El histórico bis del sexteto de Lucia di Lammermoor ocurrió en julio de 2018, marcando un hito inolvidable dentro de las celebraciones de la Temporada 17/18, que conmemoraba los 200 años de la colocación de la primera piedra del Teatro Real.
Para que un bis coral (de seis personas) suceda, la química debe ser perfecta. El primer reparto encargado de esta hazaña estuvo encabezado por dos superestrellas del bel canto: el tenor mexicano Javier Camarena (Edgardo) y la soprano estadounidense Lisette Oropesa (Lucia). Oropesa, de hecho, estuvo a punto de conseguir su propio bis individual tras la emblemática y exigente "escena de la locura" debido a la brutal ovación que recibió.
La noche del histórico primer bis (7 de julio) coincidió plenamente con las celebraciones del Madrid Orgullo 2018. Para conmemorarlo y expandir la ópera más allá de sus muros, el Teatro Real instaló tres pantallas gigantes en la Plaza de Oriente y retransmitió la función en directo por redes sociales, haciendo que el histórico bis fuera presenciado en tiempo real por miles de personas en las calles y en todo el mundo.
El 8 septiembre 1956, sale publicado el single Blue Suede Shoes de Elvis Presley, versión original de Carl Perkins.
Blue Suede Shoes se convirtió en un himno del rock and roll y tuvo un gran impacto en la cultura popular. La canción fue uno de los primeros éxitos en cruzar las barreras raciales en la música, ya que fue popular tanto entre la audiencia blanca como negra. Además, fue una de las primeras canciones de rock en alcanzar el número uno en las listas de country y rhythm and blues al mismo tiempo.
Pero hablar de esta canción nos obliga a homenajear a su creador Carl Perkins y las circunstancias por las que triunfó con Elvis.
En marzo de 1956, Carl Perkins iba camino a Nueva York para presentarse en el show de televisión de Perry Como y celebrar que su tema original "Blue Suede Shoes" ya era un éxito millonario en ventas. Su coche chocó contra un camión. Perkins sufrió una grave fractura craneal y su hermano Jay quedó herido de muerte. Esto lo obligó a pasar meses hospitalizado y en recuperación.
Elvis pidió expresamente a su discográfica (RCA) que no lanzara la canción como un sencillo comercial para no competir con el disco de Perkins mientras este se recuperaba.
Con Perkins fuera de combate en el hospital, la televisión estadounidense necesitaba a alguien que tocara el nuevo ritmo de moda. Elvis interpretó el tema en sus legendarias apariciones en televisión
La arrolladora energía visual de Elvis, combinada con la inactividad forzada de Perkins, hizo que el público masivo asociara permanentemente el tema con el "Rey del Rock".
El 8 de septiembre de 1949 fallece en Baviera, Richard Strauss, destacado compositor y director de orquesta alemán cuya larga trayectoria abarca desde el romanticismo tardío hasta la primera mitad del siglo XX.
Es conocido particularmente por sus óperas, poemas sinfónicos y Lieder.
Strauss, junto con Gustav Mahler, representa el extraordinario florecimiento tardío del romanticismo germánico después de Richard Wagner, en el cual un desarrollo elaborado y complejo de la orquestación se une a un estilo armónico avanzado.
La obra de Strauss influyó profundamente en el desarrollo de la música del siglo XX.
El 8 de septiembre de 1841 nace Antonín Dvorak, compositor posromántico natural de Bohemia —territorio entonces perteneciente al Imperio austríaco—, uno de los primeros compositores checos en lograr el reconocimiento mundial y uno de los grandes compositores de la segunda mitad del siglo XIX. Empleó con frecuencia ritmos y otros aspectos de la música folclórica de Moravia y su Bohemia natal, siguiendo el ejemplo de su predecesor, el nacionalista de la era romántica Bedřich Smetana.
En 1892, se mudó a Estados Unidos y se convirtió en el director del Conservatorio Nacional de Música de América en Nueva York.
La presidenta del Conservatorio Nacional, Jeannette Thurber, le ofreció un salario anual de 15 000 dólares, veinticinco veces lo que le pagaban en el Conservatorio de Praga.
Mientras estuvo en Estados Unidos, escribió sus dos obras orquestales más exitosas: la Sinfonía del Nuevo Mundo, que difundió su reputación en todo el mundo,y el Concierto para violonchelo.
El Te Deum, op. 103, es un cantata para soprano y barítono solista, coro y orquesta con el texto latino del famoso himno espiritual «Te Deum laudamus» (A ti, Dios, te alabamos). Fue compuesto en 1892 y dedicado a los 400 años del descubrimiento de América.
La música de Mendelssohn para El sueño de una noche de verano es un caso singular.
Compuesta entre el 7 de julio y el 6 de agosto de 1826, cuando Mendelssohn tenía 17 años y medio.
Es una obertura de concierto, no pensada inicialmente para acompañar una representación teatral, sino como pieza independiente inspirada en la lectura de una traducción alemana de la comedia de Shakespeare.
Dieciséis años después, en 1842, Mendelssohn recibió el encargo del rey Federico Guillermo IV de Prusia de escribir música incidental para una producción de El sueño de una noche de verano que se representaría en Potsdam en 1843.
Mendelssohn reutilizó aquella obertura coompletándolo con coros, melodramas y marcha hasta quedar como todos conocemos.
Mendelssohn conocía bien la comedia y se identificaba con sus personajes; en cartas a su hermana Fanny hablaba de la obra como un proyecto de “inmensa audacia”
Entre 1950 y 1961, algunas películas españolas se convirtieron en auténticos fenómenos de público y consiguieron permanecer durante meses y meses en cartel.
En este vídeo repasamos algunos de aquellos increíbles taquillazos: Marcelino, pan y vino, Tarde de toros, Aquellos tiempos del cuplé, ¿Dónde vas, Alfonso XII?, La violetera o El último cuplé.
Y las cifras son sorprendentes: 145, 175, 210, 217 días... hasta llegar a un récord extraordinario de 325 días en una misma sala.
Una clasificación que también nos permite descubrir qué quería ver realmente el público español de los años cincuenta y comprobar que las películas que hoy consideramos grandes clásicos no siempre fueron las que más tiempo permanecieron en cartel.
Sara Montiel, Paquita Rico, Vicente Parra, Pablito Calvo, Lilián de Celis y muchas otras figuras protagonizaron una época en la que ir al cine era uno de los grandes acontecimientos de la vida cotidiana.
El famosísimo comienzo de la Rapsodia en Blue con ese “lamento” de clarinete nació de una broma en los ensayos, pero a Gershwin le gustó tanto el resultado que lo incorporó definitivamente a la obra.
En la partitura original, el clarinete debía hacer un trino seguido de una escala ascendente de 17 notas, escrita de manera discreta y sin indicación de glissando.
Durante los ensayos previos al estreno de 1924, Ross Gorman, el clarinetista principal de la banda de Paul Whiteman, decidió “gastarle una broma” a Gershwin y tocó esa escala con un glissando exagerado y muy “jazzy”, estirando las notas y añadiendo un efecto de lamento.
Gershwin fue todo lo contrario a enfadarse: le encantó el efecto. Le pidió a Gorman que lo hiciera igual en el concierto y que, de hecho, le diera aún más carácter de “lamento” o “queja” jazzística.
En el estreno, el 12 de febrero de 1924 en el Aeolian Hall de Nueva York, ese glissando inicial “electrizó” al público y se convirtió inmediatamente en uno de los gestos musicales más reconocibles del siglo XX.
El 7 septiembre 1936, nace Buddy Holly, uno de los grandes pioneros del rock and roll.
Formó su primera banda, The Western and Bop, mientras estaba en la escuela secundaria. Más tarde, su estilo musical evolucionó hacia el rock and roll, influenciado por artistas como Elvis Presley y Chuck Berry.
En 1956, Buddy Holly formó su famosa banda, The Crickets, que se convertiría en una de las bandas más destacadas en los inicios del rock and roll. Falleció trágicamente a la edad de 22 años en un accidente de avión el 3 de febrero de 1959, junto con los músicos Ritchie Valens y J.P. «The Big Bopper» Richardson, un tragedia que se conoció como «El día que murió la música» tras la canción de Don McLean, American Pie.
Es posible que cualquier buen aficionado a la música clásica, haya entendido inmediatamente que queremos hablar de la Septima Sinfonía de Beethoven, y dentro de ella, de su segundo movimiento.
Como nos suele suceder a quienes empezamos a amar la música clásica hace algún tiempo, es posible que esta sinfonía y movimiento le produjera e hiciera "descubrirla" con una fuerte emoción en algún momento de su vida que incluso quizás recuerde.
La Séptima Sinfonía de Beethoven es una de sus obras más vitales y rítmicamente obsesivas, y su segundo movimiento, el Allegretto, se ha convertido en uno de los fragmentos más célebres y conmovedores de toda la música sinfónica, con la curiosidad de que en el estreno el público pidió que se repitiera antes de continuar con el resto de la sinfonía y desde entonces es uno de los movimientos más programados y grabados de Beethoven, quien explota las posibilidades del cuerpo de cuerdas (violas, violonchelos, contrabajos) para crear un tapiz sonoro denso y misterioso y aunque a veces se ha usado como “marcha fúnebre”, el tempo Allegretto sugiere algo menos sombrío: una procesión melancólica pero viva, entre el lamento y la resignación esperanzada.
Proponemos a nuestros lectores que decidan escuchar este vídeo, y poco inmersos en la música clásica, seguir estos momentos
Apertura en penumbra (cuerdas graves)
El movimiento comienza con un acorde de la menor y un ostinato rítmico muy suave en violas, violonchelos y contrabajos.
Escucha el ritmo “largo–corto–corto” que recorre casi todo el movimiento.
Crecimiento y densidad
Poco a poco entran más instrumentos; el mismo material se repite pero con más fuerza y color.
Fíjate en los contracantos que se superponen: Beethoven va añadiendo capas que convierten lo simple en algo complejo.
Hay una sección que funciona como un rayo de esperanza: la melodía se vuelve más clara y dulce.
Este contraste es clave: pasa del lamento contenido a una especie de “consuelo” temporal.
Clímax y catarsis
La música vuelve a la tensión inicial, pero ahora con mayor vehemencia: las cuerdas tocan con más intensidad y el carácter se vuelve casi angustiado.
Beethoven lleva la emoción al límite sin perder la coherencia del ritmo base.
Tras el clímax, la música se va apagando gradualmente; el ostinato persiste, pero cada vez más tenue.
El final no es triunfal, sino íntimo: como si el dolor se aquietara sin resolverse del todo.
El cuarteto de cuerdas es considerado el género por excelencia de la música de cámara y el terreno definitivo para el testeo técnico e intelectual de los compositores occidentales.
Integrado de forma fija por dos violines, una viola y un violonchelo, esta agrupación representa un equilibrio tímbrico idóneo.
Uno de los cuartetos de cuerda jóvenes más emocionantes del panorama internacional en esta transmisión en vivo desde la Beethovenhalle Bonn, presentada como parte del Beethovenfest Bonn 2026.
El Cuarteto de Cuerda Isidore combina voces estadounidenses contemporáneas con obras maestras atemporales del repertorio clásico en un programa que une siglos y continentes.
Una noticia no es verdadera porque ataque al Gobierno ni falsa porque provenga de un medio crítico. Tampoco una fuente deja de servir porque tenga intereses. Hay que contrastar, documentar, publicar y después soportar que los hechos confirmen o destruyan el trabajo.
La mejor pregunta de la entrevista no mira al PSOE, sino al futuro: qué hará Ketty Garat cuando tenga que investigar la corrupción de un Gobierno del PP. Su respuesta es que está deseándolo. Si el criterio depende de quién gobierna, no es periodismo. Si sirve para Ábalos, debe servir también para Feijóo, Ayuso o cualquiera que llegue a Moncloa.
Sucede en ocasiones que el Periodismo de Investigación no recibe el elogio de toda la sociedad, puesto que la investigación tiene eso, en función de qué se investigue, recibiendo plácemes y críticas de una u otra parte.
No obstante, hay un barometro que en este caso es absolutamente imparcial, si analizamos los premios que ha recibido la periodista, actualmente en ABC, a lo largo de los pasados meses, al tiempo que recordamos que antes que dedicarse a la Investigación fue Cronista Parlamentaria, cubriendo tanto Moncloa como Congreso
Precisamente se vio abocada a la Investigación en buena medida, por obligación y en defensa propia. Garat explica que las presiones y la campaña que sufrió tras publicar determinadas informaciones sobre el Gobierno y el PSOE terminaron empujándola a entrar en terrenos que no había trabajado antes, a buscar documentos, nuevas fuentes y pruebas con las que defender su propia credibilidad.
Estos los premios que se han concedido recientemente, algunos de ellos de colegas de profesión.
Premio APM al Mejor Periodista del Año 2025 (Asociación de la Prensa de Madrid)
Premio Encarna Sánchez de Comunicación (Academia Española de la Radio, 2026): Reconocimiento anual a la mejor comunicadora o profesional de medios
XIII Premio Sociedad Civil 2026 (Fundación Civismo) por su “trayectoria ejemplar en defensa de la libertad de información, la independencia editorial y la dignidad del periodismo”.
IV Premio Mundiario de Periodismo (enero de 2026): Distingue el periodismo de investigación valiente y al servicio de la ciudadanía
“Los 40 por la Libertad” (PRNoticias): Lista que premia la defensa de la libertad de prensa en tiempos de polarización; Garat fue la cuarta periodista reconocida en esta iniciativa.
Cruz de la Dignidad de la AVT (Asociación Víctimas del Terrorismo)“por su impecable trayectoria periodística, caracterizada por la búsqueda incansable de la verdad y la defensa de la libertad de información”.
Proponemos prestar atención a esta entrevista, para quien esté interesado de forma desapasionada analizando solo el buen periodismo y significando que algunos de nuestros compañeros de La Décima, han cursado estudios de Periodismo y de Comunicación, aunque nunca dirán que son "Periodistas", como hemos visto algunos "Ingenieros" en algún caso similar.
Curiosamente, el entrevistador es un periodista y escritor, Juan Soto Ivars, natural de Águilas, como nuestro compañero redactor, y uno de los periodistas, escritor y ensayista más influyente del panorama actual.
El 7 de Septiembre de 2015 fallece, con 84 años, el empresario andaluz José María Ruiz-Mateos, conocido por ser el fundador del masivo holding empresarial Rumasa, cuya expropiación en 1983 marcó la agenda económica del país.
Ruiz-Mateos fundó la matriz de Rumasa (Ruiz-Mateos, Sociedad Anónima) en 1961 a partir de un humilde negocio familiar de exportación de vino de Jerez. Su agresiva estrategia consistió en adquirir empresas insolventes a bajo precio para sanearlas y relanzarlas.
En poco más de dos décadas, su característico logotipo de la abeja y la colmena agrupaba magnitudes sin precedentes en España
Controlaba más de 700 empresas de múltiples sectores. Poseía firmas icónicas como las grandes superficies Galerías Preciados, la marca de lujo Loewe, cadenas hoteleras, constructoras y 18 bodegas comerciales.
Daba empleo directo a 65.000 trabajadores y facturaba unos 350.000 millones de pesetas al año.
El 23 de febrero de 1983, el primer Gobierno socialista de Felipe González, con el ministro de Economía Miguel Boyer a la cabeza, aprobó un Real Decreto-Ley para expropiar forzosamente el 100% de Rumasa por razones de "utilidad pública e interés social", algo sobre lo que podríamos extendernos pero que preferimos abstenernos.
El 7 de Septiembre de 1741 muere con 52 años en Cartagena de Indias el célebre marino y almirante español Blas de Lezo, considerado uno de los más grandes estrategas de la historia naval española por defender Cartagena de Indias en 1741 frente a una colosal flota británica durante la llamada Guerra del Asiento.
Su gran heroicidad se resume en los siguientes puntos clave:
Inferioridad numérica extrema: Al mando de solo 6 navíos de línea y unos 3.000 hombres (entre soldados, milicianos e indígenas), Lezo tuvo que hacer frente a la armada británica del almirante Edward Vernon, compuesta por 186 barcos y casi 30.000 combatientes. Era la mayor flota vista hasta la fecha, solo superada más tarde por el desembarco de Normandía.
Estrategia brillante: Conociendo el terreno, Lezo hundió algunos de sus propios barcos para bloquear los canales de acceso, fortificó los puntos clave como el Castillo de San Felipe de Barajas y utilizó tácticas de desgaste que mermaron las tropas enemigas por el calor y las enfermedades tropicales.
Resistencia al límite: A pesar de haber perdido en batallas anteriores un ojo, una pierna y la movilidad de un brazo (lo que le valió el apodo de Patapalo o el Mediohombre), lideró la defensa con una férrea voluntad, logrando que los británicos se retiraran en una humillante derrota tras dos meses de asedio.
Esta victoria aseguró el dominio español en el Caribe y mantuvo la llave del comercio en América del Sur por un siglo más. Lezo falleció pocos meses después en la misma ciudad debido a las heridas de guerra y las epidemias del asedio.
Hay días en los que la tierra tira con más fuerza de lo normal, y hoy es uno de esos días en nuestra redacción.
A nuestro compañero y redactor, Pascual, le ha salido hoy la vena más puramente murciana y no ha querido dejar pasar la oportunidad de compartir con todos dos canciones que lleva grabadas en el alma. Dos himnos que, más allá de las notas, son un viaje directo a los paisajes, los recuerdos y la esencia de su querida Región de Murcia.
:«Canto a Murcia» por Los Parrandaboleros fragmento de la célebre zarzuela La Parranda del maestro Francisco Alonso que cobra una fuerza única en las voces de Los Parrandaboleros en el marco de la Catedral de Murcia
Y el «Bolero a Murcia», por el Trío Las Vegas, un antiguo grupo de los años 60 y una joya imperecedera que retrata a Murcia de forma idílica: una tierra vestida de «oro, rubí y esmeralda».
El mítico Trío Las Vegas, y posteriormente Antonio Las Vegas en solitario, inmortalizó esta declaración de amor a una Tierra.
Desde que la escuchamos por primera vez en su afamado álbum, "Close your Eyes", año 1997 hemos intentado seguir la carrera discográfica de Stacey Kent, toda excelente en nuestra opinión, y en especial las grabadas con su marido, el saxo Jim Tomlinson.
Es por ello que nos ha llamado la atención, su colaboración con la pianista y cantante Francesca Tandoi y nuestra atención merecía la pena, con su trabajo "Recuerdos de Amor", incluido en "Song Book nº 1"
La pieza destaca por fusionar el virtuosismo y dinamismo al piano de Tandoi con la voz cálida, íntima y melódica de Kent.
Nosotros ya hemos incluido este trabajo en nuestra biblioteca de Spotify, pero que nadie se asuste, pues no vamos a hacer pública ninguna Lista de Spotify. No tenemos tiempo para ello ni la petulancia de pensar que todo el mundo comparta nuestros gustos personales.
No obstante, para quien lo deseee escuchar, sí publicamos la presentación de este albúm. recuerdos de aquel Cierra tus Ojos, y una grabación de Stacey con su marido.
El 6 de septiembre de 1522.La expedición, que inicialmente había partido con cinco naves y unos 240 hombres bajo el mando de Fernando de Magallanes en 1519, logró una de las mayores hazañas navales de la humanidad.
Tras la muerte de Magallanes en Filipinas, el marino vasco Juan Sebastián Elcano tomó el timón de la debilitada tripulación.ç
Al mando de la nao Victoria —la única embarcación superviviente— y con solo 18 hombres famélicos y exhaustos a bordo, Elcano logró atracar en Sanlúcar de Barrameda tras tres años de peligrosísima navegación, completando así la primera circunnavegación de la Tierra y demostrando empíricamente su redondez.
El 6 de septiembre de 2007 fallece en Módena a los 71 años de edad, Luciano Pavarotti, tenor italiano. Dotado de una voz intensa en los agudos y rica en los medios, con un fraseo claro y timbre claro, Pavarotti es considerado uno de los cantantes más famosos de las últimas décadas del siglo XX y primeras del XXI, tanto en el mundo del canto lírico como en la música popular, y acreditado como el mejor tenor de la historia.
Con más de cien millones de discos vendidos en su carrera, se estima que es uno de los cantantes más exitosos de cualquier género musical, así como uno de los italianos más exitosos internacionalmente.
El 28 de abril, hizo su debut en el teatro de La Scala, Milán, en el renacimiento de la famosa producción de Franco Zeffirelli de La bohème, con su amiga de la infancia Mirella Freni como Mimi y Herbert von Karajan dirigiendo.
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El 6 de septiembre de 1781 nace cerca de Salzburgo Anton Diabelli, músico austriaco, guitarrista, pianista y compositor, además de editor de música y profesor de piano y guitarra.
Quizás irónicamente, la composición por la que Diabelli es bien conocido hoy fue parte de una aventura editorial.
En 1819, decidió probar a publicar un volumen de variaciones sobre un vals que escribió expresamente con ese propósito, con una variación por cada compositor austriaco importante vivo en aquel tiempo.
Sin embargo Beethoven, en lugar de ofrecer una sola variación, dio treinta y tres, y fueron publicadas en un solo volumen aparte en 1824. Estas constituyen lo que generalmente es considerada como una de las obras para piano más grandes de Beethoven y el mayor conjunto de variaciones de su tiempo, y generalmente son conocidas simplemente como Variaciones "Diabelli".
No obstante, su música religiosa es muy conocida en Austria y la calidad de sus piezas de piano es muy apreciada.
El Concierto para violín en re mayor, Op. 61 de Ludwig van Beethoven, compuesto en 1806, es considerado hoy en día una de las máximas obras maestras de la historia de la música y la cumbre del repertorio para violín.
Sin embargo, su camino hacia la gloria estuvo marcado por las prisas, un estreno desastroso y casi cuatro décadas de absoluto olvido,
La respuesta de la crítica fue demoledora. Los expertos señalaron que: La continuidad de la obra estaba rota y resultaba "una masa de ideas inconexas".Era demasiado larga y fatigante en comparación con los conciertos clásicos de la época.
Los violinistas la rechazaban porque no era una obra puramente virtuosa o "lucidora" en el sentido tradicional, sino profundamente lírica y sinfónica.
Tras un par de ejecuciones más, la obra desapareció casi por completo durante décadas. El propio Beethoven, intentando salvar la música, hizo una transcripción para piano (conocida como el Concierto para piano Op. 61a), pero tampoco tuvo éxito en su momento.
Joseph Joaquim con 12 años.
El concierto permaneció en la oscuridad hasta 1844 (17 años después de la muerte de Beethoven). El milagro de su resurrección se debió a dos genios: el compositor Felix Mendelssohn, quien dirigió la orquesta de la London Philharmonic Society, y un niño prodigio de solo 12 años en el violín, Joseph Joachim.
Pinchas Zukerman y la Orquesta Filarmónica de Israel bajo la dirección de Zubin Mehta en el Centro Nacional de Artes Escénicas (NCPA) de Mumbai lo interpretaron en abril de 2016 como parte de las celebraciones del 80 cumpleaños del Maestro Zubin Mehta en su ciudad natal.
