La Partita n.º 3 en mi mayor, BWV 1006, de Bach, es la última obra de su colección de Sonatas y Partitas para violín solo, compuesta alrededor de 1720 durante su período en Cöthen.
Esta vibrante pieza, de inspiración danzante, destaca por su carácter alegre y las exigencias técnicas que impone al violinista, poniendo de manifiesto el genio de Bach en la escritura polifónica para un solo instrumento.
Bach tituló sus obras para violín "Sei Solo", y esta partita ejemplifica su enfoque innovador para el violín solo, anterior a esfuerzos similares de otros compositores como Biber.
El Preludio fue posteriormente reutilizado en las cantatas BWV 120a y BWV 29, lo que pone de manifiesto su versatilidad
¿Cuántas veces hemos confundido tristeza con depresión?
En esta intervención, Jesús de la Gándara explica de forma clara y directa la diferencia entre un estado emocional natural y una enfermedad mental.
La tristeza, señala, es parte de la vida y puede ser intensa, pero acaba desapareciendo con el tiempo.
Sin embargo, la depresión va más allá: no solo implica sufrimiento, sino también incapacidad para reaccionar, para disfrutar o para salir adelante.
A través de un sencillo acrónimo —“SIN”: sufrimiento, incapacidad y necesidad—, ofrece una herramienta práctica para identificar cuándo es necesario pedir ayuda profesional.
Además, destaca la importancia de acompañar a quienes sufren desde la empatía: escuchar, insistir, estar presentes y no juzgar. Porque, como recuerda, todos atravesaremos en algún momento dificultades relacionadas con la salud mental, y el apoyo humano puede marcar la diferencia.
Sara Montiel, icono del cine español, es recordada por sus frases ingeniosas y coquetas dichas en películas y entrevistas relacionadas con su carrera cinematográfica. Muchas de ellas resaltan su personalidad seductora y su orgullo por su trabajo en la gran pantalla.
Sara brillaba con diálogos memorables que definieron su imagen de femme fatale.
"Siempre ha parecido que tengo menos edad, por mi cutis y por unas piernas que valen un potosí".
"Nací de pie, pero nací y aunque no hubiera hecho El último cuplé habría llegado arriba por un lado u otro".
"Yo ya cantaba a las doce semanas en el vientre de mi madre"
Hoy rendimos homenaje a una de las grandes leyendas del cine español, Sara Montiel,
En este video se recopilan algunas de sus frases más memorables en la gran pantalla, momentos inolvidables que reflejan su magnetismo, su fuerza interpretativa y ese estilo único que la convirtió en un icono internacional.
Desde sus películas más emblemáticas hasta escenas cargadas de emoción, Sara Montiel dejó un legado imborrable en el cine, la música y la cultura popular.
El 16 de abril de 1973 fallece en accidente de tráfico, en pleno apogéo de su carrera, con 28 años de edad, Nino Bravo cantante español, considerado uno de los grandes exponentes de la música pop española, en particular durante las décadas de 1960 y 1970.
A pesar de su breve carrera, ha dejado una potente influencia para su arte en español con éxitos recordados y versionados como: Un beso y una flor, Te quiero, te quiero, Libre y Noelia.
El 16 de abril de 1924 nace en Ohio Henry Mancini, célebre compositor, director de orquesta, arreglista, pianista y flautista estadounidense de música de cine, de jazz y de influencias latinas.
Se le considera uno de los más grandes compositores en la historia del cine, ganador de cuatro premios Óscar, un Globo de Oro y veinte Grammys, así como un Grammy póstumo por su carrera en 1995.
Entre sus trabajos más reconocidos están el tema y banda sonora para las series de televisión Peter Gunn, la banda sonora de La pantera rosa (por la que ganó un Grammy) y su colaboración en las comedias de Blake Edwards, en la que destaca la canción «Moon River» (de Desayuno con diamantes, 1961).
Además compuso las bandas sonoras de Desayuno con diamantes, Charada, Días de vino y rosas, Dear Heart, La carrera del siglo, Dos en la carretera y Victor Victoria.
Cada 16 de abril celebramos el don más humano y misterioso del arte: la voz.
Hoy celebramos el Día Mundial de la Voz, ese milagroso instrumento que no necesita cuerdas, madera ni metal, porque su materia es el aire y el alma de quien canta.
En este Blog de La Décima, dedicado siempre a la Cultura, la Música y a la Lrica, queremos rendir homenaje a todas las voces que han llenado el mundo de belleza.
Recordamos aquellas voces que ya no están entre nosotros, pero que continúan viviendo en grabaciones que son verdaderos tesoros sonoros; ecos de un tiempo que sigue emocionando a cada nueva escucha.
Y homenajeamos y apoyamos también a las jóvenes voces que hoy, con esfuerzo y pasión, buscan su camino en esta profesión siempre exigente pero profundamente hermosa, aunque también llena de envidias y lucha, puesto que la gran verdad es que existen pocas oportunidades y demanda para tantas voces hermosas como existen.
A todos los artistas que, con su canto, hacen vibrar los teatros, las iglesias o las calles, dedicamos este reconocimiento.
Una referencia especial merece el Certamen de Nuevas Voces de la Asociación Sevillana de Amigos de la Ópera (ASAO), que a lo largo de los años ha dado impulso y esperanza a tantos intérpretes, muchos de ellos ya grandes figuras consolidadas.
Su existencia es prueba del compromiso con el futuro de la lírica y de la fe en el poder transformador de la Voz.
Al fin y al cabo, la voz humana es el puente más directo entre la emoción y el arte: una llama que nunca se apaga mientras haya alguien dispuesto a cantar.
A todos ellos —los que fueron, los que son y los que sueñan con ser—, nuestra gratitud por recordarnos que el arte de cantar sigue siendo el más humano de los milagros.
Se nos ocurren muchas figuras como ejemplo patente de nuestros recuerdos en estos momentos, pero son tantos nuestros amigos que aparecen de forma recurrente o puntual en nuestro Blog, que no nos parece justo prescindir de algunas voces y muy queridas Amigas, y confiamos en que sepan entender que es especialmente a ellas a quienes van dirigidas nuestro Agradecimiento y Homenaje. Cada una sabe de qien hablamos.
Recientemente, y para no perder la costumbres de los antiguos "discos" y que el tocadiscos no se anquilose, poniamos antiguos éxitos del ya añejo Festival de Benidorm, y nos recreamos con esas antiguas canciones, como la que nos cantaba la inolvidable Monna Bell.
"Antes de que tus labios me confirmaran que me querías ya lo sabia, ya lo sabía porque con la mirada tu me pusiste un telegrama que me decía, que me decía......."
Y esa escucha nos hizo recordar y compartir aquellos tiempos de los Telegramas y su Historia en España.
El primer telegrama eléctrico en España se envió el 5 de junio de 1854, desde Guadalajara a Madrid, como prueba técnica de la nueva línea telegráfica; su texto era un informe oficial del director de Telégrafos al presidente del Consejo de Ministros.
Poco después, el 8 de noviembre de 1854, se envió el primer telegrama oficial: el discurso de inauguración de las Cortes Constituyentes de la reina Isabel II, que viajó de Madrid a Irún en apenas unos minutos.
En 1855 se aprobó una ley para extender la red telegráfica a todas las capitales de provincia y a las zonas fronterizas con Francia y Portugal, considerándose esa fecha como el nacimiento oficial del telégrafo eléctrico como servicio público en España. En unos pocos años se construyeron unas 194 oficinas de telégrafo y unos 10.000 kilómetros de cable, partiendo de Madrid como eje radial hacia el resto del país, incluyendo Baleares y el norte de África.
El telegrama fue clave para comunicar noticias de prensa, resultados de elecciones, declaraciones de guerra, noticias de siniestros y, más tarde, felicitaciones navideñas o de cumpleaños.
Y aquí, nuestro compañero Pascual, como redactor de esta nota, quiere arrimar el ascua a la sardina de su pueblo de Águilas y uno de sus más famosos hijos, queriendo dejar muy claro que fue ese aguileño, Armando Muñoz Calero, quien puso el telegrama a Franco y no Marias Prats, como se lee en algunas historias poco informadas.
El 2 de julio de 1950, en el estadio Maracaná, España venció 1‑0 a Inglaterra en el Mundial de Brasil, con un gol de Telmo Zarra. Cuando Matías Prats, retransmitiendo desde Brasil, le preguntó a Armando Muñoz Calero (a la sazón presidente de la RFEF) si tenía algún mensaje para el Caudillo, este respondió:
“Sí, hemos vencido a la pérfida Albión y le dedicamos gustosamente la victoria”.
Del comentario radiofónico al telegrama. Esa frase fue recogida y convertida en un mensaje formal que Muñoz Calero envió a Franco como telegrama de felicitación, presentando la victoria como un triunfo ideológico del franquismo frente a Gran Bretaña.
Nuestros compañeros de Ágora Teatro que ha representado una de sus más recientes producciones dirigidas por Manuela Luna en muy diversos lugares de la provincia de Sevilla, llevan su Arte, acompañado además de una gran Labor Social a muchos entornos, inundando de alegría a muy diversos colectivos necesitados de ella, tal como nos demostraron hace años con sus visitas periodicas y generosas a Centros Penitenciarios y Psiquiatricos, y en ese mismo afán continuan.
Carmen Aguilar y Antonio Martín. Foto:Rafa Molina para el Periodico de Extramadura.
Tras actuar el pasado sábado en la Residencia para Mayores Reifs de la vecina población de Tomares, al siguiente día, domingo, se desplazaron a la población pacense de Monesterio, en un Acto organizado con las Asociación de Mujeres Rurales Sierra de Aguafría, en colaboración con el Ayuntamiento y Universidal Popular de Monesterio y, logicamente nuestra propia Universidad de la que nuestros compañeros fueron sus más perfectos embajadores.
Dado que existen determinados problemas para acceder al Periodico de Extremadura, a través de su enlace, nos permitirmos extraer algunos párrafos que nos dan una idea de su gran triunfo, aunque quizás aquí sí puedan hacerlo.
Hilarante función con los entremeses y bufonadas de Ágora Teatro en Monesterio. Piezas cómicas versionadas, adaptadas y dirigidas por la actriz y productora Manuela Luna.
Éxito rotundo de la compañía Ágora Teatro.
Carcajadas de principio a fin, a través del humor burlesco y la sátira de esta media docena de piezas cortas, de un solo acto, que, poco, o nada tienen que ver con sus originales, tras la adaptación de textos, de la directora del Grupo Ágora Teatro del Aula de la Experiencia de la Universidad de Sevilla.(Manuela Luna)
El elenco de artistas, integrado por Carmen Jiménez, Carmen Aguilar, Antonio Marín, Victoria Sánchez, Ana María Fernández, Juan José Pérez, María Jose Boza, José Luis Franco, Rafael López, José Luis Prado, Antonio García y la propia Manuela Luna, representó los entremeses, ‘Pequeña y graciosa’, ‘El parque soleado’, ‘Los milagros de San Antonio’, ‘En casa’, ‘Por fin de acuerdo’ y ‘Hablar por hablar’.
La propia Manuela Luna nos manifiesta que “No hay mejor terapia que reírnos de nosotros mismos” expresa la directora de la obra, capaz de entrelazar, a través de estas piezas cómicas, “nuestras contradicciones, complejos, obsesiones, romances, picarescas, simpatías y, como no, bondades”.
El 15 de Abril de 1980, Pilar Miró es juzgada por la jurisdicción militar, al reconocerse autora de la película El crimen de Cuenca, acusada de injurias a la Guardia Civil debido a su cruda representación de torturas policiales en un caso histórico de 1910‑1918.
El crimen de Cuenca se convirtió en la única película secuestrada en la democracia española, y Miró fue la última persona juzgada por un tribunal militar por una obra de ficción.
Tras pasar por tribunales ordinarios y el Tribunal Supremo, la película fue finalmente autorizada en 1981 y se reestrenó con gran éxito, consolidándose como un caso de referencia en la libertad de expresión cinematográfica en España.
El 15 de Abril de 1717 se crea en Cádiz la Real Academia de Caballeros Guardias Marinas, antecedente directo de la actual Escuela Naval Militar española.
Conviene matizar que algunas fuentes sitúan la decisión en 1716 y la inauguración efectiva en 1717, pero el consenso histórico la considera fundada en 1717.
Su objetivo era formar a los futuros oficiales de la Armada con una enseñanza mixta, combinando instrucción científica y práctica militar
En la España del siglo XVIII, los requisitos para ingresar como guardiamarina en la Real Academia de Caballeros Guardias Marinas eran principalmente sociales, éticos y físicos, más que académicos en el sentido moderno.
Se debía proceder de " Familia Noble o de buena vecindad".
Presentar garantías de buena conducta y moral
Edad juvenil, generalmente entre unos 14 y 20 años, aunque el rango concreto variaba según la época y la leva.
Estar soltero y sin cargas familiares que pudieran impedir el servicio.
Gozar de buena salud física y aptitud para la vida militar‑marítima, sin defectos considerados graves (míope severo, impedimentos motrices, etc.).
Conocimientos mínimos y motivación
Saber leer y escribir, y tener unos rudimentos de aritmética, suficientes para seguir las lecciones náuticas y de cálculo.
¿Y al escuchar la palabra "Guardiamarina", quien no piensa de forma inmediata en el Duo Dinámico?
Es evidente que, al menos que sepamos, nadie muere de "puro macho", pero esa frase de ha utilizado en ocasiones relacionado con Pedro Infante, que murió el 15 de Abril de 1957 en Yucatán en un accidente de aviación, después de ha ber sobrevivido a dos de ellos
Su carrera, que abarcó tanto el cine como la música, lo consolidó como una figura clave de la Época de Oro del Cine Mexicano.
“De puro macho”es una hipérbole que se cuenta con tono épico del personaje.
En cualquier caso, su muerte, como sucede con otros personajes famosos estuvo rodeada de elucubraciones incluyendo supuesta participación del gobierno mexicano, políticos, narcotraficantes, y hasta que sobrevivió al accidente.
Su sepelio en la ciudad de Mexico se convirtió en un fenómeno mediático por la gran cobertura que se le dio en medios de comunicación y por la gran cantidad de personas que se aglomeraron para asistir a él. ç
Al concluir sus ceremonias de despedida, fue enterrado dentro del Panteón Jardín, ubicado en la misma ciudad.
En este vídeo repasamos la historia completa de Lola Flores y Manolo Caracol, la pareja artística más mítica del flamenco y la copla en el cine y el teatro español.
¿Cuándo se conocieron? ¿Cómo nació su colaboración? ¿Qué películas hicieron juntos? ¿Qué espectáculos llevaron por toda España? ¿Qué canciones inmortalizaron y por qué su unión marcó una época?
Desde el tablao y el teatro hasta la gran pantalla, Caracol y Lola fueron mucho más que artistas: fueron símbolo de una España que buscaba emoción, pasión y verdad.
Analizamos su importancia histórica, su impacto cultural, sus obras más recordadas y el legado que dejaron para siempre en la copla y el flamenco.
Más de un millón de personas pisan la Feria de Abril cada año… pero muy pocos saben lo que realmente están viendo.
Lo que nació como una tradición construida desde dentro — casetas familiares, trajes hechos a mano, sevillanas aprendidas en casa — se ha convertido en otra cosa. Un espectáculo. Un producto. Una experiencia pensada para consumirse, fotografiarse y olvidarse.
Este video explora cómo una de las tradiciones más auténticas de España fue cambiando poco a poco — no de golpe, sino a través del tiempo, el turismo y la comercialización.
Porque a veces, lo que desaparece no es la fiesta… es su significado.
Hemos de reconocer que pretendíamos terminar este Ciclo que estamos dedicando al Maltrato a la Mujer en la Composición Musical con Lili Boulanger, fallecida en el 1918, pero hemos querido dar un pequeño salto atrás en el tiempo, que no en el estilo Musical del Romanticismo, con otra más de las muchas mujeres olvidadas, de las que nosotros solo podemos dar una pincelada.
Virginia Sánchez (Izda), junto a Clara Corrales y Martín Llade .
Queremos rendir nuestro homenaje también a Virginia Sánchez Rodriguez, Doctora en Musicología, y que dedica gran parte de sus investigaciones a mujeres olvidades por la historia de la Música, y a quien que tuvimos ocasión de escuchar hace unos días en el programa Sinfonía de la Mañana de Radio Clásica en el que nos habló de otra mujer que forma parte de nuestro Ciclo, y la que dedicamos este último capítulo, por el momento, pero que no cerramos definitivamente.
Marie Mennessier-Nodier (1811-1893), es mujcho más que la hija del escritor Charles Nodier o esposa de un militar. Virginia enfatiza cómo Marie participó activamente en los salones literarios del siglo XIX parisino, frecuentados por intelectuales como Musset, quien le dedicó un poema en 1843.
Marie aparece en el catálogo de Mujeres Augtoras Compositoras Frances, (1836), logrando firmar con el apellido compuesto Mennessier-Nodier por decreto real en 1844, honrando su identidad propia.
Como muchas compositoras del siglo XIX, enfrentó barreras sociales: la sociedad burguesa confinaba a las mujeres al ámbito familiar, limitando su acceso a conservatorios, orquestas y coros eclesiásticos, dominados por hombres. y en este caso, también eclipsada por su padre, que llegó a vender libros para pagar su dote, priorizando el matrimonio sobre su carrera artística, y tras casarse se retiró de la vida pública por temor a revoluciones y obligaciones familiares.
Aunque Mennessier-Nodier participó en el círculo más elitista gracias al Salón de L’Arsenal regentado por su padre, el poeta Charles Nodier, y pese a la modestia de sus chansons, no existían grabaciones de sus obras, hasta el lunes.
Se da la circunstancia de que no existen grabaciones de ninguna de sus composiciones y por tanto, y a falta de ellas, publicamos, y es un placer esduchar, una interpretación de la propia Virginia Sánchez Rodriguez de un nocturno de otra música olvidada por la historia, la polaca Maria Szymanowska (1789-1831)
El 11 abril 1966. Frank Sinatra graba el tema Strangers in the Night.
A Sinatra no le gustaba nada la canción; en varias ocasiones la criticó con dureza, pese a que terminó siendo uno de sus mayores éxitos comerciales.
La autoría de la canción fue disputada por varios nombres además de Bert Kaempfert, y hubo incluso una disputa legal sobre los beneficios.
Un detalle llamativo
La primera opción para cantarla fue Melina Mercouri, pero la rechazó porque la veía más adecuada para una voz masculina, lo que demuestra que Melina era muy inteligente además de excelente actriz, no en balde llegó a ser Ministra de Cultura de Grecia, lo cual nos parece absolutamente coherente y nos hace pensar en la ostentación de ese cargo en España, así como su antecesor e incluso anteriores. Pero eso sería 'Otra Historia!, y ahora estamos con Sinatra.
Dentro de los capítulos que estamos dedicando a la Mujer en el mundo de la composición en la Música Clásica y sus dificultades, casi maltrato en algunos casos, para poder publicar sus partituras, nos hemos referido recientemente a la figura de Pauline Viardot ENLACE A LA NOTA
Y hemos indicado muchas veces que en nuestro Blog no existen grandes expertos, aunque sí queremos estar bien informados de cuando publicamos, en concretamente, la indicación de que "Pauline viajó por Andalucía con estancias en Granada y Sevilla...." la obtuvimos de una publicación del El Cultural de El Pais, y la revista cultural Esfinge, ha motivado que nuestro querido amigo y profesor, Andrés Moreno, haya tenido la amabilidad de rectificarnos.
Como aclaración, hemos de indicar que Andres Moreno lo consideramos por nuestra parte la máxima autoridad en todo lo relacionado con la familia García, recordemos que el padre de Pauline, el tenor Manuel García nació en Sevilla en el año 1775, siendo un personaje muy reconocido en nuestra ciudad, teniendo incluso su nombre una Sala del Teatro de la Maestranza.
Pues bien, nuestro profesor nos informa, y no podemos ponerlo en duda que Pauline Viardot nunca estuvo en Sevilla, y que ese viaje a que se alude está muy bien documentado :El viaje de Pauline por España está muy estudiado casi día día. De Madrid pasó a Granada y de Granada directamente de regreso a Francia.
Lo cierto es que esta aclaración nos da argumentos para volvera a esduchar música de Pauline, con Cecilia Bartoli
El día 11 abril de 1956, el avión de Elvis Presley realiza un aterrizaje de emergencia en El dorado, Arkansas, mientras volaba desde Amarillo, Texas, a Nashville.
Aunque conmocionado graba a I want you I need you I love you más tarde en el día, aunque el incidente lo dejaría con miedo a volar.
“Te quiero, te necesito, te amo” Fue el séptimo sencillo de Elvis en RCA y se convirtió en número 1 en las listas country y alcanzó el número 3 en la Billboard Top 100 de Estados Unidos.
El 11 de abril de 1916 nace en Buenos Aires Alberto Ginastera, compositor argentino de música académica contemporánea, considerado como uno de los más importantes del siglo XX en América. Discípulo destacado de Aaron Copland, su estilo discurrió en torno al dodecafonismo, con un amplio uso de motivos propios del acervo folclórico argentino.
Compuso óperas, ballets, piezas orquestales, obras corales, conciertos para solistas, sonatas y música para películas.
Fue maestro de Astor Piazzolla, Waldo de los Ríos, entre otros muchos músicos que alcanzaron notoriedad.
La estirpe de Ginastera es destacada, ya que estudió con Aaron Copland, quien a su vez estudió con Nadia Boulanger.
Siempre es duro hablar de enfermeddes o males, cuanto estos nos tocan muy de cerca, pero la situación está ahí y no podemos ignorarla, sino echarle muho ánimo y valor y tirar hacia adelante.
El Día Mundial del Párkinson se celebra cada 11 de abril, en conmemoración del nacimiento de James Parkinson, el médico británico que describió la enfermedad en 1817 bajo el nombre de "parálisis agitante".
Fue proclamado en 1997 por la Organización Mundial de la Salud (OMS) y Parkinson's Europe (entonces EPDA), con el objetivo de aumentar la concienciación sobre esta enfermedad neurodegenerativa, que afecta el control motor y genera síntomas como temblor, rigidez y problemas de equilibrio, impactando a millones de personas en el mundo.
Y para este día, y como banda sonora, hemos de pensar en música serena y que facilite la estabilidad emocional, reduciendo la ansiedad, así que proponemos entre tanta música adecuada, "un botón que bien puede servir como muestra".
Antes de entrar en la propia pùblicación y vídeo, nuestros compañeros que vivieron su infancia en Águilas recuerdan como los veraneantes que venían en el autobús de Lorca, muchos lo hacían en el techo del Autobus, junto con los colchones y otros utensilios para pasar el verano, y ¡¡En una carretera sin asfaltar!!
En ese mismo autobús, cuando salía de Águilas con destino a Lorca, distante 36 kilómetros, y al culminar el Puerto de Purias, a mitad de camino, con una altitud de 600 metros y con una pendiente "ASOMBROSA" del 2,2%, había que parar para enfriar el motor y estirar las piernas en la venta que al mismo tiempo nos ofrecía un refresco con agua de botijo y un chorrito de jarabe.
Hubo una época en la que viajar en autobús en España no era solo moverse de un lugar a otro… era toda una experiencia.
Sin estaciones, sin horarios claros y con vehículos que hoy parecerían imposibles, millones de personas dependían de estos viajes para trabajar, visitar a sus familias o simplemente poder vivir
Era incómodo, caótico y muchas veces duro… pero también profundamente humano.
Detrás de cada trayecto había historias reales: conductores que conocían a todos los pasajeros, viajes que duraban horas entre carreteras difíciles y una forma de conexión que hoy prácticamente ha desaparecido.
Porque más allá del transporte, el autobús era el vínculo que mantenía unidos a pueblos enteros ¿Llegaste a vivir algo así o te lo contaron en casa? ¿Crees que hoy hemos ganado comodidad pero perdido algo más importante?
¿Puede una obra de arte ayudarnos a superar una ruptura amorosa?
Pablo Ortiz de Zárate sostiene que existe un cuadro para cada tipo de dolor y que el arte puede convertirse en una herramienta para comprender y gestionar el desamor.
El cuadro “Venus y Adonis” de Tiziano es el claro ejemplo de amar sin ser correspondido. La escena muestra a Venus suplicando amor a alguien que no la quiere, enseñándonos una valiosa lección; el amor no se puede mendigar.
Esta obra no es solo una enseñanza, sino también consuelo para quien sufre. Nos recuerda que incluso figuras ideales cometen errores emocionales y que, al reconocernos en ellas, podemos dejar de castigarnos, entender lo que sentimos y empezar a soltar aquello que no depende de nosotros.
Lili Boulanger fue una compositora francesa nacida en 1893 y fallecida muy joven en 1918, considerada una de las grandes promesas de la música del siglo XX.
Desde niña mostró un talento excepcional y tocaba varios instrumentos, entre ellos piano, órgano, violín, violonchelo y arpa.
Su salud fue frágil durante casi toda su vida, con problemas respiratorios e intestinales que la obligaron a trabajar a menudo con interrupciones y a estudiar en casa con frecuencia.
Fue una pionera histórica, porque abrió una puerta simbólica para las mujeres compositoras al ganar el Prix de Rome, un premio que hasta entonces había estado prácticamente reservado a hombres.
Su figura suele verse hoy como ejemplo de talento truncado, pero también de enorme fuerza creativa en condiciones muy adversas.
Lili Boulanger se enfrentó a un entorno musical dominado por hombres, donde las compositoras tenían menos visibilidad, menos apoyo institucional y menos oportunidades de reconocimiento.
Ganar el Prix de Rome fue excepcional precisamente porque rompió una barrera muy fuerte para las mujeres en la música académica francesa.
Además, su obra fue recibida durante mucho tiempo más como una “excepción femenina”
Entre sus composiciones más conocidas destacan estas:
Faust et Hélène (1913), la cantata con la que ganó el Prix de Rome.
Pie Jesu (1918), una de sus piezas más interpretadas.
El Dr. Mauricio González Arias, médico reconocido por su enfoque en salud integral y educación médica, aborda el tema de la menopausia desde una perspectiva clara y actualizada.
El doctor explica que la menopausia es definida médicamente como 12 meses sin menstruación, periodo en el que los ovarios dejan de producir estrógenos.
Subraya que los estrógenos no solo están relacionados con la reproducción, sino que tienen receptores en el cerebro, vasos sanguíneos y otros órganos, por lo que su disminución impacta en varios sistemas del cuerpo.
La catedral de Sevilla alberga La Gamba, una obra excepcional del artista Luis de Vargas, fechada en 1561.
Esta alegoría de la Inmaculada Concepción fue encargada por el chantre don Juan de Medina y adorada por artistas como Mateo Pérez de Alexio, quien envidiaba la calidad artística de la obra.
En este retablo, Adán y Eva se sitúan en el centro, rodeados de personajes bíblicos como Samuel, Abraham y María, la nueva Eva.
Con referencias teológicas profundas, La Gamba simboliza la dualidad del pecado y la redención a través de Cristo, ofreciendo un mensaje espiritual impactante que resuena a lo largo de los siglos.
¿RECUERDAS COMO TE SENTÍAS AL ENTRAR EN EL CORTE INGLES, HACE AÑOS?
Hubo un tiempo en que El Corte Inglés no era solo una tienda… era una experiencia.
Antes de Amazon, antes de los centros comerciales modernos, era el lugar donde España aprendió lo que significaba consumir.
No ibas solo a comprar. Ibas a pasear, a mirar, a sentir que formabas parte de algo más grande.
Calidad, confianza y la sensación de que todo lo que necesitabas estaba ahí, bajo un mismo techo.
Este video explora cómo ese gigante dejó de tener sentido sin llegar a desaparecer. Desde la llegada de los centros comerciales hasta el impacto del comercio online, El Corte Inglés no cayó de golpe… simplemente dejó de ser necesario.
Porque a veces, lo que muere no es la empresa… es lo que representaba.
El 9 de abril de 1932 nacde en Tennessee Carl Perkins, cantante estadounidense pionero del rockabilly, una mezcla de rhythm and blues y música country, que inició su carrera con Sun Records en Memphis al comienzo de los años 1950. Su mayor éxito, "Blue Suede Shoes" ("Zapatos de gamuza azules"), lanzada en 1956 por Sun Records, alcanzó el nº2 en listas pop, country y R&B en EE.UU., vendiendo un millón de copias y convirtiéndose en un himno del rock and roll temprano.
Sin embargo, un accidente de coche poco después impidió que Perkins promocionara el hit, permitiendo que la versión de Elvis lo eclipsara temporalmente, aunque su legado como compositor perduró.
Los "zapatos de gamuza azules" simbolizaban lujo y estatus en el sur de EE.UU. de los 50, delicados y caros, elevados por Perkins a icono cultural del rock.
Y no podemos desaprovechar la ocasión de escuchar estos Zapatos de Ante Azul, en la versión que los hicieron famosos en España, con los Teen Tops.
El 9 de abril de 1906 nace en Budapest Antal Dorati, director de orquesta estadounidense de origen húngaro.
Obtuvo la ciudadanía estadounidense en 1947. Recibió la Orden del Imperio Británico.
En 1937 apareció por primera vez en los Estados Unidos al frente de la Orquesta Sinfónica Nacional de Washington, orquesta que dirigiría posteriormente durante siete años (1970-77).
Tras su compromiso en diversas orquestas estadounidenses retornó a Europa para estudiar música barroca, al tiempo que dirigía en los principales coliseos operísticos europeos.
En 1963 Doráti fue nombrado director de la Orquesta Sinfónica de la BBC por tres años.
Todas sus formaciones lograron alcanzar un magnífico nivel artístico y técnico gracias a la labor de Doráti, siendo nombrado director honorífico de todas ellas.
Para quien redacta esta nota, su nombre siempre estará unido a un antiguo LP 4 Phases Stereo de Decca de su discoteca, con una espectacular portada, y dirigiendo la New Philarmonie Orchestra con la Sinfonía del Nuevo Mundo.
El 8 de abril de 1848 fallece en Bérgamo Gaetano Donizetti, compositor dramático italiano muy prolífico, conocido por sus óperas El elixir de amor, Lucía de Lammermoor, Don Pasquale, La hija del regimiento y La favorita.
Aunque su repertorio de compositor abarca un gran número de géneros, incluida la música religiosa, cuartetos de cuerda y obras orquestales, es sobre todo conocido por su obra lírica, componiendo hasta 75 óperas.
Nosotros tenemos la suerte de contar entre nuestros amigos, siendo además Socio de Honor de la Asociación Sevillana de Amigos de la Ópera (ASAO), al maestro Pierangelo Pelucchi, quien entre otras muchas cosas dentro del mundo Donizettiano, del que es un experto, es el autor de revisiones críticas de óperas claves como María Padilla, Alfredo el Grande, Rey de los anglosajones (no representada en la época moderna), así como colaboró de forma decisiva para que en Sevilla, pudieramos disfrutar de esa otra ópera, Alahor en Granada, producida por el Teatro de la Maestranza en el año 1998, y que los aficionados reclamamos su reposición en nuestra ciudad, transcurridos ya muchos años desde aquel gran éxito.
Y al margen de su producción operística, no podemos olvidar otras importantes composiciones, al margen de la lírica, tal como hemos indicado anteriormente, como la Gran Misa de Requiem, que el propio maestro Pelucchi dirigió en el Teatro Donizetti de Bérgamo y que nos revela su influencia operística, dentro de su aire sacro.
Hoy, en que se cumplen 178 años del fallecimiento del maestro, sería un magnífico momento para volver a disfrutar de l'elisir d'Amore y de profundizar o al menos conocer ese magnífico Requiem.
El 8 de abril de 1929 nace Jacques Brel cantautor belga de habla francesa.
Sus canciones son reconocidas por la poesía y sinceridad de sus letras.
Tal vez su canción más internacional sea Ne me quitte pas , una de las canciones de amor y desamor más icónicas y desgarradoras de la historia de la música francesa.
Su importancia radica en la intensidad visceral con la quese aborda la desesperación, la sumisión y la fragilidad masculina ante la pérdida de su amada.
El 8 de abril de 1921 nace en Ancona Franco Corelli, tenor italiano, activo entre 1950 y 1976.
Sobresalió por poseer una técnica única, admirada por muchos y criticada por otros, y una enorme potencia vocal, que sin embargo le permitía realizar diminuendos sorprendentes.
Su atractivo físico y la brillantez de su voz le llevaron a ser uno de los tenores más populares de la posguerra.
Su carrera tuvo una larga y fructífera relación profesional con el Metropolitan Opera House de Nueva York entre 1961 y 1975. También incursionó en los más importantes escenarios de ópera en Europa.
El 8 de abril de 1692 nace en Istria Giusepe Tartini, músico italiano, violinista, compositor y estudioso de la música de su tiempo (Barroco). Fue uno de los mayores virtuosos del violín de su época; sus innovaciones en el estudio del violín solo fueron superadas con la llegada de Niccolò Paganini.
La Sonata para violín en sol menor, más conocida como “El Trino del Diablo” o “La Sonata del Diablo”, es una obra para violín solo (con acompañamiento de bajo continuo) encontrada como uno de los trabajos brillantes de Tartini, quien la compuso a raíz de un supuesto encuentro con el Diablo, como le contó al astrónomo francés Jérôme Lalande.
“Una noche, en 1713, soñé que había hecho un pacto con el Diablo y estaba a mis órdenes. Todo me salía maravillosamente bien, todos mis deseos eran anticipados y satisfechos con creces por mi nuevo sirviente. Ocurrió que, en un momento dado, le di mi violín y lo desafié a que tocara para mí alguna pieza romántica. Mi asombro fue enorme cuando lo escuché tocar, con gran bravura e inteligencia, una sonata tan singular y romántica como nunca antes había oído. Tal fue mi maravilla, éxtasis y deleite que quedé pasmado y una violenta emoción me despertó. Inmediatamente tomé mi violín deseando recordar al menos una parte de lo que recién había escuchado, pero fue en vano. La sonata que compuse entonces es, por lejos, la mejor que jamás he escrito y aún la llamo “La sonata del Diablo”, pero resultó tan inferior a lo que había oído en el sueño que me hubiera gustado romper mi violín en pedazos y abandonar la música para siempre.
El 8 de abril de 1876, se estrena en la Scala de Milán, La Gioconda, ópera con música de Amilcare Ponchielly y libreto de Arrigo Boito.
Ponchielli, durante las pruebas, se declaró muy satisfecho por los intérpretes, en particular del bajo Maini y del tenor español Julián Gayarre.
Esta ópera se representa poco; en las estadísticas de Operabase aparece la n.º 152 de las óperas representadas en 2005-2010, siendo la 47.ª en Italia
De complicada ejecución esta ópera requiere seis solistas con partes muy difíciles: soprano, mezzo, contralto, barítono, tenor y bajo. Cada una de estas voces tiene un aria de lucimiento, entre las que destacan Voce di donna, interpretado por la ciega (acto I); O monumento, Barnaba (acto I); Cielo e mar!, Enzo (acto II); Stella del marinar!, Laura (acto II); y la célebre Suicidio, que canta Gioconda en el cuarto acto.
Además es muy conocida la parte de ballet llamada Danza de las horas.
El Día Internacional del Pueblo Gitano se conmemora el 8 de abril.
Esta fecha recuerda el Primer Congreso Mundial romaní/gitano celebrado en Londres el 8 de abril de 1971 en el que se instituyó la bandera y el himno gitano.
La primera referencia documentada sitúa la llegada del pueblo gitano a la Península Ibérica el 12 de enero de 1425, con un salvoconducto de Alfonso V de Aragón.
Desde finales del siglo XV, la política cambió hacia la coerción: se exigió sedentarización, adopción de oficios y abandono de formas de vida propias, con numerosas pragmáticas represivas a lo largo de los siglos siguientes.
Nuestra Constitución de 1978 fue un hito porque reforzó la igualdad jurídica y abrió el camino a un movimiento asociativo gitano más fuerte.
La adaptación en España resulta evidente en la cultura: el pueblo gitano ha dejado una huella profunda en el flamenco, la oralidad, la música y ciertas formas de sociabilidad en España.
Esa aportación cultural convive con una historia de estereotipos y discriminación que todavía influye en su realidad social y contra lo que todos hemos de luchar.
La Sinfonía n.º 4 en mi bemol mayor de Anton Bruckner, conocida como “Romántica” (Die Romantische), es una de sus obras más famosas.
El primer movimiento Comienza de la Nada, con un trémolo muy suave, casi impercentible, de las cuerdas, del que surge la trompa sobre pianisimo, y que se interpreta como el nacimiento del mundo o la salida de la oscuridad, con un tema que se repite, si bien modificado, en la coda final, con un cierre realmente grandioso y misterioso.
Hemos querido escuchar y sugerir esta sinfonía, al estar disponible una excelente grabación, realizada el pasado Noviembre de 2025 por la Orquesta de Paris, en el excelente teatro de la Philarmonie de Paris, y dirigida por Esa-Pekka Salonen y con dos extraordinarias voces.
Hubo un tiempo en que en España casi todo el mundo estaba delgado… y no era por eleccióN.
Mira cualquier foto de una playa en los años 70: cuerpos delgados, sin esfuerzo, sin dietas. Pero no era genética, ni deporte, ni disciplina. Era algo mucho más simple… y mucho más duro.
Un país que aún vivía cerca de la escasez, donde la comida era limitada y el movimiento era obligatorio para sobrevivir.
Este video explica qué cambió realmente: del hambre controlada al exceso, del trabajo físico al sedentarismo, de la comida escasa a la abundancia constante.
Porque el cambio no fue pequeño… fue una transformación total de cómo vivía, comía y se movía toda una sociedad.
Porque cuando cambia la forma de vivir… el cuerpo cambia con ella.
Cécile Chaminade fue una destacada pianista y compositora francesa del siglo XIX y XX. Nació el 8 de agosto de 1857 en París y falleció el 13 de abril de 1944 en Montecarlo.
Debutó en concierto a los 18 años y realizó giras exitosas por Francia, Inglaterra (donde fue invitada de la reina Victoria desde 1892) y Estados Unidos en 1908.
Enfrentó barreras de género típicas de la época: su padre consideraba que el rol de la mujer era ser madre y esposa, negándole acceso al conservatorio y su ambiente formativo. Tras la muerte de su padre en 1887, heredó problemas económicos que la obligaron a componer obras ligeras y comerciales para salones, abandonando en parte la "música seria".
Fue pionera al vivir profesionalmente de la composición en un mundo dominado por hombres, donde las mujeres solo eran aceptadas como intérpretes domésticas; ella misma reflexionó: "la vida ha sido dura para las mujeres; no se les ha dado oportunidad". A los 8 años ya escribía música religiosa; George Bizet la llamó "mi pequeño Mozart". Fue la primera mujer en sostenerse económicamente de la venta de partituras. Un crítico dijo: "No es una mujer que compone, sino un compositor que es mujer", destacando su talento excepcional pese a los prejuicios.
Y para ilustrar musicalmente a nuestra protagonista de hoy, recurrimos a nuestra admirada amiga, la excelente pianista malagueña Margarita Dominguez, quien con su último Diálogo con Diotima cerró el Ciclo de forma tan brillante, con estas palabras y el Otoño.
Chaminade, prodigiosa, valiente y talentosa, cuya música es buen ejemplo de ello, en un otoño que bien puede profetizar aquellos psajes detallados y únicos proutsianos en los que se para el tiempo y que profundizan en la esencia de nuestro Ser. Una compositora que como Wieck, como Carreño y muchas otras, cultivaron un talente musical que les permitió vivir de su arte, y dialogar por aquen entonces y ahora, aquí, de nuevo, en igualda. (Margarita Dominguez El Canto de Diotima)
Tras la excepcional Semana Santa que hemos tenido ocasión de vivir, Sevilla se prepara para otra de sus grandes citas anuales con las Alegría, la Luz y el Color de su Feria, que se inaugurará ofricialmente el día 21 de Abril en la media noche, con el previo Lunes del Pescaito del día 20.
Y, aunque alguien no muy puesto en estas cosas nos pueda tachar de "clasistas", en la Feria de Sevilla hay un estilo, un protocolo y un saber estar que no se improvisa no teniendo sitio quien no quiera entenderlo y aceptarlo.
Quien va como si fuese a una verbena, mejor que se quede en su lugar de origen, y lo primero que hay que tener en cuenta es que las "Casetas son privada", y por tanto sus dueños están en su derecho de poner sus condiciones, comenzando con el acceso. "ES SU CASA EN LA FERIA".
Para gente ajena a los círculos sevillanos, lo más sensato es disfrutar de las casetas públicas (municipales, políticas, sindicales) o acudir acompañado por alguien que conozca y dejarse aconsejar por él.
El 7 de abril de 1858 fallece en Viena Anton Diabelli, músico austriaco, pianista y compositor, además de editor de música y profesor de piano y guitarra.
Más conocido en su tiempo como editor, nos es conocido hoy en día por ser el compositor del vals sobre el que Ludwig van Beethoven escribió sus 33 Variaciones "Diabelli", proponiendo eseuchar la primera de ellas.
El 7 de abril de 1915 nace en Filadelfia Billie Holiday, apodada Lady Day, cantante estadounidense de jazz, considerada una de las tres voces femeninas más importantes e influyentes de este género musical, junto con Sarah Vaughan y Ella Fitzgerald.
Holiday tuvo un problema de adicción a las drogas psicoactiva, usándolas durante casi toda su vida. Fumaba marihuana desde los doce o trece años de edad. Sin embargo, fue la heroína la droga que la destruyó. No está claro quién fue el que introdujo a Holiday en el mundo de las drogas, pero historiadores y fuentes contemporáneas coinciden en que comenzó a consumir intravenosas de manera abusiva, alrededor de 1940.
Incluso después de su muerte, tuvo influencia sobre cantantes tales como Janis Joplin, Nina Simone, Mariah Carey y Amy Winehouse.
En 1972, Diana Ross actuó para la película Lady Sings the Blues, basada en la obra autobiográfica de Holiday. La película fue todo un éxito comercial además de ganar la nominación a mejor actriz para Ross.
Tu abuelo no tenía más dinero… pero tenía una vida más completa.
Vivía en un entorno donde todo tenía sentido. La comida no venía de una estantería, venía de la tierra. El aire no estaba contaminado, era parte del paisaje. Y las personas no eran desconocidos… eran parte de una red que sostenía cada aspecto de la vida diaria.
En este video no hablamos de nostalgia vacía, sino de una comparación real entre dos modelos de vida. Uno basado en comunidad, espacio, propósito y conexión con la naturaleza. Y otro basado en velocidad, consumo, aislamiento y dependencia total de un sistema que no siempre funciona a tu favor.
¿Qué ganamos al mudarnos a la ciudad? ¿Y qué perdimos sin darnos cuenta?
Porque el verdadero problema no es que la vida haya cambiado… es que aceptamos ese cambio sin cuestionarlo.
Y cuando empiezas a mirar los detalles —la comida, el aire, el espacio, las relaciones— todo empieza a encajar de una forma incómoda.
Pauline Viardot‑García (1821–1910) fue una cantante de ópera, compositora, pianista y pedagoga francesa de origen español, nacida en París en el seno de la célebre familia García‑Malibran. Hija del tenor Manuel García y hermana de la diva Maria Malibran, cultivó una cartera internacional como mezzosoprano y dejó un importante legado de composiciones, en un contexto especialmente adverso para las mujeres compositoras del siglo XIX.
Pauline visitó España solo una vez, en 1842, cuando ya tenía una carrera consolidada en París y Londres. En esa gira interpretó en Madrid obras como El barbero de Sevilla y Otelo, y luego viajó a Andalucía, con estancias en Granada y Sevilla, mostrando un vivo interés por la cultura andaluza y la tierra de su padre.
Aunque no se estableció en España, su vínculo con Sevilla y Andalucía aparece reiterado como una referencia identitaria y emocional en su itinerario artístico europeo.
En el siglo XIX, las compositoras enfrentaban obstáculos estructurales: formación limitada, acceso restringido a instituciones musicales oficiales, escasa crítica seria y prejuicios de género que reducían su actividad a “salón” o “afición femenina”.
Viardot, a pesar de su fama como cantante, tuvo que moverse en circuitos semi‑privados (salones, teatros de cámara, ediciones de gabinete) para que sus óperas de salón y melodías fueran escuchadas y publicadas, en vez de los grandes teatros de ópera, dominados por hombres.
Su figura compositiva haa sido reivindicada en gran medida en el siglo XX‑XXI.
Entre las obras más valoradas destacan:
las óperas de salón (o “operetas de salón”) Le Dernier Sorcier (Le diable boîteux), Le conte de fées, Cendrillon y L’Ogre, todas escritas para pequeños formatos escénicos, a menudo con libreto de Iván Turguénev, su compañero afectivo.
Poponemos disfrutar del trailer de su ópera Cendrillon, así como dos canciones interpretadas por personas muy queridas para nosotros y para la ASAO.
El maestro Curro Soriano, la soprano Natalia Labourdette y la Mezzo porruguesa Helena Resurreiçao.
Pérez‑Reverte ha contado en alguna entrevista, que el origen inmediato del personaje fue cuando hojeó el libro de texto de historia de su hija Carlota, entonces de unos 12 años, y vio que el Siglo de Oro y la España del siglo XVII quedaban reducidos a unas cuantas líneas anodinas.
Esa visión “raquítica” de una época en la que España fue potencia militar, política y cultural le irritó, y decidió escribir una historia que devolviera a su hija ese mundo complejo y fascinante.
Pérez‑Reverte no inventó Alatriste de la nada: se inspiró en memorias de soldados reales, especialmente en el capitán Alonso de Contreras y en otros cronistas de Tercios como Jerónimo de Pasamonte o Diego Duque de Estrada.
Además, confiesa que la sombra de Quevedo y, en menor medida, la melancolía cervantina, marcan la mirada cínica‑heroica del personaje: un hombre de honor militar que vive en una España gloriosa y a la vez infame, cruel y melancólica.
Veamos quien fue en la realidad ese Capitán Alonso de Contreras, mucho antes de convertirse en Alatriste.
Y esto nos trae a la memoría, y más aún con la imagen de nuestra "Madrugá" sevillana, esa gran escena en la Batalla de Rocroi se mezcla con la marcha procesional del maestro Abel Moreno y la Mítica Frase.
Los olores llegan directamente al cerebro emocional sin pasar por filtros, lo que permite que un simple aroma desencadene recuerdos intensos y prácticamente automáticos.
A través de ejemplos y experiencias reales, descubrimos cómo un olor puede reconstruir escenas completas del pasado.
No recordamos solo el aroma, sino el momento y las emociones asociadas. Este fenómeno, conocido como el efecto magdalena de Proust, demuestra su enorme conexión con la memoria.
Incluso en casos como el Alzheimer, los olores pueden despertar recuerdos aparentemente perdidos.
Un aroma concreto puede reactivar vivencias profundas y generar una respuesta emocional inmediata, revelando el enorme poder del olfato para transportarnos en el tiempo.
Y esto nos recuerda la ópera Fidelio de Beethoven, y el aria del calabozo, donde Florestan describe la
visión angelical de su esposa Leonora: "Veo como un ángel con olor a rosas, situarse junto a mí, consolador".
Este aroma representa libertad, amor conyugal y redención, contrastando con la opresión sensorial de la prisión, y subraya el poder evocador de los olores para la memoria y la supervivencia emocional.
6 abril 1965. Elvis Presley graba el tema Crying In The Chapel
No obstante, la realidad es que la versión de Elvis se grabó el 31 de octubre de 1960 en los RCA Nashville Studio B, dentro de las sesiones del álbum gospel His Hand In Mine.
La canción fue concebida inicialmente para ese álbum, pero se archivó porque ni Elvis ni el grupo de coros The Jordanaires quedaron satisfechos con las tres tomas que hicieron.
El tema resurgió como single de Pascua en 1965, lanzado el 6 de Abril de ese año en la Gold Standard Series de RCA, pensado para explotar el interés por la música religiosa en esa época del año y tanto fue el éxito que lideró durante siete semanas la lista en EE.UU y en el Reino Unido fue número 1 en dos semanas no consecutivas, siendo el sencillo más exitoso de Elvis desde “Return to Sender”
6 abril 1974. ABBA gana el festival de Eurovision con la canción Waterloo, dando comienzo a su carrera repleta de éxitos.
“Waterloo” fue la primera canción claramente de estilo pop puro que ganaba Eurovisión, rompiendo con la tradición de baladas y canciones más “euro‑melodía”.
Suecia nunca había ganado el certamen; ABBA abrió la puerta para convertir al país en una potencia eurovisiva
ABBA viene de las iniciales de sus miembros: Agnetha Fältskog, Benny Andersson, Björn Ulvaeus y Anni‑Frid Lyngstad.
Tras ganar Eurovisión, ABBA se convirtió en uno de los grupos más exitosos de la historia, con éxitos como “Dancing Queen”, “Mamma Mia”, “Voulez‑vous” y “Chiquitita”.
El 5 de abril de 1912 nace en Santa Fe Carlos Guastavino, compositor y pianista argentino, considerado uno de los más destacados de su pais.
Su producción ascendió a más de 500 obras, la mayoría de ellas canciones para piano y voz, muchas aún inéditas.
Sus composiciones estuvieron claramente influenciadas por la música folclórica argentina.
Su reputación se basó casi exclusivamente en sus canciones, y Guastavino ha sido a veces llamado "el Schubert de las Pampas".
Algunas de sus canciones, por ejemplo, Pueblito, mi pueblo, La rosa y el sauce y Se equivocó la paloma, se convirtieron en favoritas nacionales.
A diferencia de la mayoría de los demás compositores, en cualquier momento y lugar, Guastavino obtuvo suficientes ingresos por regalías y derechos de interpretación como para no necesitar otros ingresos
El 5 de abril de 1908 nace en Salzburgo Herbert von Karajan, director de orquesta austríaco, uno de los más afamados de la historia, y el artista discográfico de música clásica con las mayores ventas de todos los tiempos.
Sobre todo es conocido por haber sido el director titular de la Orquesta Filarmónica de Berlín durante treinta y cinco años, desde 1954 hasta su muerte.
El arte de dirigir consiste en saber cuándo dejar la batuta para no molestar a la orquesta.
(Herbert von Karajan.)
Karajan tuvo un papel importante en el desarrollo del formato original del disco compacto (alrededor de 1980). Apoyó esta nueva tecnología de grabación y apareció en la primera conferencia de prensa que anunció el formato.
Los primeros prototipos de CD tenían una duración limitada apenas a sesenta minutos y a menudo se afirma que se amplió hasta los 74 minutos a instancias de Karajan, para que así cupiera en un solo disco la Sinfonía n.º 9 de Beethoven. Sin embargo, los inventores del CD niegan este hecho. Fue él quien grabó el primer CD comercializado y la obra que tuvo el honor de ser registrada en la ocasión fue la Sinfonía Alpina, de Richard Strauss.
