fallece a la edad de 92 años Jean Sibelius, compositor y violinista finlandés de finales del Romanticismo y comienzos del Modernismo.
Es ampliamente reconocido como el mejor compositor de su país y, a través de su música, a menudo se le atribuye haber ayudado a Finlandia a desarrollar una identidad nacional durante su lucha por la independencia de Rusia.
Sus composiciones más conocidas son Finlandia, la Suite Karelia, Valse triste, el concierto para violín, la sinfonía coral Kullervo y El cisne de Tuonela.
En sus últimos años, escribió música masónica y revisó algunas obras anteriores, mientras mantenía un interés activo pero no siempre favorable hacia los nuevos desarrollos en el mundo de la música.
Desde 2011, Finlandia celebra un Día de la Bandera, el 8 de diciembre, que coincide con el cumpleaños del compositor, también conocido como el «Día de la Música finlandesa».
En 2015, en el 150 aniversario del nacimiento del compositor, se llevaron a cabo una serie de conciertos especiales y eventos, especialmente en la ciudad de Helsinki.
Es ampliamente reconocido como el mejor compositor de su país y, a través de su música, a menudo se le atribuye haber ayudado a Finlandia a desarrollar una identidad nacional durante su lucha por la independencia de Rusia.
Sus composiciones más conocidas son Finlandia, la Suite Karelia, Valse triste, el concierto para violín, la sinfonía coral Kullervo y El cisne de Tuonela.
En sus últimos años, escribió música masónica y revisó algunas obras anteriores, mientras mantenía un interés activo pero no siempre favorable hacia los nuevos desarrollos en el mundo de la música.
Desde 2011, Finlandia celebra un Día de la Bandera, el 8 de diciembre, que coincide con el cumpleaños del compositor, también conocido como el «Día de la Música finlandesa».
En 2015, en el 150 aniversario del nacimiento del compositor, se llevaron a cabo una serie de conciertos especiales y eventos, especialmente en la ciudad de Helsinki.
CONVIVENCIA EN ARACENA. DETALLES
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| Pulsar sobre la imagen para ampliar. |
Ya hemos ultimado los aspectos de la Jornada de Convivencia para comenzar el Curso, así como cerrado el Menú con el Restaurante Biarritz Rural en Fuente Heridos.
Todo aparece reflejado en el adjunto Cartel.
Hemos gestionado la recepción por parte del Sr. Alcalde de Aracena, y si bien verbalmente ha mostrado su interés en recibirnos, estamos a la espera de recibir confirmación por escrito, así como la posibilidad de tomar un Café con los miembros del Consistorio, en el lugar que se determine.
Estamos seguros que, como todo a fin de cuentas es meramente secundario, pues lo importante es el Reencuentro y la Convivencia, la Jornada será un verdadero éxito, confiando eso sí, que la climatología nos acompañe.
Rogamos que todos nos llevemos nuestra CAMISETA DE LA DÉCIMA, para "Seguir haciendo Camino".
jueves, 19 de septiembre de 2019
LA ROSS INAUGURA TEMPORADA
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| Ensayo del Concierto. Foto: ABC |
Ver reseña completa en el artículo que hoy publica ABC de Sevilla AQUÍ
MARIA JOAO PIRES Y CHOPIN
De vez en cuando, acompañando momentos de lectura o simplemente de meditación, seguro que algún enamorado de la música de piano, habrá quedado atrapado entre los sutiles dedos de alguien como Maria Joao Pires, como a nosotros nos sucedió ayer, con un magnífico CD editado por Deutsche Gramophon hace ya 25 años, con algunos de los Nocturnos de Chopin.
Pires toca el piano más con el corazón que con sus manos, impregnándonos a todos con el perfume de las notas que salen de su ese corazón.
Pires, que actualmente reside en Bélgica, es una pianista portuguesa, nacida en 1944.
Y escuchándola, vemos reflejados todos los sentimientos hacia la música de Chopin de uno de sus alumnos.
Y escuchándola, vemos reflejados todos los sentimientos hacia la música de Chopin de uno de sus alumnos.
Los nocturnos
Música Nocturna de Chopin: "De la ternura, el encanto, el asombro y el misterio que se encuentran en los Nocturnos ...
¡Oh, esos Nocturnos! ¡Tonos de infinita tristeza!
Hay Música en ellos que abarca las profundidades, que nos sumerge en la inmensidad; fuerza emocional que desgarra nuestros corazones; horrible desesperación, lindando con la abrumadora inmanencia de la muerte misma; éxtasis divino interrumpido por un gemido de tristeza, y nuevamente por una suave caricia.
Y todo es tan sincero; la sinceridad de alguien cuyo corazón sangra; ¡cuya alma rebosa de ternura! "
George Mathias, alumno de Chopin
LOS RELAMPAGOS Y LOS PEKENIKES
Hoy hemos querido volver nuestros recuerdos a dos de los grupos musicales que tuvieron un "sonido propio", algo tan dificil de conseguir, como lo hizo otro grupo mítico en el Reino Unido: The Shadows.
Solo escuchar unas notas de su música, ya se sabían quienes eran.
¿Alguien recuerda que sucediera lo mismo con la mayor parte de los grupos musicales existentes en aquella época?
Es nuestro homenaje a LOS RELÁMPAGOS Y LOS PEKENIKES,
miércoles, 18 de septiembre de 2019
NUESTRO PÉSAME A ANDRÉS LUQUE
MISA EN LA MACARENA, VIERNES DÍA 20 A LAS 10 H
Hace unas dos horas ha fallecido, a la edad de 87 años, Andres Luque Gago, padre de nuestro querido profesor Andrés Luque Teruel.Quienes hemos compartido tantas clases a lo largo de los años con Andrés Luque, sabemos de la verdadera veneración que le profesaba, y a través de su hijo, supimos de sus éxitos como torero y banderillero, respetado por todos los profesionales de la Tauromaquia.
También supimos de su vocación de escritor que plasmó en el libro: Recuerdos de un Torero, en el que rememoraba su paso por las cuadrillas de Grandes como Luis Miguel Dominguín, Antonio Bienvenida y Antonio Ordoñez, entre otros.
Asímismo, recordamos alguna anécdota sobre una pintura de Picasso, que lamentablemente no fue a parar a las manos de nuestro profesor.
Y todas estas pasiones las supo transmitir, junto a su forma de ser y estar a su hijo, nuestro querido Andrés Luque, a quien en estos momentos acompañamos en su dolor.
Destacamos u gran devoción a la Virgen Macarena:
“yo soy macareno y estoy muy orgulloso de que la Hermandad me haya invitado a esta charla”. “Fui a torear a Manizales, en Colombia, y entré en la capilla y lo primero que vi fue un cuadro de la Virgen de la Esperanza; no saben ustedes la confianza y la satisfacción que me dio”.
Según nos ha informado Andrés, mañana estará todo el día en el Tanatorio de la SE-30 y la misa en la Macarena será el viernes, aunque en estos momentos no sabe ni horario ni sala de velatorio, de lo que nos informará.
Y en su homenaje, así como en el sentimiento hacia su hijo, nuestro Profesor, TODA LA DÉCIMA nos unimos a una oración que hace unos años le cantó la Mezzo Soprano Elina Garança a la Virgen Macarena, en la soledad nocturna de su Basílica.
REAL ACADEMIA SEVILLANA DE LAS BUENAS LETRAS
Recibimos invitación por parte de la Real Academia Sevillana de las Buenas Letras, para la Sesión de Apertura del Curso 2019-2020, que tendrá lugar el viernes, 4 de Octubre a las 20h, con el Discurso Inaugural a cargo de Don José antonio Gómez Marín sobre el tema:
“La luna de un sabio (sobre el saber ‘ilustrado’ de los jesuitas expulsos)”.
El Acto tendrá lugar en el salón de actos de la Real Academia, entrada por la calle Abades,14
LOS HÉROES DE BALER. CONFERENCIA-CONCIERTO
La Catedra General Castaños nos informa, con invitaciones personales y nominativas enviadas por e-mail a los miembros de La Décima, a la Conferencia-Concierto que tendrá lugar el próximo día 26, según datos en el Cartel Anunciador adjunto sobre la Defensa de la Posición de Baler.
Tras la Conferencia, la Unidad de Música nos ofrecerá un atractivo programa musical, con temas como
Los Voluntarios (marcha militar).
Viva España con Honra (marcha militar)
Yo te diré (habanera)
Cádiz (marcha de la zarzuela)
Héroes de Baler (pasodoble militar)
Gigantes y Cabezudos (selección de la zarzuela)
y terminando, lógicamente con la interpretación de nuestro Himno Nacional.Y Hablar de la Posición de Baler, es recordar aquella entrañable película Los Últimos de Filipinas y la canción que forma parte de su Banda Sonora, interpretada originalmente por la cantante y actriz Nani Fernandez, esposa del también actor y protagonista de la película José Nieto
FRANCESCA CACCINI
El 18 de septiembre de 1587 nace en Florencia Francesca Caccini, compositora, cantante, profesora de música y poetisa italiana de comienzos del Barroco.
Fue la primera mujer en componer una ópera.
Su primera actuación en público como cantante fue en la boda de Enrique IV de Francia y de María de Médicis en 1600; su padre participó en la organización y composición de la música para la ceremonia.
En 1604, la familia Caccini al completo viajó a Francia. El rey Enrique IV quedó impresionado con sus actuaciones y le propuso que se quedaran en su corte. Sin embargo, los funcionarios florentinos se opusieron, y ella regresó a Italia, donde su fama siguió creciendo. Poco tiempo después, atrajo la atención de Claudio Monteverdi, impresionado por su canto.
En 1625, obtuvo uno de sus mayores éxitos con la ópera La liberazione di Ruggiero dall'isola d'Alcina, compuesta para la visita del príncipe Ladislaus Sigismondo, ópera que fue interpretada asimismo en Varsovia en 1628, siendo esta la primera ópera italiana representada fuera de sus fronteras.
Fue la primera mujer en componer una ópera.
Su primera actuación en público como cantante fue en la boda de Enrique IV de Francia y de María de Médicis en 1600; su padre participó en la organización y composición de la música para la ceremonia.
En 1604, la familia Caccini al completo viajó a Francia. El rey Enrique IV quedó impresionado con sus actuaciones y le propuso que se quedaran en su corte. Sin embargo, los funcionarios florentinos se opusieron, y ella regresó a Italia, donde su fama siguió creciendo. Poco tiempo después, atrajo la atención de Claudio Monteverdi, impresionado por su canto.
En 1625, obtuvo uno de sus mayores éxitos con la ópera La liberazione di Ruggiero dall'isola d'Alcina, compuesta para la visita del príncipe Ladislaus Sigismondo, ópera que fue interpretada asimismo en Varsovia en 1628, siendo esta la primera ópera italiana representada fuera de sus fronteras.
martes, 17 de septiembre de 2019
CONVIVENCIA Y COMIDA EN ARACENA 27 DE SEPTIEMBRE
Habiendo ya cerrado el plazo de inscripción, puedes consultar que apareces registrado en la lista de Asistentes PULSANDO AQUÍ
Si alguien observa algún error o desea inscribirse fuera de plazo, deberá ponerse en contacto al respecto con nuestro compañero Pascual, para que compruebe y, en su caso, intentar incorporarlo.
En breve informaremos sobre el Menú que hemos contratado, lugar de la Comida y algunos otros aspectos del viaje, salida etc.
ANA MARÍA SORIANO DESDE HELSINKI
No obstante, Ana nos asegura que estará en Sevilla a tiempo para poder compartir con todos nuestra Convivencia con la que recibiremos el nuevo Curso Universitario 2019-2020.
¿Y que mejor ocasión para escuchar uno de los mayores conciertos compuestos para Violín?
SANTA HILDEGARDA VON BINDEN
El 16 de septiembre de 1098 nace en el Sacro Imperio Románico Germánico Hildegard von Bingen - abadesa, compositora, escritora, filósofa, mística, líder monacal, médica, polímata y profetisa alemana.1
Conocida también como la sibila del Rin y como la profetisa teutónica.
Considerada una de las personalidades más influyentes, polifacéticas y fascinantes de la Baja Edad Media y de la historia de Occidente, es también de las figuras más ilustres del monacato femenino y quizás quien mejor ejemplificó el ideal benedictino, al estar dotada de una inteligencia y cultura fuera de lo común, comprometida con la reforma gregoriana y al ser una de las escritoras de mayor producción de su tiempo.
Además es considerada por muchos expertos como madre de la historia natural.
Aunque la historia de su canonización es compleja, diversas ramas de la Iglesia la han reconocido como santa durante siglos; el 7 de octubre de 2012, durante la misa de apertura de la XIII Asamblea general ordinaria del sínodo de los obispos, el papa Benedicto XVI le otorgó el título de doctora de la Iglesia junto a san Juan de Ávila.
En palabras de la filóloga Victoria Cirlot: «[...] atravesando el muro de los tiempos han quedado sus palabras, incluso su sonido, y las imágenes de sus visiones».
Siendo tantas las virtudes y sabiduría de Santa Hildegarda, la traemos a nuestro Blog por ser quizás la primera mujer que compuso música escrita, y de la que se tienen noticias. Hablamos del Siglo XI.
.... tras declararse dispuesta a obedecer las medidas impuestas y partiendo de una cita del salmo 150, Hildegarda explica que el canto es una manifestación del espíritu divino en el hombre, que con ello recuerda vagamente la bienaventuranza de Adán en el paraíso, quien participaba de la voz y el canto de los ángeles en alabanza a Dios. Los profetas, a quienes Dios les otorgaba una gracia extraordinaria habían compuesto cantos y creado instrumentos entreviendo el pasado beatífico de la humanidad. De hecho, los instrumentos musicales, al ser tocados con los dedos recordaban a Adán mismo creado por el «dedo de Dios». La alabanza a Dios dentro de la Iglesia tiene su origen en el Espíritu Santo y es conforme a la armonía celeste:74 El cuerpo es verdadero vestido del espíritu, el cual posee una voz viviente, para que de esta manera el cuerpo con el alma, use su voz para cantar las alabanzas de Dios.
Junto a su Música, ofrecemos también una película sobre la vida de Santa Hildegarda
Conocida también como la sibila del Rin y como la profetisa teutónica.
Considerada una de las personalidades más influyentes, polifacéticas y fascinantes de la Baja Edad Media y de la historia de Occidente, es también de las figuras más ilustres del monacato femenino y quizás quien mejor ejemplificó el ideal benedictino, al estar dotada de una inteligencia y cultura fuera de lo común, comprometida con la reforma gregoriana y al ser una de las escritoras de mayor producción de su tiempo.
Además es considerada por muchos expertos como madre de la historia natural.
Aunque la historia de su canonización es compleja, diversas ramas de la Iglesia la han reconocido como santa durante siglos; el 7 de octubre de 2012, durante la misa de apertura de la XIII Asamblea general ordinaria del sínodo de los obispos, el papa Benedicto XVI le otorgó el título de doctora de la Iglesia junto a san Juan de Ávila.
En palabras de la filóloga Victoria Cirlot: «[...] atravesando el muro de los tiempos han quedado sus palabras, incluso su sonido, y las imágenes de sus visiones».
Siendo tantas las virtudes y sabiduría de Santa Hildegarda, la traemos a nuestro Blog por ser quizás la primera mujer que compuso música escrita, y de la que se tienen noticias. Hablamos del Siglo XI.
.... tras declararse dispuesta a obedecer las medidas impuestas y partiendo de una cita del salmo 150, Hildegarda explica que el canto es una manifestación del espíritu divino en el hombre, que con ello recuerda vagamente la bienaventuranza de Adán en el paraíso, quien participaba de la voz y el canto de los ángeles en alabanza a Dios. Los profetas, a quienes Dios les otorgaba una gracia extraordinaria habían compuesto cantos y creado instrumentos entreviendo el pasado beatífico de la humanidad. De hecho, los instrumentos musicales, al ser tocados con los dedos recordaban a Adán mismo creado por el «dedo de Dios». La alabanza a Dios dentro de la Iglesia tiene su origen en el Espíritu Santo y es conforme a la armonía celeste:74 El cuerpo es verdadero vestido del espíritu, el cual posee una voz viviente, para que de esta manera el cuerpo con el alma, use su voz para cantar las alabanzas de Dios.
Junto a su Música, ofrecemos también una película sobre la vida de Santa Hildegarda
lunes, 16 de septiembre de 2019
EL REY DEL BLUES
El 16 de septiembre de 1925 nace en Misisipi B.B. King, músico, cantante y compositor estadounidense.
Es ampliamente considerado uno de los músicos de blues más influyentes de todos los tiempos, recibiendo el apodo de «Rey del Blues»
Su guitarra eléctrica Gibson ES-335, apodada «Lucille», también da nombre a una línea de guitarras creada por la compañía en 1980.
King vivió casi diez años con diabetes y fue un visible portavoz en la lucha contra la diabetes, apareciendo en avisos para el manejo de productos para la diabetes.
Su cantante favorito fue Frank Sinatra. En su autobiografía King habla acerca de cómo era, y es, un «fanático de Sinatra» y cómo iba a la cama todas las noches escuchando el álbum de clásicos de Sinatra In the Wee Small Hours.
King ha acreditado a Sinatra por abrirle las puertas a los artistas negros a los que no se les dio la oportunidad de tocar en lugares dominados por «blancos». Sinatra tenía a B. B. King en los principales lugares en los que cantaba en Las Vegas durante los años 1960
King fue un defensor de la educación de la música en los niños. En 2002, fue contratado como partidario oficial de Little Kids Rock, una organización sin fines de lucro que provee a los niños de escuelas públicas de todo Estados Unidos lecciones e instrumentos musicales de manera gratuita.
King es también reconocido por su prolífica nómina de actuaciones en directo, con un promedio de 250 o 300 conciertos anuales durante la década de 1970.
Y uno de esos concieertos, celebrado en el Royal Albert Hall en el año 2011, acompañado, como siempre por Lucille, es el que sugerimos escuchar en su recuerdo.
Es ampliamente considerado uno de los músicos de blues más influyentes de todos los tiempos, recibiendo el apodo de «Rey del Blues»
Su guitarra eléctrica Gibson ES-335, apodada «Lucille», también da nombre a una línea de guitarras creada por la compañía en 1980.
King vivió casi diez años con diabetes y fue un visible portavoz en la lucha contra la diabetes, apareciendo en avisos para el manejo de productos para la diabetes.
Su cantante favorito fue Frank Sinatra. En su autobiografía King habla acerca de cómo era, y es, un «fanático de Sinatra» y cómo iba a la cama todas las noches escuchando el álbum de clásicos de Sinatra In the Wee Small Hours.
King ha acreditado a Sinatra por abrirle las puertas a los artistas negros a los que no se les dio la oportunidad de tocar en lugares dominados por «blancos». Sinatra tenía a B. B. King en los principales lugares en los que cantaba en Las Vegas durante los años 1960
King fue un defensor de la educación de la música en los niños. En 2002, fue contratado como partidario oficial de Little Kids Rock, una organización sin fines de lucro que provee a los niños de escuelas públicas de todo Estados Unidos lecciones e instrumentos musicales de manera gratuita.
King es también reconocido por su prolífica nómina de actuaciones en directo, con un promedio de 250 o 300 conciertos anuales durante la década de 1970.
Y uno de esos concieertos, celebrado en el Royal Albert Hall en el año 2011, acompañado, como siempre por Lucille, es el que sugerimos escuchar en su recuerdo.
LA DIVINA
El 16 de septiembre de 1977 fallece Maria Callas, soprano griega considerada la cantante de ópera más eminente del siglo XX.
Capaz de revivir el bel canto en su corta pero importante carrera, fue llamada «La Divina» por su extraordinario talento vocal y actoral.
Aún hoy genera controversia su peculiar voz, de registro amplio y que unida a su dominio de la técnica, le permitió cantar roles desde soprano ligera (Lakmé, Semiramide, Gilda) a los dramáticos (Brünnhilde, Lady Macbeth) incluso de mezzo (Carmen, Dalila) y alternar entre personajes de coloratura ágil y dramáticos pesados con éxito.
También recordada por rescatar diversos personajes de la ópera en su esencia dramática y expresiva, incluso del olvido.
Los grandes éxitos de su carrera, los que le garantizan uno de los lugares más importantes en la historia de la ópera, tuvieron lugar antes de su relación con Onassis.
Capaz de revivir el bel canto en su corta pero importante carrera, fue llamada «La Divina» por su extraordinario talento vocal y actoral.
Aún hoy genera controversia su peculiar voz, de registro amplio y que unida a su dominio de la técnica, le permitió cantar roles desde soprano ligera (Lakmé, Semiramide, Gilda) a los dramáticos (Brünnhilde, Lady Macbeth) incluso de mezzo (Carmen, Dalila) y alternar entre personajes de coloratura ágil y dramáticos pesados con éxito.
También recordada por rescatar diversos personajes de la ópera en su esencia dramática y expresiva, incluso del olvido.
Los grandes éxitos de su carrera, los que le garantizan uno de los lugares más importantes en la historia de la ópera, tuvieron lugar antes de su relación con Onassis.
domingo, 15 de septiembre de 2019
LA TRAVIATA. EN SEVILLA Y EN ÁGUILAS
Apostar por La Traviata, es hacerlo sobre seguro, pues no en balde encabeza desde hace años el Ranking de las óperas más representadas en el mundo según estadísticas de las cinco últimas temporadas de Ópera Base.
Así lo han entendido en nuestro Teatro de la Maestranza, cuyo nuevo director artístico y gerente Javier Menendez la ha programado junto a Don Pasquale, Samson y Dalila y Agripina y finalizando con la obra de Verdi allá por Mayo y Junio.
No obstante, si no queremos esperar tanto tiempo para disfrutar de esta gran ópera, podemos hacerlo el próximo mes de Octubre desplazándonos a Águilas, donde se representará el próximo mes en su espléndido Auditorio, con el apoyo de la Concejalía de Cultura de su Ayuntamiento y la participación de ProMúsica Águilas, que la ofrece a sus abonados, dentro del propio abono de temporada.
Próximamente hablaremos sobre la Producción de la que se podrá disfrutar en Águilas, así como de la Programación completa de ProMúsica para la próxima temporada, pero a modo de ejemplo, esta foto y vídeo es suficientemente elocuente de la calidad y cuidado de la puesta en escena.
Así lo han entendido en nuestro Teatro de la Maestranza, cuyo nuevo director artístico y gerente Javier Menendez la ha programado junto a Don Pasquale, Samson y Dalila y Agripina y finalizando con la obra de Verdi allá por Mayo y Junio.
Próximamente hablaremos sobre la Producción de la que se podrá disfrutar en Águilas, así como de la Programación completa de ProMúsica para la próxima temporada, pero a modo de ejemplo, esta foto y vídeo es suficientemente elocuente de la calidad y cuidado de la puesta en escena.
JESSYE NORMAN
El 15 de septiembre de 1945 nace en Georgia Jessye Norman, soprano afroamericana estadounidense.
Entre las más admiradas cantantes líricas de su generación, continua la tradición iniciada por otras cantantes afroamericanas como Marian Anderson, Leontyne Price, Shirley Verrett, Reri Grist, Grace Bumbry y Martina Arroyo.
A su generación también pertenecen las sopranos líricas Barbara Hendricks y Kathleen Battle.
Una verdadera soprano dramática con graves de mezzosoprano y majestuosa presencia escénica.
A su generación también pertenecen las sopranos líricas Barbara Hendricks y Kathleen Battle.
Una verdadera soprano dramática con graves de mezzosoprano y majestuosa presencia escénica.
sábado, 14 de septiembre de 2019
DÁMASO PÉREZ PRADO
El 14 de septiembre de 1989 fallece en Ciudad de Mexico Dámaso Pérez Prado , el "Rey del Mambo", músico, compositor y arreglista cubano, que adquirió la nacionalidad mexicana a los 64 años.
Dámaso Pérez Prado es conocido sobre todo por sus aportes al género del mambo, que tiene sus orígenes en el danzón cubano y que daría pauta al surgimiento y desarrollo del chachachá, así como también de la música surgida a finales de la década de 1950 y conocida luego, desde principios de los años 1970 como salsa.
No fue el creador del ritmo, que ya se tocaba en La Habana de finales de los años treinta, pero sí su mayor difusor a nivel internacional. Estudió música en su Cuba natal. Trabajó en diversas orquestas en La Habana en los años 1940. Fue también durante un corto periodo pianista de la Sonora Matancera y de la Orquesta Casino de la Playa.
En 1948 cambió de residencia a la Ciudad de México para crear allí un grupo musical. Allí estuvo trabajando con la compañía RCA Victor. Se especializó en el mambo, del cual es considerado uno de sus mayores exponentes.
Dámaso Pérez Prado es conocido sobre todo por sus aportes al género del mambo, que tiene sus orígenes en el danzón cubano y que daría pauta al surgimiento y desarrollo del chachachá, así como también de la música surgida a finales de la década de 1950 y conocida luego, desde principios de los años 1970 como salsa.
No fue el creador del ritmo, que ya se tocaba en La Habana de finales de los años treinta, pero sí su mayor difusor a nivel internacional. Estudió música en su Cuba natal. Trabajó en diversas orquestas en La Habana en los años 1940. Fue también durante un corto periodo pianista de la Sonora Matancera y de la Orquesta Casino de la Playa.
En 1948 cambió de residencia a la Ciudad de México para crear allí un grupo musical. Allí estuvo trabajando con la compañía RCA Victor. Se especializó en el mambo, del cual es considerado uno de sus mayores exponentes.
LLANTO, SOLIDARIDAD Y ESPERANZA POR MURCIA
En estos momentos tenemos el ánimo encogido por las imágenes que nos llegan de Murcia y todos los pueblos en el cauce del Rio Segura, como Orihuela, hasta su desembocadura en Alicante.
Resulta realmente paradójico que en una tierra que se muere de SED, en parte por una cuestión de Insolidaridad, una maldición Bíblica la castigue de tarde en tarde con situaciones como la que ahora está viviendo.
Viendo esas imágenes y si quisiéramos ponerle una banda sonora, la más adecuada sería el Requiem de Guerra, de Britten.
Pero Murcia no suena a eso, la banda sonora de Murcia es Zarzuela y es Bolero, aunque sea uno compuesto curiosamente por un aragonés F. del Val, que supo captar como nadie lo que hace años era la Huerta Murciana, y que en nada se parece lamentablemente a la actual.
Pues bien, el Trio las Vegas, fue un mítico grupo musical murciano existente en los años 50, que triunfó en toda España y popularizó el Bolero a Murcia.
En aquella época también actuaban en diversos pueblos de la provincia, y quien esto escribe, los recuerda, y posteriormente en solitario a Antonio las Vegas cantar en el Cine CAMES (Campaña de Moralidad en los espectáculos), de la Casa de Acción Católica en Águilas, con aquellas inolvidables canciones como Verdes Campiñas, Las Hojas Verdes etc.... pero siempre con el BOLERO A MURCIA.
Afortunadamente, Murcia no les ha olvidado y recientemente con la presencia de dos de sus componentes que todavía viven, le han dedicado un Jardín a su memoria.
Nuestros sentimientos de solidaridad con esa querida tierra, actualmente castigada y las personas que no solo lo han perdido todo en el aspecto material, sino la vida de seres queridos.
Resulta realmente paradójico que en una tierra que se muere de SED, en parte por una cuestión de Insolidaridad, una maldición Bíblica la castigue de tarde en tarde con situaciones como la que ahora está viviendo.
Viendo esas imágenes y si quisiéramos ponerle una banda sonora, la más adecuada sería el Requiem de Guerra, de Britten.
Pero Murcia no suena a eso, la banda sonora de Murcia es Zarzuela y es Bolero, aunque sea uno compuesto curiosamente por un aragonés F. del Val, que supo captar como nadie lo que hace años era la Huerta Murciana, y que en nada se parece lamentablemente a la actual.
Pues bien, el Trio las Vegas, fue un mítico grupo musical murciano existente en los años 50, que triunfó en toda España y popularizó el Bolero a Murcia.
En aquella época también actuaban en diversos pueblos de la provincia, y quien esto escribe, los recuerda, y posteriormente en solitario a Antonio las Vegas cantar en el Cine CAMES (Campaña de Moralidad en los espectáculos), de la Casa de Acción Católica en Águilas, con aquellas inolvidables canciones como Verdes Campiñas, Las Hojas Verdes etc.... pero siempre con el BOLERO A MURCIA.
Afortunadamente, Murcia no les ha olvidado y recientemente con la presencia de dos de sus componentes que todavía viven, le han dedicado un Jardín a su memoria.
Nuestros sentimientos de solidaridad con esa querida tierra, actualmente castigada y las personas que no solo lo han perdido todo en el aspecto material, sino la vida de seres queridos.
viernes, 13 de septiembre de 2019
CONVIVENCIA EN ARACENA
Recordamos a todos los interesados que, por cuestiones de logística, tanto en la contratación de la Comida como el Transporte, el próximo domingo cerraremos la Lista de Inscripciones, entendiendo que ha habido un plazo suficiente para hacerlo.
Rogamos que si a alguien le surge un imprevisto que le impida acudir, que nos avise sin esperar al último momento, salvo causa de fuerza mayor, que lógicamente entenderemos.
CICLO DE CONFERENCIAS FUNDACIÓN AVENZOAR
 |
| Profesor D. Joaquín Carranza |
Son varios los años en que, gracias a la Fundación Avenzoar, y en su sede del Colegio de Farmaceuticos, hemos podido disfrutar de Cursos que han tenido todos un punto en común, el conocimiento de Sevilla.
Dichos Cursos fueron impartidos por nuestro amigo, compañero y profesor Joaquín Carranza, junto a otros profesores de la Universidad, expertos en las distintas materias.
El pasado año, muchos de nosotros echamos de menos esta actividad, por cuestiones personales del coordinador, el citado Joaquín Carranza.
En el presente Curso, el tema no puede ser más apasionante y de actualidad como es: Sevilla, protagonista de la Primera Vuelta al Mundo
Las Conferencias se desarrollarán los miercoles en horario de 11 a 12,30h, durante los meses de Octubre y Noviembre, según el programa que se puede consultar AQUÍ, con el detalle de cada una de ellas.
También tendrá el aliciente de escuchar en una de ellas, a una profesora que nos dejó una muy grata impresión en el pasado Curso que realizamos en nuestra "Facultad", María Salud Elvás, y con quien estamos deseando reencontrarnos.
La Fundación Avenzoar ha invitado a los componentes de La Décima a asistir a estas conferencias, que conforman un completo Curso alrededor de la primera circunvalación a la Tierra.
CLARA WIECK (MUJER ADMIRADA EN NUESTRO BLOG)
Si hablamos de una Mujer que haya representado como nadie el triunfo en un mundo de hombres como es el de la Composición Musical, donde han sido maltratadas culturalmente a lo largo de la Historis, entiendo que casi todos coincidiríamos en la figura de Clara Schuman.
Clara Wieck, de casada Clara Schumann nació en Leipzig el 13 de septiembre de 1819
Fue una de las grandes concertistas europeas del siglo XIX y su carrera fue clave en la difusión de las composiciones de Robert Schumann, con quien estuvo casada.
Clara Schumann fue admirada por otras personalidades de la época como Goethe, quien la conoció siendo muy joven, en la época en que alternaba los juegos infantiles con su formación musical, y también conoció personalmente a Felix Mendelssohn, Frederic Chopin y Niccolò Paganini. Además de ser pianista, escribió su propia música y editó varias obras de su esposo.
Con Johannes Brahms (1833-1897), otro gran compositor del siglo XIX, cultivó una profunda relación artística e intelectual que duró hasta la muerte.
Las razones por las que no se dedicó en mayor grado a la composición fueron varias, entre ellas su carrera de concertista, sus ocho hijos, la devoción por su esposo y el papel de la mujer en el siglo XIX.
Clara Schumann tuvo una formación musical privilegiada, lo que junto con su comprensión musical y habilidad le permitieron abordar la composición. Sin embargo, escribió en su diario: Alguna vez creí que tenía talento creativo, pero he renunciado a esta idea; una mujer no debe desear componer. Ninguna ha sido capaz de hacerlo, así que ¿por qué podría esperarlo yo?
Tuvo una gran fortaleza espiritual que le permitió soportar una vida dura como artista y llena de tragedias en el ámbito personal
Aunque no era precisamente una mujer feminista; sin embargo, fue una mujer fuera de serie en muchos aspectos.
A diferencia de estas mujeres, la carrera de Clara Schumann continuó en los más altos niveles profesionales hasta pocos años antes de su muerte. Realizó alrededor de cuarenta giras de conciertos por el continente europeo y en todos lados era recibida con los más altos honores.
Fue una profesional en el sentido económico también: cobraba dignamente, igual que los otros virtuosos de la época, pues fue por mucho tiempo el único soporte de la familia.
Clara Wieck, de casada Clara Schumann nació en Leipzig el 13 de septiembre de 1819
Fue una de las grandes concertistas europeas del siglo XIX y su carrera fue clave en la difusión de las composiciones de Robert Schumann, con quien estuvo casada.
Clara Schumann fue admirada por otras personalidades de la época como Goethe, quien la conoció siendo muy joven, en la época en que alternaba los juegos infantiles con su formación musical, y también conoció personalmente a Felix Mendelssohn, Frederic Chopin y Niccolò Paganini. Además de ser pianista, escribió su propia música y editó varias obras de su esposo.
Con Johannes Brahms (1833-1897), otro gran compositor del siglo XIX, cultivó una profunda relación artística e intelectual que duró hasta la muerte.
Las razones por las que no se dedicó en mayor grado a la composición fueron varias, entre ellas su carrera de concertista, sus ocho hijos, la devoción por su esposo y el papel de la mujer en el siglo XIX.
Clara Schumann tuvo una formación musical privilegiada, lo que junto con su comprensión musical y habilidad le permitieron abordar la composición. Sin embargo, escribió en su diario: Alguna vez creí que tenía talento creativo, pero he renunciado a esta idea; una mujer no debe desear componer. Ninguna ha sido capaz de hacerlo, así que ¿por qué podría esperarlo yo?
Tuvo una gran fortaleza espiritual que le permitió soportar una vida dura como artista y llena de tragedias en el ámbito personal
Aunque no era precisamente una mujer feminista; sin embargo, fue una mujer fuera de serie en muchos aspectos.
A diferencia de estas mujeres, la carrera de Clara Schumann continuó en los más altos niveles profesionales hasta pocos años antes de su muerte. Realizó alrededor de cuarenta giras de conciertos por el continente europeo y en todos lados era recibida con los más altos honores.
Fue una profesional en el sentido económico también: cobraba dignamente, igual que los otros virtuosos de la época, pues fue por mucho tiempo el único soporte de la familia.
jueves, 12 de septiembre de 2019
SALVADOR BACARISSE
El 12 de Septiembre de 1898 nace en Madrid Salvador Bacarise, músico y compositor español.
Estudió Derecho y Filosofía y Letras, licenciándose en la Universidad de Madrid, y simultaneó estos estudios con los del Real Conservatorio de Música de Madrid,
Bacarisse fue miembro del Grupo de los Ocho
Formó parte de la Junta de Música y Teatros Líricos (1931) y desde este mismo año fue crítico musical en la prensa madrileña. Durante la Guerra Civil española se trasladó siguiendo al gobierno republicano a Valencia y Barcelona y en esta última ciudad fue delegado del gobierno en asuntos musicales, organizando algunos conciertos y temporadas de ópera.
Fue afiliado al Partido Comunista de España y en 1939 se exilió en París, rechazando la dictadura de Franco, y desde 1945 hasta su muerte trabajó para la Radiodiffusion-Télévision Française como productor de programas en español para Hispanoamérica.
Su obra más conocida es el Concertino para guitarra y orquesta en la menor, opus 72, compuesta en 1957, en un estilo neorromántico cercano al del Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo (1940).
Asímismo, y en su memoria, queremos ofrecer la interpretación del Trio Bacarisse, que llevan este nombre en su honor, formado por Laura Rodríguez, violin Juan Pedro Torres, cello y Gabriel Escudero, piano en un extraordinario concierto con música de Rajmáninov, Piazzolla y Mendelsshon
Estudió Derecho y Filosofía y Letras, licenciándose en la Universidad de Madrid, y simultaneó estos estudios con los del Real Conservatorio de Música de Madrid,
Bacarisse fue miembro del Grupo de los Ocho
Formó parte de la Junta de Música y Teatros Líricos (1931) y desde este mismo año fue crítico musical en la prensa madrileña. Durante la Guerra Civil española se trasladó siguiendo al gobierno republicano a Valencia y Barcelona y en esta última ciudad fue delegado del gobierno en asuntos musicales, organizando algunos conciertos y temporadas de ópera.
Fue afiliado al Partido Comunista de España y en 1939 se exilió en París, rechazando la dictadura de Franco, y desde 1945 hasta su muerte trabajó para la Radiodiffusion-Télévision Française como productor de programas en español para Hispanoamérica.
Su obra más conocida es el Concertino para guitarra y orquesta en la menor, opus 72, compuesta en 1957, en un estilo neorromántico cercano al del Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo (1940).
Asímismo, y en su memoria, queremos ofrecer la interpretación del Trio Bacarisse, que llevan este nombre en su honor, formado por Laura Rodríguez, violin Juan Pedro Torres, cello y Gabriel Escudero, piano en un extraordinario concierto con música de Rajmáninov, Piazzolla y Mendelsshon
miércoles, 11 de septiembre de 2019
FRANÇOIS COUPERIN
El 11 de septiembre de 1733 fallece en Paris François Couperin, compositor, organista y clavecinista francés del Barroco.
Es uno de los más importantes compositores, junto con Jean-Philippe Rameau, de la música barroca francesa en general y de la música para clave en particular.
Muchas de las piezas para teclado de Couperin tienen títulos evocativos y pintorescos, y expresan un estado de ánimo a través de las elecciones tonales, armonías atrevidas y decididas disonancias. Se han comparado con pequeños poemas sinfónicos. Los títulos parecen anticipar la música programática, mientras que la escritura elegante, refinada y formal ofrece un modelo ejemplar del Barroco francés, definido por el estilo galante. Señala McLeish que "Sus ordres son deliciosos esbozos que se presentan como los antecesores de las piezas de piano, a modo de "postales ilustradas" de Albéniz, o de los Preludios de Debussy"
Maurice Ravel le homenajeó en Le Tombeau de Couperin ("Sepulcro a Couperin").
Es uno de los más importantes compositores, junto con Jean-Philippe Rameau, de la música barroca francesa en general y de la música para clave en particular.
Muchas de las piezas para teclado de Couperin tienen títulos evocativos y pintorescos, y expresan un estado de ánimo a través de las elecciones tonales, armonías atrevidas y decididas disonancias. Se han comparado con pequeños poemas sinfónicos. Los títulos parecen anticipar la música programática, mientras que la escritura elegante, refinada y formal ofrece un modelo ejemplar del Barroco francés, definido por el estilo galante. Señala McLeish que "Sus ordres son deliciosos esbozos que se presentan como los antecesores de las piezas de piano, a modo de "postales ilustradas" de Albéniz, o de los Preludios de Debussy"
Maurice Ravel le homenajeó en Le Tombeau de Couperin ("Sepulcro a Couperin").
DESCUENTO PARA VIEJOS HAZMERREIRES
Oferta aplicable solamente en la taquilla del teatro justificando ser profesor, estudiante o PAS de la Universidad de Sevilla (De lunes a sábado: 10 a 14 h. y 17 a 20 h.).
Promoción válida para zonas de Terraza y Paraíso (hasta completar aforo), siendo por tanto válida nuestra Tarjeta Universitaria.Información directa del CICUS pulsando AQUÍ
martes, 10 de septiembre de 2019
UNA CANCIÓN PARA CAMBIAR EL MUNDO
Primavera del año 1939 en el Café Society de Nueva York, con capacidad para 200 personas, ninguna de las cuales aplaudió cuando una cantante negra, de nombre Billie Holiday entonó su canción Strange Fruits.
Las luces se apagaron y Billie se marchó apresuradamente a los lavabos a vomitar mientras que pasados unos segundos eternos, el público fue consciente de lo que acababan de escuchar y se produjo de forma milagrosa una salva de aplausos.
Fue una canción breve, de apenas tres minutos que cambió la historia de la Música.
Me deja sin fuerzas”, señala la cantante en su autobiografía, Lady sings the blues. Y cuenta una anécdota que refleja el choque emocional que libraba con la canción: “(Después de cantar Strange fruit) Entró una mujer en el lavabo de señoras del Downbeat Club y me encontró desquiciada de tanto llorar. Yo había salido corriendo del escenario, con escalofríos, desdichada y feliz al mismo tiempo. La mujer me miró y se le humedecieron los ojos. ‘Dios mío’ –dijo–, ‘en mi vida oí algo tan hermoso. En la sala se podía oír volar a una mosca”.
Se trata de una canción contra el racismo y que Billie cantó por primera vez cuando tenía 23 años.
La letra y música era Abel Metropol, profesor judio de origen ruso adscrito al partido comunista, y el título original "Bitter Fruit" (fruta amarga).
La escribió estremecido por la experiencia de linchamientos en Indiana en 1930.
"De los árboles del sur cuelga una fruta extraña. / Sangre en las hojas, y sangre en la raíz. / Cuerpos negros balanceándose en la brisa sureña. / Extraña fruta cuelga de los álamos./Escena pastoral del valiente sur. / Los ojos saltones y la boca retorcida. / Aroma de las magnolias, dulce y fresco. / Y el repentino olor a carne quemada. Aquí está la fruta para que la arranquen los cuervos. / Para que la lluvia la tome, para que el viento la aspire, para que el sol la pudra, para que los árboles lo dejen caer./ Esta es una extraña y amarga cosecha".
LA ASAO PROGRAMANDO SU TEMPORADA
La Asociación Sevillana de Amigos de la Ópera, (ASAO) de la que muchos de nosotros somos socios y el resto simpatizantes, formando incluso nuestros compañeros Pascual Muñoz y Emilia Matute parte de la Junta Directiva, mantuvieron ayer su primera reunión de la temporada con tres objetivos iniciales.
Homenaje al recientemente fallecido D. Emilio Galán, anterior presidente.
Certamen Nuevas Voces Ciudad de Sevilla.
Componentes, conferenciantes y moderadores de las Mesas en torno a....... Las distintas Óperas que se representarán en el Teatro de la Maestranza y que tendrán lugar la víspera de su estreno, en la Sala del Prensa del propio Teatro.
Por si entre nuestros lectores pudiese haber algún interesado o tenga conocimiento de alguien, se pueden encontrar las bases del Certamen y Boletín de Inscripción en la propia web de la ASAOLa gran final del Certamen tendrá lugar el día 25 de Noviembre, lunes. en la Sala Manuel García del Teatro de la Maestranza.
Y para homenajear a todos los vencedores de anteriores Certámenes, hemos querido escuchar a Berna Perles, que en esta temporada actuará, entre otros lugares, en nuestro Maestranza en un recital junto a Carlos Álvarez, y también en Murcia y Águilas formando parte del elenco de solistas del Requiem de Verdi.
ALFREDO KRAUS
Recordamos perfectamente el momento:
10 de Septiembre de 1999. La Real Orquesta Sinfónica de Sevilla iba a comenzar un Concierto previo a la Temporada, que iba a tener lugar en el Patio de la Monteria de los Reales Alcázares.
En ese momento, mientras los músicos afinaban sus instrumentos en aquella calurosa noche, el director se dirigió a los presentes, anunciándonos la muerte en Madrid de Alfredo Kraus, y se alteraría el programa para interpretar en primer lugar Meditación de Thaiss.
El director fue el recordado y nunca suficientemente reconocido de forma institucional Jjekoslav Sutej, que ya había dejado la ROSS y actuó como Invitado.
A partir de ahí, el Concierto se convirtió todo él en un homenaje a Kraus, pudiendo ver muchas lágrimas entre los presentes, como alguna de nuestras compañeras, Krausista hasta la médula, cuyo nombre omitimos, pero que estamos seguros que hoy en su casa se escuchará Werther a pleno volumen.
Kraus es considerado uno de los mejores tenores líricos ligeros de la segunda mitad del siglo XX.(El mejor sin ninguna duda para esa citada amiga)
Su personaje más conocido fue Werther, de la ópera homónima de Jules Massenet.
Prácticamente todos los medios nacionales se están ocupando en estos días de recordar los 20 años sin Kraus, donde se glosa su figura.
Nosotros hemos querido recordarlo, poniendo su figura y voz en la vida de otro gran tenor español, Julian Gayarre. en una película de 1959.
10 de Septiembre de 1999. La Real Orquesta Sinfónica de Sevilla iba a comenzar un Concierto previo a la Temporada, que iba a tener lugar en el Patio de la Monteria de los Reales Alcázares.
En ese momento, mientras los músicos afinaban sus instrumentos en aquella calurosa noche, el director se dirigió a los presentes, anunciándonos la muerte en Madrid de Alfredo Kraus, y se alteraría el programa para interpretar en primer lugar Meditación de Thaiss.
El director fue el recordado y nunca suficientemente reconocido de forma institucional Jjekoslav Sutej, que ya había dejado la ROSS y actuó como Invitado.
A partir de ahí, el Concierto se convirtió todo él en un homenaje a Kraus, pudiendo ver muchas lágrimas entre los presentes, como alguna de nuestras compañeras, Krausista hasta la médula, cuyo nombre omitimos, pero que estamos seguros que hoy en su casa se escuchará Werther a pleno volumen.
Kraus es considerado uno de los mejores tenores líricos ligeros de la segunda mitad del siglo XX.(El mejor sin ninguna duda para esa citada amiga)
Su personaje más conocido fue Werther, de la ópera homónima de Jules Massenet.
Prácticamente todos los medios nacionales se están ocupando en estos días de recordar los 20 años sin Kraus, donde se glosa su figura.
Nosotros hemos querido recordarlo, poniendo su figura y voz en la vida de otro gran tenor español, Julian Gayarre. en una película de 1959.
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