¿Puede una obra de arte ayudarnos a superar una ruptura amorosa?
Pablo Ortiz de Zárate sostiene que existe un cuadro para cada tipo de dolor y que el arte puede convertirse en una herramienta para comprender y gestionar el desamor.
El cuadro “Venus y Adonis” de Tiziano es el claro ejemplo de amar sin ser correspondido. La escena muestra a Venus suplicando amor a alguien que no la quiere, enseñándonos una valiosa lección; el amor no se puede mendigar.
Esta obra no es solo una enseñanza, sino también consuelo para quien sufre. Nos recuerda que incluso figuras ideales cometen errores emocionales y que, al reconocernos en ellas, podemos dejar de castigarnos, entender lo que sentimos y empezar a soltar aquello que no depende de nosotros.
Lili Boulanger fue una compositora francesa nacida en 1893 y fallecida muy joven en 1918, considerada una de las grandes promesas de la música del siglo XX.
Desde niña mostró un talento excepcional y tocaba varios instrumentos, entre ellos piano, órgano, violín, violonchelo y arpa.
Su salud fue frágil durante casi toda su vida, con problemas respiratorios e intestinales que la obligaron a trabajar a menudo con interrupciones y a estudiar en casa con frecuencia.
Fue una pionera histórica, porque abrió una puerta simbólica para las mujeres compositoras al ganar el Prix de Rome, un premio que hasta entonces había estado prácticamente reservado a hombres.
Su figura suele verse hoy como ejemplo de talento truncado, pero también de enorme fuerza creativa en condiciones muy adversas.
Lili Boulanger se enfrentó a un entorno musical dominado por hombres, donde las compositoras tenían menos visibilidad, menos apoyo institucional y menos oportunidades de reconocimiento.
Ganar el Prix de Rome fue excepcional precisamente porque rompió una barrera muy fuerte para las mujeres en la música académica francesa.
Además, su obra fue recibida durante mucho tiempo más como una “excepción femenina”
Entre sus composiciones más conocidas destacan estas:
Faust et Hélène (1913), la cantata con la que ganó el Prix de Rome.
Pie Jesu (1918), una de sus piezas más interpretadas.
El Dr. Mauricio González Arias, médico reconocido por su enfoque en salud integral y educación médica, aborda el tema de la menopausia desde una perspectiva clara y actualizada.
El doctor explica que la menopausia es definida médicamente como 12 meses sin menstruación, periodo en el que los ovarios dejan de producir estrógenos.
Subraya que los estrógenos no solo están relacionados con la reproducción, sino que tienen receptores en el cerebro, vasos sanguíneos y otros órganos, por lo que su disminución impacta en varios sistemas del cuerpo.
La catedral de Sevilla alberga La Gamba, una obra excepcional del artista Luis de Vargas, fechada en 1561.
Esta alegoría de la Inmaculada Concepción fue encargada por el chantre don Juan de Medina y adorada por artistas como Mateo Pérez de Alexio, quien envidiaba la calidad artística de la obra.
En este retablo, Adán y Eva se sitúan en el centro, rodeados de personajes bíblicos como Samuel, Abraham y María, la nueva Eva.
Con referencias teológicas profundas, La Gamba simboliza la dualidad del pecado y la redención a través de Cristo, ofreciendo un mensaje espiritual impactante que resuena a lo largo de los siglos.
¿RECUERDAS COMO TE SENTÍAS AL ENTRAR EN EL CORTE INGLES, HACE AÑOS?
Hubo un tiempo en que El Corte Inglés no era solo una tienda… era una experiencia.
Antes de Amazon, antes de los centros comerciales modernos, era el lugar donde España aprendió lo que significaba consumir.
No ibas solo a comprar. Ibas a pasear, a mirar, a sentir que formabas parte de algo más grande.
Calidad, confianza y la sensación de que todo lo que necesitabas estaba ahí, bajo un mismo techo.
Este video explora cómo ese gigante dejó de tener sentido sin llegar a desaparecer. Desde la llegada de los centros comerciales hasta el impacto del comercio online, El Corte Inglés no cayó de golpe… simplemente dejó de ser necesario.
Porque a veces, lo que muere no es la empresa… es lo que representaba.
El 9 de abril de 1932 nacde en Tennessee Carl Perkins, cantante estadounidense pionero del rockabilly, una mezcla de rhythm and blues y música country, que inició su carrera con Sun Records en Memphis al comienzo de los años 1950. Su mayor éxito, "Blue Suede Shoes" ("Zapatos de gamuza azules"), lanzada en 1956 por Sun Records, alcanzó el nº2 en listas pop, country y R&B en EE.UU., vendiendo un millón de copias y convirtiéndose en un himno del rock and roll temprano.
Sin embargo, un accidente de coche poco después impidió que Perkins promocionara el hit, permitiendo que la versión de Elvis lo eclipsara temporalmente, aunque su legado como compositor perduró.
Los "zapatos de gamuza azules" simbolizaban lujo y estatus en el sur de EE.UU. de los 50, delicados y caros, elevados por Perkins a icono cultural del rock.
Y no podemos desaprovechar la ocasión de escuchar estos Zapatos de Ante Azul, en la versión que los hicieron famosos en España, con los Teen Tops.
El 9 de abril de 1906 nace en Budapest Antal Dorati, director de orquesta estadounidense de origen húngaro.
Obtuvo la ciudadanía estadounidense en 1947. Recibió la Orden del Imperio Británico.
En 1937 apareció por primera vez en los Estados Unidos al frente de la Orquesta Sinfónica Nacional de Washington, orquesta que dirigiría posteriormente durante siete años (1970-77).
Tras su compromiso en diversas orquestas estadounidenses retornó a Europa para estudiar música barroca, al tiempo que dirigía en los principales coliseos operísticos europeos.
En 1963 Doráti fue nombrado director de la Orquesta Sinfónica de la BBC por tres años.
Todas sus formaciones lograron alcanzar un magnífico nivel artístico y técnico gracias a la labor de Doráti, siendo nombrado director honorífico de todas ellas.
Para quien redacta esta nota, su nombre siempre estará unido a un antiguo LP 4 Phases Stereo de Decca de su discoteca, con una espectacular portada, y dirigiendo la New Philarmonie Orchestra con la Sinfonía del Nuevo Mundo.
El 8 de abril de 1848 fallece en Bérgamo Gaetano Donizetti, compositor dramático italiano muy prolífico, conocido por sus óperas El elixir de amor, Lucía de Lammermoor, Don Pasquale, La hija del regimiento y La favorita.
Aunque su repertorio de compositor abarca un gran número de géneros, incluida la música religiosa, cuartetos de cuerda y obras orquestales, es sobre todo conocido por su obra lírica, componiendo hasta 75 óperas.
Nosotros tenemos la suerte de contar entre nuestros amigos, siendo además Socio de Honor de la Asociación Sevillana de Amigos de la Ópera (ASAO), al maestro Pierangelo Pelucchi, quien entre otras muchas cosas dentro del mundo Donizettiano, del que es un experto, es el autor de revisiones críticas de óperas claves como María Padilla, Alfredo el Grande, Rey de los anglosajones (no representada en la época moderna), así como colaboró de forma decisiva para que en Sevilla, pudieramos disfrutar de esa otra ópera, Alahor en Granada, producida por el Teatro de la Maestranza en el año 1998, y que los aficionados reclamamos su reposición en nuestra ciudad, transcurridos ya muchos años desde aquel gran éxito.
Y al margen de su producción operística, no podemos olvidar otras importantes composiciones, al margen de la lírica, tal como hemos indicado anteriormente, como la Gran Misa de Requiem, que el propio maestro Pelucchi dirigió en el Teatro Donizetti de Bérgamo y que nos revela su influencia operística, dentro de su aire sacro.
Hoy, en que se cumplen 178 años del fallecimiento del maestro, sería un magnífico momento para volver a disfrutar de l'elisir d'Amore y de profundizar o al menos conocer ese magnífico Requiem.
El 8 de abril de 1929 nace Jacques Brel cantautor belga de habla francesa.
Sus canciones son reconocidas por la poesía y sinceridad de sus letras.
Tal vez su canción más internacional sea Ne me quitte pas , una de las canciones de amor y desamor más icónicas y desgarradoras de la historia de la música francesa.
Su importancia radica en la intensidad visceral con la quese aborda la desesperación, la sumisión y la fragilidad masculina ante la pérdida de su amada.
El 8 de abril de 1921 nace en Ancona Franco Corelli, tenor italiano, activo entre 1950 y 1976.
Sobresalió por poseer una técnica única, admirada por muchos y criticada por otros, y una enorme potencia vocal, que sin embargo le permitía realizar diminuendos sorprendentes.
Su atractivo físico y la brillantez de su voz le llevaron a ser uno de los tenores más populares de la posguerra.
Su carrera tuvo una larga y fructífera relación profesional con el Metropolitan Opera House de Nueva York entre 1961 y 1975. También incursionó en los más importantes escenarios de ópera en Europa.
El 8 de abril de 1692 nace en Istria Giusepe Tartini, músico italiano, violinista, compositor y estudioso de la música de su tiempo (Barroco). Fue uno de los mayores virtuosos del violín de su época; sus innovaciones en el estudio del violín solo fueron superadas con la llegada de Niccolò Paganini.
La Sonata para violín en sol menor, más conocida como “El Trino del Diablo” o “La Sonata del Diablo”, es una obra para violín solo (con acompañamiento de bajo continuo) encontrada como uno de los trabajos brillantes de Tartini, quien la compuso a raíz de un supuesto encuentro con el Diablo, como le contó al astrónomo francés Jérôme Lalande.
“Una noche, en 1713, soñé que había hecho un pacto con el Diablo y estaba a mis órdenes. Todo me salía maravillosamente bien, todos mis deseos eran anticipados y satisfechos con creces por mi nuevo sirviente. Ocurrió que, en un momento dado, le di mi violín y lo desafié a que tocara para mí alguna pieza romántica. Mi asombro fue enorme cuando lo escuché tocar, con gran bravura e inteligencia, una sonata tan singular y romántica como nunca antes había oído. Tal fue mi maravilla, éxtasis y deleite que quedé pasmado y una violenta emoción me despertó. Inmediatamente tomé mi violín deseando recordar al menos una parte de lo que recién había escuchado, pero fue en vano. La sonata que compuse entonces es, por lejos, la mejor que jamás he escrito y aún la llamo “La sonata del Diablo”, pero resultó tan inferior a lo que había oído en el sueño que me hubiera gustado romper mi violín en pedazos y abandonar la música para siempre.
El 8 de abril de 1876, se estrena en la Scala de Milán, La Gioconda, ópera con música de Amilcare Ponchielly y libreto de Arrigo Boito.
Ponchielli, durante las pruebas, se declaró muy satisfecho por los intérpretes, en particular del bajo Maini y del tenor español Julián Gayarre.
Esta ópera se representa poco; en las estadísticas de Operabase aparece la n.º 152 de las óperas representadas en 2005-2010, siendo la 47.ª en Italia
De complicada ejecución esta ópera requiere seis solistas con partes muy difíciles: soprano, mezzo, contralto, barítono, tenor y bajo. Cada una de estas voces tiene un aria de lucimiento, entre las que destacan Voce di donna, interpretado por la ciega (acto I); O monumento, Barnaba (acto I); Cielo e mar!, Enzo (acto II); Stella del marinar!, Laura (acto II); y la célebre Suicidio, que canta Gioconda en el cuarto acto.
Además es muy conocida la parte de ballet llamada Danza de las horas.
El Día Internacional del Pueblo Gitano se conmemora el 8 de abril.
Esta fecha recuerda el Primer Congreso Mundial romaní/gitano celebrado en Londres el 8 de abril de 1971 en el que se instituyó la bandera y el himno gitano.
La primera referencia documentada sitúa la llegada del pueblo gitano a la Península Ibérica el 12 de enero de 1425, con un salvoconducto de Alfonso V de Aragón.
Desde finales del siglo XV, la política cambió hacia la coerción: se exigió sedentarización, adopción de oficios y abandono de formas de vida propias, con numerosas pragmáticas represivas a lo largo de los siglos siguientes.
Nuestra Constitución de 1978 fue un hito porque reforzó la igualdad jurídica y abrió el camino a un movimiento asociativo gitano más fuerte.
La adaptación en España resulta evidente en la cultura: el pueblo gitano ha dejado una huella profunda en el flamenco, la oralidad, la música y ciertas formas de sociabilidad en España.
Esa aportación cultural convive con una historia de estereotipos y discriminación que todavía influye en su realidad social y contra lo que todos hemos de luchar.
La Sinfonía n.º 4 en mi bemol mayor de Anton Bruckner, conocida como “Romántica” (Die Romantische), es una de sus obras más famosas.
El primer movimiento Comienza de la Nada, con un trémolo muy suave, casi impercentible, de las cuerdas, del que surge la trompa sobre pianisimo, y que se interpreta como el nacimiento del mundo o la salida de la oscuridad, con un tema que se repite, si bien modificado, en la coda final, con un cierre realmente grandioso y misterioso.
Hemos querido escuchar y sugerir esta sinfonía, al estar disponible una excelente grabación, realizada el pasado Noviembre de 2025 por la Orquesta de Paris, en el excelente teatro de la Philarmonie de Paris, y dirigida por Esa-Pekka Salonen y con dos extraordinarias voces.
Hubo un tiempo en que en España casi todo el mundo estaba delgado… y no era por eleccióN.
Mira cualquier foto de una playa en los años 70: cuerpos delgados, sin esfuerzo, sin dietas. Pero no era genética, ni deporte, ni disciplina. Era algo mucho más simple… y mucho más duro.
Un país que aún vivía cerca de la escasez, donde la comida era limitada y el movimiento era obligatorio para sobrevivir.
Este video explica qué cambió realmente: del hambre controlada al exceso, del trabajo físico al sedentarismo, de la comida escasa a la abundancia constante.
Porque el cambio no fue pequeño… fue una transformación total de cómo vivía, comía y se movía toda una sociedad.
Porque cuando cambia la forma de vivir… el cuerpo cambia con ella.
Cécile Chaminade fue una destacada pianista y compositora francesa del siglo XIX y XX. Nació el 8 de agosto de 1857 en París y falleció el 13 de abril de 1944 en Montecarlo.
Debutó en concierto a los 18 años y realizó giras exitosas por Francia, Inglaterra (donde fue invitada de la reina Victoria desde 1892) y Estados Unidos en 1908.
Enfrentó barreras de género típicas de la época: su padre consideraba que el rol de la mujer era ser madre y esposa, negándole acceso al conservatorio y su ambiente formativo. Tras la muerte de su padre en 1887, heredó problemas económicos que la obligaron a componer obras ligeras y comerciales para salones, abandonando en parte la "música seria".
Fue pionera al vivir profesionalmente de la composición en un mundo dominado por hombres, donde las mujeres solo eran aceptadas como intérpretes domésticas; ella misma reflexionó: "la vida ha sido dura para las mujeres; no se les ha dado oportunidad". A los 8 años ya escribía música religiosa; George Bizet la llamó "mi pequeño Mozart". Fue la primera mujer en sostenerse económicamente de la venta de partituras. Un crítico dijo: "No es una mujer que compone, sino un compositor que es mujer", destacando su talento excepcional pese a los prejuicios.
Y para ilustrar musicalmente a nuestra protagonista de hoy, recurrimos a nuestra admirada amiga, la excelente pianista malagueña Margarita Dominguez, quien con su último Diálogo con Diotima cerró el Ciclo de forma tan brillante, con estas palabras y el Otoño.
Chaminade, prodigiosa, valiente y talentosa, cuya música es buen ejemplo de ello, en un otoño que bien puede profetizar aquellos psajes detallados y únicos proutsianos en los que se para el tiempo y que profundizan en la esencia de nuestro Ser. Una compositora que como Wieck, como Carreño y muchas otras, cultivaron un talente musical que les permitió vivir de su arte, y dialogar por aquen entonces y ahora, aquí, de nuevo, en igualda. (Margarita Dominguez El Canto de Diotima)
Tras la excepcional Semana Santa que hemos tenido ocasión de vivir, Sevilla se prepara para otra de sus grandes citas anuales con las Alegría, la Luz y el Color de su Feria, que se inaugurará ofricialmente el día 21 de Abril en la media noche, con el previo Lunes del Pescaito del día 20.
Y, aunque alguien no muy puesto en estas cosas nos pueda tachar de "clasistas", en la Feria de Sevilla hay un estilo, un protocolo y un saber estar que no se improvisa no teniendo sitio quien no quiera entenderlo y aceptarlo.
Quien va como si fuese a una verbena, mejor que se quede en su lugar de origen, y lo primero que hay que tener en cuenta es que las "Casetas son privada", y por tanto sus dueños están en su derecho de poner sus condiciones, comenzando con el acceso. "ES SU CASA EN LA FERIA".
Para gente ajena a los círculos sevillanos, lo más sensato es disfrutar de las casetas públicas (municipales, políticas, sindicales) o acudir acompañado por alguien que conozca y dejarse aconsejar por él.
El 7 de abril de 1858 fallece en Viena Anton Diabelli, músico austriaco, pianista y compositor, además de editor de música y profesor de piano y guitarra.
Más conocido en su tiempo como editor, nos es conocido hoy en día por ser el compositor del vals sobre el que Ludwig van Beethoven escribió sus 33 Variaciones "Diabelli", proponiendo eseuchar la primera de ellas.
El 7 de abril de 1915 nace en Filadelfia Billie Holiday, apodada Lady Day, cantante estadounidense de jazz, considerada una de las tres voces femeninas más importantes e influyentes de este género musical, junto con Sarah Vaughan y Ella Fitzgerald.
Holiday tuvo un problema de adicción a las drogas psicoactiva, usándolas durante casi toda su vida. Fumaba marihuana desde los doce o trece años de edad. Sin embargo, fue la heroína la droga que la destruyó. No está claro quién fue el que introdujo a Holiday en el mundo de las drogas, pero historiadores y fuentes contemporáneas coinciden en que comenzó a consumir intravenosas de manera abusiva, alrededor de 1940.
Incluso después de su muerte, tuvo influencia sobre cantantes tales como Janis Joplin, Nina Simone, Mariah Carey y Amy Winehouse.
En 1972, Diana Ross actuó para la película Lady Sings the Blues, basada en la obra autobiográfica de Holiday. La película fue todo un éxito comercial además de ganar la nominación a mejor actriz para Ross.
Tu abuelo no tenía más dinero… pero tenía una vida más completa.
Vivía en un entorno donde todo tenía sentido. La comida no venía de una estantería, venía de la tierra. El aire no estaba contaminado, era parte del paisaje. Y las personas no eran desconocidos… eran parte de una red que sostenía cada aspecto de la vida diaria.
En este video no hablamos de nostalgia vacía, sino de una comparación real entre dos modelos de vida. Uno basado en comunidad, espacio, propósito y conexión con la naturaleza. Y otro basado en velocidad, consumo, aislamiento y dependencia total de un sistema que no siempre funciona a tu favor.
¿Qué ganamos al mudarnos a la ciudad? ¿Y qué perdimos sin darnos cuenta?
Porque el verdadero problema no es que la vida haya cambiado… es que aceptamos ese cambio sin cuestionarlo.
Y cuando empiezas a mirar los detalles —la comida, el aire, el espacio, las relaciones— todo empieza a encajar de una forma incómoda.
Pauline Viardot‑García (1821–1910) fue una cantante de ópera, compositora, pianista y pedagoga francesa de origen español, nacida en París en el seno de la célebre familia García‑Malibran. Hija del tenor Manuel García y hermana de la diva Maria Malibran, cultivó una cartera internacional como mezzosoprano y dejó un importante legado de composiciones, en un contexto especialmente adverso para las mujeres compositoras del siglo XIX.
Pauline visitó España solo una vez, en 1842, cuando ya tenía una carrera consolidada en París y Londres. En esa gira interpretó en Madrid obras como El barbero de Sevilla y Otelo, y luego viajó a Andalucía, con estancias en Granada y Sevilla, mostrando un vivo interés por la cultura andaluza y la tierra de su padre.
Aunque no se estableció en España, su vínculo con Sevilla y Andalucía aparece reiterado como una referencia identitaria y emocional en su itinerario artístico europeo.
En el siglo XIX, las compositoras enfrentaban obstáculos estructurales: formación limitada, acceso restringido a instituciones musicales oficiales, escasa crítica seria y prejuicios de género que reducían su actividad a “salón” o “afición femenina”.
Viardot, a pesar de su fama como cantante, tuvo que moverse en circuitos semi‑privados (salones, teatros de cámara, ediciones de gabinete) para que sus óperas de salón y melodías fueran escuchadas y publicadas, en vez de los grandes teatros de ópera, dominados por hombres.
Su figura compositiva haa sido reivindicada en gran medida en el siglo XX‑XXI.
Entre las obras más valoradas destacan:
las óperas de salón (o “operetas de salón”) Le Dernier Sorcier (Le diable boîteux), Le conte de fées, Cendrillon y L’Ogre, todas escritas para pequeños formatos escénicos, a menudo con libreto de Iván Turguénev, su compañero afectivo.
Poponemos disfrutar del trailer de su ópera Cendrillon, así como dos canciones interpretadas por personas muy queridas para nosotros y para la ASAO.
El maestro Curro Soriano, la soprano Natalia Labourdette y la Mezzo porruguesa Helena Resurreiçao.
Pérez‑Reverte ha contado en alguna entrevista, que el origen inmediato del personaje fue cuando hojeó el libro de texto de historia de su hija Carlota, entonces de unos 12 años, y vio que el Siglo de Oro y la España del siglo XVII quedaban reducidos a unas cuantas líneas anodinas.
Esa visión “raquítica” de una época en la que España fue potencia militar, política y cultural le irritó, y decidió escribir una historia que devolviera a su hija ese mundo complejo y fascinante.
Pérez‑Reverte no inventó Alatriste de la nada: se inspiró en memorias de soldados reales, especialmente en el capitán Alonso de Contreras y en otros cronistas de Tercios como Jerónimo de Pasamonte o Diego Duque de Estrada.
Además, confiesa que la sombra de Quevedo y, en menor medida, la melancolía cervantina, marcan la mirada cínica‑heroica del personaje: un hombre de honor militar que vive en una España gloriosa y a la vez infame, cruel y melancólica.
Veamos quien fue en la realidad ese Capitán Alonso de Contreras, mucho antes de convertirse en Alatriste.
Y esto nos trae a la memoría, y más aún con la imagen de nuestra "Madrugá" sevillana, esa gran escena en la Batalla de Rocroi se mezcla con la marcha procesional del maestro Abel Moreno y la Mítica Frase.
Los olores llegan directamente al cerebro emocional sin pasar por filtros, lo que permite que un simple aroma desencadene recuerdos intensos y prácticamente automáticos.
A través de ejemplos y experiencias reales, descubrimos cómo un olor puede reconstruir escenas completas del pasado.
No recordamos solo el aroma, sino el momento y las emociones asociadas. Este fenómeno, conocido como el efecto magdalena de Proust, demuestra su enorme conexión con la memoria.
Incluso en casos como el Alzheimer, los olores pueden despertar recuerdos aparentemente perdidos.
Un aroma concreto puede reactivar vivencias profundas y generar una respuesta emocional inmediata, revelando el enorme poder del olfato para transportarnos en el tiempo.
Y esto nos recuerda la ópera Fidelio de Beethoven, y el aria del calabozo, donde Florestan describe la
visión angelical de su esposa Leonora: "Veo como un ángel con olor a rosas, situarse junto a mí, consolador".
Este aroma representa libertad, amor conyugal y redención, contrastando con la opresión sensorial de la prisión, y subraya el poder evocador de los olores para la memoria y la supervivencia emocional.
6 abril 1965. Elvis Presley graba el tema Crying In The Chapel
No obstante, la realidad es que la versión de Elvis se grabó el 31 de octubre de 1960 en los RCA Nashville Studio B, dentro de las sesiones del álbum gospel His Hand In Mine.
La canción fue concebida inicialmente para ese álbum, pero se archivó porque ni Elvis ni el grupo de coros The Jordanaires quedaron satisfechos con las tres tomas que hicieron.
El tema resurgió como single de Pascua en 1965, lanzado el 6 de Abril de ese año en la Gold Standard Series de RCA, pensado para explotar el interés por la música religiosa en esa época del año y tanto fue el éxito que lideró durante siete semanas la lista en EE.UU y en el Reino Unido fue número 1 en dos semanas no consecutivas, siendo el sencillo más exitoso de Elvis desde “Return to Sender”
6 abril 1974. ABBA gana el festival de Eurovision con la canción Waterloo, dando comienzo a su carrera repleta de éxitos.
“Waterloo” fue la primera canción claramente de estilo pop puro que ganaba Eurovisión, rompiendo con la tradición de baladas y canciones más “euro‑melodía”.
Suecia nunca había ganado el certamen; ABBA abrió la puerta para convertir al país en una potencia eurovisiva
ABBA viene de las iniciales de sus miembros: Agnetha Fältskog, Benny Andersson, Björn Ulvaeus y Anni‑Frid Lyngstad.
Tras ganar Eurovisión, ABBA se convirtió en uno de los grupos más exitosos de la historia, con éxitos como “Dancing Queen”, “Mamma Mia”, “Voulez‑vous” y “Chiquitita”.
El 5 de abril de 1912 nace en Santa Fe Carlos Guastavino, compositor y pianista argentino, considerado uno de los más destacados de su pais.
Su producción ascendió a más de 500 obras, la mayoría de ellas canciones para piano y voz, muchas aún inéditas.
Sus composiciones estuvieron claramente influenciadas por la música folclórica argentina.
Su reputación se basó casi exclusivamente en sus canciones, y Guastavino ha sido a veces llamado "el Schubert de las Pampas".
Algunas de sus canciones, por ejemplo, Pueblito, mi pueblo, La rosa y el sauce y Se equivocó la paloma, se convirtieron en favoritas nacionales.
A diferencia de la mayoría de los demás compositores, en cualquier momento y lugar, Guastavino obtuvo suficientes ingresos por regalías y derechos de interpretación como para no necesitar otros ingresos
El 5 de abril de 1908 nace en Salzburgo Herbert von Karajan, director de orquesta austríaco, uno de los más afamados de la historia, y el artista discográfico de música clásica con las mayores ventas de todos los tiempos.
Sobre todo es conocido por haber sido el director titular de la Orquesta Filarmónica de Berlín durante treinta y cinco años, desde 1954 hasta su muerte.
El arte de dirigir consiste en saber cuándo dejar la batuta para no molestar a la orquesta.
(Herbert von Karajan.)
Karajan tuvo un papel importante en el desarrollo del formato original del disco compacto (alrededor de 1980). Apoyó esta nueva tecnología de grabación y apareció en la primera conferencia de prensa que anunció el formato.
Los primeros prototipos de CD tenían una duración limitada apenas a sesenta minutos y a menudo se afirma que se amplió hasta los 74 minutos a instancias de Karajan, para que así cupiera en un solo disco la Sinfonía n.º 9 de Beethoven. Sin embargo, los inventores del CD niegan este hecho. Fue él quien grabó el primer CD comercializado y la obra que tuvo el honor de ser registrada en la ocasión fue la Sinfonía Alpina, de Richard Strauss.
En este Domingo de Pascua, la Iglesia se llena de luz y alegría para proclamar el triunfo definitivo de la vida sobre la muerte.
La piedra del sepulcro se ha removido y, con ella, toda tristeza se transforma en esperanza.
Que esta Pascua renueve en cada corazón la confianza en el amor de Dios y nos impulse a ser testigos vivos del Resucitado en nuestro entorno, nuestras familias, nuestras obras y nuestra música.
Después del silencio y la contemplación de los días santos, suena de nuevo el canto jubiloso del Gloria, y el mundo entero se ilumina con el resplandor de la Resurrección.
Que la paz y la alegría pascual llenen hoy nuestras casas y nuestras almas.
¡Feliz Pascua de Resurrección!.
Y en muchos lugares de España se celebrará LA PASCUA DE MONAS, tanto hoy, Domingo de Resurrección como los dos días posteriores, lunes y martes, saliendo al campo o a la playa con familia y amigos.
Allí la mona suele ser un bollo con un huevo encima sujetado con una cruz de masa, y se toma como merienda durante esas reuniones festivas.
Desde el punto de vista católico, la Pascua de Monas no es solo una costumbre gastronómica, sino una forma popular de expresar que Cristo ha resucitado y que termina el tiempo penitencial de la Cuaresma.
El huevo y el pan dulce se han interpretado tradicionalmente como signos de vida nueva, renovación y alegría pascual.
Recientemente, RTVE ha publicado en su Canal de Youtube, el vídeo de la actuación de la joven soprano Inés Ananda, y si bien en el vídeo se hace constar la fecha del 4 de Abril de 2021, lo cierto es que fue concretamente el día 21 de Marzo de 2021, en la Gala y que también está disponible en RTVE Play.
En cualquier caso, día más o menos, hemos querido respetar esa fecha, aunque aparentemente erronea del 4 de Abril, para celebrar esa efemérides en su 5º Aniversario, cuando Inés tenía 12 años e "Iluminó el Plató de Prodigios" cantando Caro Mio Ben de Giordani.
Han pasado, como decimos 5 años y ahora Inés Ananda sigue abriéndose paso en esa dificil carrera que ha elegido, estando cursando actualmente, con 17 años, (uno menos de lo que es habitual), sus estudios en el Conservatorio Superior de Castilla León, con sede en Salamanca., que compagina con actuaciones en distintos lugares de España y Europa.
No obstante, y aunque no sea la parte principal ni el motivo de esta publicación, estos Concursos para niños nos hace pensar en el gran negocio económico que supone para las plataformas de televisión y la oportunidad de darse a conocer en el caso de esos niños, pero
¿Que pasa despues?
Tras esos efímeros oropeles, les queda una dura carrera que requiere años de formación en Conservatorios, al margen de sus estudios reglados obligtorios y aunque no conocemos estadísticas específicas sobre el abandono post-concursos infantiles en ópera, iniciativas como becas y fundaciones se harían necesarios como ayudas reales más allá del rating televisivo para acceder y conseguir carreras estables.
Testimonios y análisis críticos de verdaderos Expertos, señalan que la fama inicial no sustituye ni siquiera favorece formación técnica ni económica debiendo lamentar que muchos talentos se pierdan por falta de recursos posteriores a esa exposición pública.
Es una cuestión compleja sobre lo que habría que tomar en cuenta muchas consideraciones, por parte de quienes conocen la situación mejor que nosotros pero pensamos que al igual que se hace con los posibles y futuros Deportistas de Élite, ¿Por qué no se hace en el mundo de la Lírica?. Es evidente que el impacto en la opinión pública es menor y menos atractivo para patrocinadores y no existen medallas, ni podios a los que subirse, con el resultado de que la Cultura sigue estando abandonada para los políticos. Tampoco existen formas de medir el éxito como en las pruebas deportivas, pero para eso pagamos a los políticos, para que piensen en la formula y la lleven a cabo. El mundo sería mejor y más Feliz.
Resumiendo y de forma lamentable: LA MÚSICA ES UN DEPORTE DE RIESGO:
Y ahora, sugerimos ver algunos vídeos con la evolución de nuestra querida Inés
El 4 de abril de 1922 nace en Nueva York Elmer Bernstein, compositor estadounidense de música de cine. Compuso la banda sonora de las películas como:
Los siete magníficos, Los diez mandamientos, La gran evasión, Matar a un ruiseñor, Los cazafantasmas, Los timadores, El cabo del miedo, ¡Aterriza como puedas! o El hombre del brazo de oro etc.
Durante los años 50, Elmer Bernstein fue incluido en las listas negras de Hollywood debido a que escribió críticas musicales para el periódico de ideología comunista Daily Worker, lo que supuso un freno en su carrera cinematográfica.
Su suerte cambió cuando Cecil B. DeMille lo eligió para componer la banda sonora de Los diez mandamientos. Bernstein tardó año y medio en completar la partitura para esta epopeya bíblica, y su trabajo, al igual que la película, fue muy bien recibido. Este éxito le permitió volver a trabajar en producciones de primer nivel, y con la llegada de los años 60 alcanzó algunos de los mayores logros de su carrera.
El 4 de abril de 1640 nace en Calanda Francisco Bartolomé Sanz Celma, compositor, guitarrista y organista del Barroco español.
Estudió música, teología y filosofía en la Universidad de Salamanca, donde más tarde fue nombrado profesor de música.
Escribió tres libros de pedagogía y obras para guitarra barroca que forman una parte importante del actual repertorio de guitarra clásica según los mejores músicos sobre las técnicas de la guitarra.
La fecha de su nacimiento corresponde con la del Milagro de Calanda (1640); su presunta partida de bautismo data del 4 de abril de este mismo año. La primera vez que se registra el nombre de Gaspar es en 1669, en relación con unas oposiciones a la cátedra de Música de la Universidad de Salamanca.
Marcelino, pan y vino (1955) es una de las películas más importantes y emocionantes de la historia del cine español.
Dirigida por Ladislao Vajda y protagonizada por el inolvidable Pablito Calvo, esta obra maestra conmovió a millones de espectadores en España y en todo el mundo, convirtiéndose en un fenómeno internacional.
En este vídeo repasamos la historia completa de la película, su impacto cultural, su paso por festivales internacionales como Cannes y Berlín, sus premios, curiosidades del rodaje, la importancia de su mensaje y el legado que dejó en generaciones enteras.
Una película que no solo marcó una época, sino que se convirtió en símbolo del cine clásico español y en una de las obras más recordadas del siglo XX.
Hoy se recomienda venerar y meditar la imagen de Cristo crucificado, o en el sepulcro, o descendiendo a los infiernos, así como la imagen de la Santísima Virgen de los Dolores.
El Sábado Santo no se celebra la Santa Misa, por ello no hay Evangelio.
Hoy, Sábado Santo es, como recordaba el Papa Francisco, “el día del silencio: hay un gran silencio sobre toda la Tierra; un silencio vivido en el llanto y en el desconcierto de los primeros discípulos, conmocionados por la muerte ignominiosa de Jesús”
Y hoy, sin romper en absoluto ese silencio, sino que lo hace aún más aterrador, queremos recurrir a la imagen de la virgen María a los pies de su hijo crucificado, a través del Stabat Mater de Pergolessi
obra maestra barroca que evoca precisamente a la Virgen María contemplando el sufrimiento de su Hijo crucificado.
Su texto describe el dolor de María junto al Calvario, con una música emotiva que mezcla lamento y esperanza.
Suponemos que todos conocen y seguro que así es en el caso de nuestros lectores, lo que significa "La Madrugá" cuando unimos esa palabra a "Sevilla".
Es algo muy dificil de explicar para quien nunca la haya vivido con momentos de intensa devoción con un fervor colectivo, que llega incluso a quienes no sean creyentes.
En esa transición del Jueves Santo al Viernes Santo, en medio de la noche, Sevilla se llena de un ambiente de sobriedad y emoción en una experiencia regliosa realmente única, y donde las lágrimas se derraman por sí solas, cuando ves pasar al Gran Poder, la Esperanza de Triana o la Macarena iluminadas con cientos de velas.
Quien nunca haya vivido una "Madrugá", nuestro consejo que no se vayan de este mundo sin hacerlo, y luego que cada uno haga lo que estime pertinente dentro de su libre albedrio.
Nosotros, hace ya muchos años que dejamos de hacerlo, puesto que se precisa de una forma física, dificil de aguantar salvo que se viva en el centro de Sevilla, con algunos descansos, así que para estas situaciones, proponemos algunas alternativas, como la que hoy hemos elegido.
Sabemos que estar en casa en meditación musical y religiosa durante más de tres horas resulta complicado, por las prisas con las que vivimos, pero comenzando el día antes de que amanezca y casi coincidiendo con esa Madrugá, escuchar de forma relajada y conscientes del momento que hace años estaba viviendo Jesús, el Nazareno, ponernos una buena grabación de La Pasión según San Mateo del "Padre" Bach y pasadas esas tres horas y 16 minutos, comenzar el día, trasladando el momento a este Blog o cada uno en su ocupación concreta que puede decidir.
Aseguramos que es un "buen ejercicio" espiritual, y máxime si como en el caso de nuestro compañero y redactor Pascual, puede disfrutar y emocionrse en estos precisos momentos aún más con una foto enviada por su hija de la Virgen de los Dolores, saliendo de la Parroquia de San José en esa Glorieta que es el punto neurálgico de Águilas.
Y por muchos motivos, cuya enumeración haría muy extensa esata nota, ésta en la versión que siempre escuchamos y que proponemos a quien quiera ejercitar su espiritualidad, junto con la música
En reciente publicación VER AQUÍ hemos hablado de la presencia de su Majestad la Reina Doña Sofía en Cartagena para poder estar presente en la noche de hoy, en la Procesión del Silencio de esa bella ciudad murciana, lo que nos hace hablar un poco sobre Marrajos y Californios, con tanta rivalidad entre ellos, como puede haber en Sevilla entre la Esperanza de Triana y la Macarena o en Lorca con Blancos y Azules etc. pero en todos los casos con una "rivalidad Sana", marcada exclusivamente por la competencia que les hace mejorar a todos año a año.
Pues en Cartagena, y eso es algo que llama poderosamente la atención a quienes estamos habituados por ejemplo a las de Sevilla, las procesiones destacan por su orden marcial y sobriedad en los desfiles, quizás por las influencia militares de la ciudad departamental.
La Cofradía Marraja, dedicada a Nuestro Padre Jesús Nazareno, se remonta tradicionalmente al siglo XVI, ligada a pescadores del barrio de la Catedral Antigua que veneraban la imagen del Nazareno; su nombre deriva de la leyenda de la venta de un gran marrajo (tiburón) para financiar procesiones.
La Cofradía California, Pontificia y Real, se fundó oficialmente el 13 de junio de 1747 en la iglesia de Santa María de Gracia, con el Santísimo Cristo del Prendimiento como titular; recibió bulas papales en 1750. Su apelativo "Californios" proviene de marineros del Virreinato de Nueva España que participaron en expediciones a California en 1768 y se unieron poco después, impulsando la hermandad.
Podríamos resumir, desde los ojos de quienes solo las han visto a lo sumo 4-5 veces, y por tanto sin un gran conocimiento de causa, como el autor de esta nota, a que los Marrajos viven la semana Santa de forma más sobria y penitencial, sin excesivos lujos, mientras que los Californios tienen una estética más barroca y con un mayor orden y ceremonial, casi militar.
En este vídeo podemos ver y entender lo que su Majesta la Reina tendrá ocasión de contemplar esta noche. Logicamente, agradeceremos cualquier anotación o rectificación de algún cartagenero. Por cierto, ¡Quien escribe esta nota se declara Californio".
Para un día como hoy, también podemos encontrar referencias en nuestra Zarzucla.
"La roca fría del Calvario" de La Dolorosa nos evoca el ascenso de la Virgen Dolorosa al Calvario, simbolizando sus siete dolores, como el encuentro con Jesús camino a la cruz, central en la liturgia del Jueves Santo que prepara la traición y oración en Getsemaní.
En tradiciones españolas como las de Sevilla o Murcia, esta advocación mariana se vincula a procesiones de Semana Santa.
El 2 de abril de 2009 fallece en Barcelona RudyVentura, trompetista y vocalista español.
Alcanzó gran popularidad a partir de finales de los años cincuenta y principios de los sesenta junto con su conjunto. Además de tocar la trompeta, era el vocalista de la orquesta.
Rudy Ventura fue un reconocido socio y seguidor del Fútbol Club Barcelona y acompañó al equipo en las grandes ocasiones, como la final de la Recopa de Europa de 1978-79 y en la Copa de Europa de 1992 en Wembley.
Las trompetas que usó el día que el equipo ganó su primera Copa de Europa se conservan en el Museo del FC Barcelona.
Hoy, 2 de abril, se celebra el Día Mundial de Concienciación sobre el Autismo.
Más que una fecha para la tristeza o la compasión, es una oportunidad para abrir el corazón y la mente hacia una realidad plena de colores, matices y formas únicas de entender el mundo.
El autismo no debe verse como una barrera, sino como una manera diferente —y valiosa— de percibir, sentir y comunicarse.
Cada persona tiene su propio talento.
A todos nos enriquece aprender a mirar con sus ojos, a escuchar con su silencio, a comprender con su lenguaje.
Hoy encendamos no solo luces azules, sino gestos de respeto, paciencia y apoyo sincero.
Porque la verdadera inclusión no se declama: se practica cada día, con empatía y con amor.
Hacemos un viaje a la España de los años 50, recorriendo calles encaladas para la Semana Santa y reviviendo el rigor de una época donde la fe lo inundaba todo.
Regresamos al aroma del bacalao en salazón y al misterio de los templos en silencio.
Desde el ritual de las Manolas hasta el orgullo de estrenar ropa el Domingo de Ramos, desempolvamos esos detalles que forjaron el carácter de toda una generación.
Es una crónica de respeto y dignidad que busca mantener viva nuestra memoria compartida.
Todos conocemos que nuestro compañero Miguel siente predilección con algunas canciones, y quizás la más representativa sea un himno de nuestra adolescencia en los años 60.
Blowing in the Wind plantea preguntas retóricas sobre paz, justicia, libertad y guerra, y sugiere que las respuestas están al alcance de todos, pero nadie quiere mirarlas de frente.
“La respuesta, amigo mío, está soplando en el viento”, se interpreta como una metáfora de que la verdad es evidente, aunque sea tan intangible como el viento, y si bien en su momento se interpretó como un grito por la Paz, la Justicia y la Libertad, lo cierto es que para Miguel esa canción significa muchas más cosas, incluso de contenido filosófico, pero evidentemente adaptado a su personalidad, esa que hace que sea tan querido por todos sus compañeros.
Así, pues, QUERIDO AMIGO, MIGUEL SIMÓN, recibe de todos nosotros las felicitaciones en tu cumpleaños, mientras que el resto seguiremos buscando en el viento esas respuestas que, sin duda, tú ya encontraste.
Ante todo queremos dejar constancia de nuestra admiración personal hacia el personaje de hoy, y no solamente por su faceta musical sino también como un ejemplo de Mujer Luchadora, tanto por los avatares personales que le presentó la vida. Superó el divorcio de sus padres, la bebida y la enfermedad mental de Robert Schumann, varias muertes prematuras de hijos y la presión de vivir en un mundo que consideraba la composición y la vida pública como “papel de hombre”. Fue madre de ocho hijos y, al mismo tiempo, siguió componiendo y enseñando, lo que le convierte en un modelo de resistencia y profesionalismo femenino.
Clara Josephine Wieck nació en 1819 en Leipzig.
Se casó en 1840 con el compositor Robert Schumann, con quien tuvo ocho hijos, y combinó su carrera de concertista con el apoyo a la obra de Robert, la crianza de la familia y su propia labor creativa.
Tras la muerte de Robert en 1856, continuó viajando, dando conciertos, enseñando y actuando como referente de la música absoluta frente al wagnerismo dominante.
Aunque Clara compuso desde la infancia, su obra se vio eclipsada por la figura de su marido y por las normas sociales de la época, que desalentaban abiertamente que las mujeres compusieran o publicaran bajo su propio nombre. En sus diarios llegó incluso a escribir que “una mujer no debe desear componer; ninguna ha sido capaz de hacerlo”, lo que refleja la presión interna que soportaba.
Además, tras el matrimonio, Clara dedicó gran parte de su tiempo al apoyo de la carrera de Robert (incluyendo la programación de conciertos, la promoción de sus obras y la corrección de partituras), lo que redujo su espacio para componer y publicar.
Entre las obras más destacadas de Clara Schumann se encuentran:
Concierto para piano en la menor, op. 7 escrito cuando apenas era adolescente.
Trio de piano en sol menor, op. 17 (1846): su obra de cámara más importante, con un carácter expresivo y una escritura muy elaborada.
El 1 de abril de 1873, según el calendario gregoriano, nace Seruéi Rajmaninov, compositor, pianista y director de orquesta ruso, uno de los últimos grandes compositores posrománticos europeos y considerado uno de los pianistas más influyentes del siglo XX.
Tras la Revolución rusa, Rajmáninov y su familia abandonaron Rusia; en 1918, se establecieron en los Estados Unidos, primero en la ciudad de Nueva York.
Con su principal fuente de ingresos provenientes del piano y la realización de actuaciones, los exigentes horarios de las giras llevaron a una reducción en su tiempo para la composición.
Entre 1918 y 1943, completó solo seis obras, entre las que se incluyen Rapsodia sobre un tema de Paganini, la Tercera Sinfonía y Danzas sinfónicas.
Y, si bien conocemos a Rajmaninov basicamente por su labor pianística, no podemos dejar dejar de lado otras muchas composiciones, incluidas sus sinfonía, y otras piezas como la que sugerimos escuchar, algunos fragmentos.
En 1915, completó su segunda gran obra coral, Las vísperas (op. 37), después de asistir a una actuación de la Liturgia de San Juan Crisóstomo y se sintió decepcionado con ella. Tras pasar dos semanas escribiendo la Vigilia de toda la noche, envió la partitura a Serguéi Tanéyev para corregir y enmendar errores en su polifonía, pero se la devolvió sin cambios. Fue tan calurosamente recibida en su estreno de Moscú para ayudar a aliviar la guerra que se programaron rápidamente cuatro actuaciones posteriores.
"La señora de Fátima" es una película española de 1951 dirigida por Rafael Gil, con guion de Vicente Escrivá y protagonizada por Inés Orsini, Fernando Rey y Tito Junco.
Narra las apariciones de la Virgen a los tres pastorcitos en Fátima (Portugal, 1917), en un contexto de inestabilidad política y anticlericalismo.
Se rodó en plena posguerra franquista, cuando el cine español promovía valores católicos y patrióticos para contrarrestar el laicismo.
Fue una de las películas más taquilleras de la década de 1950 en España, con gran éxito en países católicos como Irlanda, Austria y Portugal.
Representa el auge del cine religioso español de posguerra, que buscaba legitimar el régimen mediante narrativas de fe y milagros, aunque algunos análisis la ven como crítica sutil a los mecanismos de la fe.
¿Dónde quieres que te preparemos la cena de Pascua?
«Id a la ciudad, a casa de quien vosotros sabéis, y decidle: “El Maestro dice: mi hora está cerca; voy a celebrar la Pascua en tu casa con mis discípulos”».
Los discípulos cumplieron las instrucciones de Jesús y prepararon la Pascua.
Al atardecer se puso a la mesa con los Doce. Mientras comían dijo:
«En verdad os digo que uno de vosotros me va a entregar».
Ellos, muy entristecidos, se pusieron a preguntarle uno tras otro:
«¿Soy yo acaso, Señor?».
Y como Banda Sonora para la liturgia de hoy, proponemos el Via Crucis, compuesto por Franz Liszt
Su abuelo, el famoso filósofo Moses Mendelssohn sentencio: "Quizás para tu hermano la música se convierta en su profesión, mientras que para ti siempre permanecerá como un ornamento".
Fanny Mendelssohn fue una destacada compositora y pianista del Romanticismo temprano. Nació el 14 de noviembre de 1805 en Hamburgo y murió el 14 de mayo de 1847 en Berlín, conocida también como Fanny Hensel por su matrimonio.
Hermana de Felix Mendelssohn, mostró talento precoz: a los 14 años tocaba de memoria El clave bien temperado de Bach y el maestro de ambos llegó a asegurar que el "Talento de Fanny es incluso superior al del Felix en algunos aspectos".
Se casó en 1829 con el pintor Wilhelm Hensel y dirigió los célebres "domingos musicales" en su hogar berlinés, aunque las normas de género limitaron su carrera pública.
Las restricciones sociales y familiares impidieron que publicara bajo su nombre durante años; su padre y hermano Felix la desaconsejaron, publicando varias de sus obras como suyas (Op. 8 y 9). Solo en 1846 lanzó su Op. 1, poco antes de morir; Felix intentó editar más póstumamente.
Compuso más de 450 piezas, incluyendo un trío y cuarteto para piano, obertura orquestal, cuatro cantatas, 125 piezas para piano y 250 lieder.
Hay una sospecha histórica bien documentada sobre algunas obras atribuidas a Felix Mendelssohn que en realidad fueron compuestas por su hermana Fanny. La anécdota más famosa involucra el lied Italien, que la reina Victoria cantó ante Felix en Buckingham Palace como su favorita de él.
Felix admitió honestamente que era de Fanny, sorprendiendo a la soberana.
Resulta evidente, a lo largo de los años, que su Majestad, la Raina Doña Sofía, demuestra un gran amor a nuestras tradiciones se Semana Santa, habiendo asistido de forma regular en Sevilla, a nuestras procesiones de La Esperanza de Triana, Macarena y Los Gitanos, hasta donde hemos podido verificar.
En esta semana, y tras haber asistido ayer al Concierto de Semana Santa de Palma de Mallorca, se desplazara a Murcia, donde recibirá el cariño de todos los murcianos, y más concretamente a Cartagena, donde asistirá el jueves Santo a la Procesión del Silencio de los "Californios" y el Viernes Santo a Murcía para admirar el paso de la Cofradía del Padre Jesús Nazareno, con sus imágenes de Salzillo, y que este año cumple 425 años.
La Unidad Militar de Emergencias (UME), tan querida por todos los españoles, mantiene un hermanamiento oficial con la Hermandad de San Pablo de Sevilla, establecido desde 2016.
Esta vinculación se basa en la devoción compartida a la Virgen del Rosario, patrona de la UME desde 2009.
La hermandad solicitó el acuerdo tras detectar el patronazgo común, con aprobación unánime en cabildo y autorización del Cuartel General de la UME.
Se firmó un protocolo tras reuniones en la sede canónica, impulsado por el 2º Batallón de la UME en Morón de la Frontera.
La Virgen del Rosario une espiritualmente a ambas entidades, con la UME como "consuelo de los afligidos".
Por tanto, no es de extrañar su emotiva salida, ayer, con la Hermandad de San Pablo.
La llegada de los efectivos de la Unidad Militar de Emergencias (UME) a la Parroquia de San Ignacio de Loyola ha marcado el inicio de una jornada cargada de fervor.
Los militares han acompañado a la Virgen del Rosario, entonando su himno ante una multitud de fieles y turistas conmovidos.
Las imágenes recogen desde la imponente salida de Nuestro Padre Jesús Cautivo y Rescatado hasta el largo caminar de nazarenos y penitentes en su estación de penitencia hacia la Catedral de Sevilla.
