ROSAS ROJAS PARA UNA DAMA TRISTE

"Red Roses for a Blue Lady" es una canción popular de 1948 . ​

 Se trata de un hombre que pide rosas rojas a un florista para reconciliarse con su amada tras una discusión, esperando que las flores alejen su tristeza ("blue") y allane el camino hacia el matrimonio con una orquídea blanca para su vestido de novia.

La canción resurgió en 1965 con vcarias versiones simultáneas en las listas de éxitos y proponemos escuchar algunas de ellas.

Quiero unas rosas rojas para una dama triste,

señor florista, tome mi pedido, por favor.

Tuvimos una discusión tonta el otro día,

espero que estas bonitas flores alejen su tristeza.

Quiero unas rosas rojas para una dama triste,

envíelas a la chica más dulce del pueblo.

Y si funcionan, volveré corriendo a escoger

su mejor orquídea blanca para su vestido de novia.

REFRANES ESPAÑOLES (1)

Miguel de Cervantes, en Don Quijote de la Mancha, nos define lo que es un refrán: "los refranes son sentencias breves, sacadas de la experiencia y especulación de nuestros antiguos ancianos"

Los refranes son sentencias breves, habitualmente, de autor desconocido. 

No obstante, muchas frases literarias y bíblicas han pasado a formar parte del refranero popular. La mayoría de los refranes son observaciones acuñadas por la experiencia colectiva a lo largo del tiempo, con temas que van desde la meteorología hasta el destino invariable y fatalista de existencia. 

Constituyen el bagaje cultural del pueblo en tiempos en los que la tradición oral pasaba la sabiduría popular de una generación a otra.

WILHELM FURTWÄNGLER

El 25 de enero de 1886 nace en Berlín Wilhem Furgwängler, director de orquesta y compositor alemán, considerado uno de los más notables del siglo XX.

Tuvo una relación ambigua y muy polémica con el nazismo: no fue miembro del Partido, ayudó a muchos músicos judíos, pero permaneció en Alemania y dirigió bajo el Tercer Reich, lo que le valió acusaciones de colaboración.

Tras la guerra fue sometido a procesos de desnazificación en Viena y Berlín, acusado de apoyar al nazismo por haberse quedado en Alemania y haber dirigido en actos oficiales. 

 Él alegó que permaneció “no porque fuera nazi, sino porque era alemán”, que su misión era preservar la música alemana.

Finalmente fue exonerado y pudo volver a dirigir, pero la controversia nunca desapareció: para algunos es un ejemplo de “resistencia desde dentro”, para otros, un gran artista que aceptó demasiadas concesiones morales.

Bayreuth reabrió el 29 de julio de 1951 tras siete años de cierre, con un concierto inaugural dirigido por Furtwängler que incluyó la Novena Sinfonía de Beethoven. 

Wilhelm Furtwängler introduce varios silencios memorables en su interpretación de la Sinfonía n.º 9 de Beethoven, pero el más icónico es la pausa dramática antes de la entrada de la Oda a la Alegría en el cuarto movimiento (Finale), que genera una tensión apoteósica y que en aquella ocasión duró entre 10 y 15 segundos.

ESPAÑA EN LA MESA CAMILLA

Descubre cómo sobrevivían familias enteras y acompáñanos en este viaje al recuerdo y a la historia. 

Este contenido revive el invierno en la España de 1950, una etapa de posguerra marcada por nevadas históricas, escasez, hambre y temperaturas extremas. 

Conocerás cómo el frío se colaba en casas sin calefacción, cómo el brasero y la mesa camilla se convirtieron en el centro de la vida familiar y por qué sistemas como la gloria castellana eran auténticos tesoros. Hablamos de la gran nevada de Madrid, del racionamiento, de los sabañones, de las escuelas heladas y de la enorme diferencia entre ricos y pobres. 

También de algo que quizás se ha perdido en zonas superpobladas: la vida compartida, la solidaridad vecinal y la resistencia colectiva frente al invierno más duro.

HISTORIAS Y LEYENDAS DE SEVILLA

Sevilla se ha ido tejiendo a sí misma a través de una mezcla de historia documentada y relatos orales que han dejado un mapa de leyendas casi tan denso como su propio callejero. ​

Un origen casi mítico. Desde antiguo se atribuye la fundación mítica de la ciudad a Hércules, cuya figura habría llegado a la zona hacia el año 1000 a. C. con los primeros navegantes fenicios. 

 Algunas crónicas sitúan en ese mismo marco legendario a personajes como Hispalo o Hispano, sucesores mitológicos a los que se atribuye el origen de Hispalis. ​

 La Sevilla que asusta y fascina. Triana y el casco histórico concentran relatos de apariciones, maldiciones y pactos, que van desde el “Cristo de las Mieles” en el cementerio hasta historias de fantasmas y casas encantadas recogidas en compilaciones recientes de mitos locales.

RAMÓN GAYA, EL GRAN PINTOR MURCIANO

Ramón Gaya fue un destacado pintor y escritor español nacido en Murcia el 10 de octubre de 1910 y fallecido en Valencia el 15 de octubre de 2005. 

Abandonó la escuela a temprana edad para dedicarse a la pintura, influido por pintores murcianos como Pedro Flores y Luis Garay, amigos de su padre, un litógrafo catalán. 

A los 17 años recibió una beca del Ayuntamiento de Murcia para estudiar en el Museo del Prado, y viajó a París donde expuso pero rechazó la vanguardia. 

Durante la Guerra Civil Española colaboró en revistas como Hora de España y las Misiones Pedagógicas; perdió a su esposa en 1939 y se exilió en México hasta 1952, creando "Homenajes a los Grandes Pintores" y paisajes locales. 

Regresó a España en 1960 tras pasar por Roma, donde se inspiró en maestros como Tiziano y Rembrandt.

Gaya era un gran amante de la Música, y en especial de Mozart, a quien se refirió de forma explicita, y quien haya visitado su Museo en la ciudad de Murcia, sin duda ha percibida que allí, suena tanto Mozart, como Beethoven y Bach, así que aprovecharemos para acercarnos a esa sensibilidad del pintor con la música

LA SARABANDA

Una sarabanda es una danza de origen español del siglo XVI, inicialmente popular y sensual, que evolucionó en el Barroco hasta convertirse en un movimiento estándar de las suites instrumentales

Nacida en España o Hispanoamérica con influencias árabes o indígenas, se bailaba con castañuelas, giros lascivos y letras picantes, lo que llevó a su prohibición temporal por las autoridades eclesiásticas y reales a finales del XVI. 

Las sarabandas más famosas pertenecen al Barroco, destacando las de Bach en sus suites para violonchelo solo (BWV 1007-1012), especialmente la n.º 1 en Re menor y la n.º 6 en Re mayor por su profundidad expresiva.

Proponemos escuchas ambas, la primera de ellas con Rostropovich, y la segunda con Yo-Yo Ma

SINFONÍA EXPANSIVA

La Sinfonía n.º 3 "Expansiva" (Sinfonía Espansiva), Op. 27, de Carl Nielsen es una obra clave del repertorio sinfónico danés, compuesta entre 1910 y 1911. ​ Composición y estreno Nielsen la subtituló por el tempo del primer movimiento, "Allegro expansivo", reflejando su energía vital y expansión melódica influida por el folclore danés. 

Se estrenó el 28 de febrero de 1912 en Copenhague bajo la dirección del propio compositor, con una orquestación amplia que incluye solistas vocales opcionales en el segundo movimiento

El propio Nielsen añadió el título de la sinfonía, "Sinfonía Espansiva", poco después del estreno. Se deriva del tempo "allegro espansivo" del primer movimiento y captura el espíritu de la sinfonía. Al igual que en las obras de Ludwig van Beethoven (1770-1827), Nielsen basó sus sinfonías en una estética o concepto general. Nielsen escribió que "espansiva", en esta pieza, representa la ampliación de horizontes y la expansión de la vida. El propio Nielsen escribió varias notas de programa para los movimientos individuales de su tercera sinfonía. 

Curiosamente, el manuscrito original de la sinfonía se creyó perdido durante mucho tiempo. En 1913, fue enviado a la reconocida editorial musical de Leipzig, CF Kahnt, para su impresión. Cuando la editorial cerró durante la época de la RDA, el manuscrito se guardó cuidadosamente en un sótano y posteriormente se trasladó al Archivo Estatal Sajón. Allí fue redescubierto en 1977, aunque esta información no se comunicó fuera de la RDA. No fue hasta el año 2000 que el manuscrito finalmente estuvo disponible para los especialistas de la Edición Carl Nielsen.

FARINELLI

El 24 de enero de 1705 nace Carlo Maria Michelangelo Nicola Broschi, más conocido por el sobrenombre de Farinelli, cantante castrato italiano, uno de los más famosos del siglo XVIII y considerado el más grande de los castrati de la historia.

Nació en el seno de una familia de la baja nobleza. Es castrado y, visto su origen acomodado, en su caso sí debió ser cierta la versión oficial (común en estos casos) de su castración como consecuencia de una caída de caballo. 

Felipe V, melancólico e insomne, lo contrató para cantar cada noche las mismas cuatro arias, lo que calmaba al rey y le valió ascensos: músico de cámara, director de teatros reales y Caballero de Calatrava en 1750. 

Bajo Fernando VI, impulsó la ópera italiana en Madrid y Aranjuez, colaborando con Domenico Scarlatti y Pietro Metastasio.

Su vida inspiró la película Farinelli (1994), que recrea su arte con fusión vocal moderna.

Cecilia Bartoli, mezzosoprano italiana especializada en música barroca, ha revivido el repertorio de los castrati a través de su disco Sacrificium (2009), donde interpreta arias compuestas para voces como la de Farinelli.Con Sacrificium, divulgó el sacrificio cruel (3.000-4.000 niños al año, pocos triunfaron) y la belleza resultante, usada en iglesias y ópera pese a prohibiciones papales. Su enfoque rescata este mundo perdido, conectando directamente con figuras como Farinelli de la conversación previa

ROSSINI Y LA CANCIÓN DEL ARROZ

 De todos es conocida la afición grastonómica de Rossini, el que también era un maestro.

La melodía “Di tanti palpiti” de su ópera Tancredi fue tan popular que se cantaba por doquier, incluso en tabernas y restaurantes, e incluso hay fuentes  que citan que era cantada en Valencia por los sembradores de arroz

Esa conocida aría fue compuesta mientras Rossini esperaba que le sirvieran un Rissoto en un restaurante, y de ahí nació el apodo tan coloquial

“Di tanti palpiti” es la cabaletta final del aria de entrada de Tancredi en el Acto I de la ópera Tancredi de Rossini, cn una explosión de "Coloratura", tan típica del compositor.

Expresa el amor apasionado del protagonista por Amenaide, con esperanza de reunificación tras el exilio.

Por tantos palpitaciones,

por tantos sufrimientos,

de ti, mi amor,

espero misericordia.

Te veré de nuevo, te veré...

En tus bellos ojos

me saciaré.

DJANGO REINHARDT

El 23 de enero de 1910 nace Django Reinhadt,  músico de jazz de origen gitano sinti. 

Se trata del primer músico de jazz originario de Europa que ejerció una influencia similar a la de los grandes artistas estadounidenses. 

Su música es el resultado de la fusión entre el swing y la tradición musical gitana del este europeo, lo que se conoce en inglés con el nombre de «gypsy jazz» y en francés como «jazz manouche» («jazz gitano»).

Aunque no sabía leer música, Reinhardt compuso —a solas y junto a Grappelli— varias melodías sumamente originales y exitosas

A pesar de perder dos dedos en un incendio a los 18 años, desarrolló una técnica virtuosa con acordes y solos rápidos que influyó en guitarristas posteriores, y eso con tan solo tres dedos.

Fundó el Quintette du Hot Club de France con Stéphane Grappelli, creando estándares como "Minor Swing" y "Daphne" que definen el estilo manouche: rítmico, apasionado y sin batería, solo con guitarras rítmicas y contrabajo. 

Colaboró con ídolos como Louis Armstrong y Dizzy Gillespie, convirtiéndose en el primer europeo con influencia comparable a los americanos.

Django es una figura con muchas referencias en el cine, incluso con un película documental sobre su vida y múltiples referencias.

Asímismo John Lewis, pianista de The Modern Jazz Quartes, compuso una obra en su honor.que se convirtió en un estandard del Jazz, con el nombre de "Django".

CAVALLERIA RUSTICANA. SANGRE Y HONOR

Cavalleria rusticana dura poco más de una hora, pero podemos considerarla una Ópera Íntegra.

En ese tiempo hay traición, un crimen y el nacimiento del verismo operístico. 

En este video se explica  por qué la ópera de Pietro Mascagni cambió la historia del teatro musical, cómo Santuzza se convirtió en uno de los personajes femeninos más extremos del repertorio y por qué esta obra sigue siendo una de las óperas más representadas del mundo. 

Su influencia en el cine, especialmente su uso en El Padrino III (Intermezzo), y las referencias vocales que han marcado a generaciones de sopranos en este repertorio.

OTROS OJOS PARA VER "EL PRADO" EL JARDIN DE LAS DELICIAS, DEL BOSCO

"Física: Creación del Universo" en relación con El Jardín de las Delicias de El Bosco. 

 En el tríptico abierto se incluyen tres escenas. 

La tabla izquierda está dedicada al Paraíso, con la creación de Eva y la Fuente de la Vida, mientras la derecha muestra el Infierno. 

La tabla central da nombre al conjunto, al representarse en un jardín las delicias o placeres de la vida. Entre Paraíso e Infierno, estas delicias no son sino alusiones al Pecado, que muestran a la humanidad entregada a los diversos placeres mundanos. 

Son evidentes las representaciones de la Lujuria, de fuerte carga erótica, junto a otras de significado más enigmático. 

A través de la fugaz belleza de las flores o de la dulzura de las frutas, se transmite un mensaje de fragilidad, del carácter efímero de la felicidad y del goce del placer. 

Así parecen corroborarlo ciertos grupos, como la pareja encerrada en un globo de cristal en el lado izquierdo, en probable alusión al refrán flamenco: “La felicidad es como el vidrio, se rompe pronto”.

EL ANTIGUO TRANVIA DE SEVILLA

Sevilla cuenta con una rica historia tranviaria que abarca desde finales del siglo XIX hasta la actualidad, marcada por la transición de tracción animal a eléctrica y su resurgimiento moderno. 

El tranvía de sangre se inauguró en 1887, operado por la Seville Tramways Company, y evolucionó al eléctrico en 1899, convirtiendo a la ciudad en una de las pioneras españolas junto a Bilbao o Madrid.

El servicio inicial usaba mulas en seis líneas de vía estrecha, cubriendo 9,8 km con frecuentes descarrilamientos. 

En 1899, una red electrificada de casi 20 km circunvaló el centro histórico, conectando Puerta Osario con Plaza de Armas y ramales a Triana, Parque de María Luisa y San Jacinto. Para 1921, Tranvías de Sevilla S.A. gestionaba 28 km, 50 coches motores y extensiones a Camas, Coria, Gelves y Puebla del Río.

CÁTEDRA MONSEÑOR JUAN DEL RIO. INAUGURACIÓN Y CONFERENCIA.

La Cátedra Arzobispo Juan del Río de la Universidad de Sevilla rinde homenaje a Monseñor Juan del Río Martín, exarzobispo castrense y primer director de SARUS, el Servicio de Asistencia Religiosa de la universidad. 

Creado en 2025, promueve el diálogo entre la fe, la razón y la cultura mediante eventos, investigación y recursos. 

La cátedra se inaugura el 28 de enero de 2026 a las 12 del mediodía en el Paraninfo de la Universidad de Sevilla con la conferencia «La búsqueda de la verdad en Santo Tomás de Aquino: Razón, fe y vida académica», impartida por el arzobispo de Sevilla, Mons. José Ángel Saiz Meneses. 

Pablo Guija, delegado diocesano de Pastoral Universitaria, destaca el legado carismático de Del Río en el apoyo a los estudiantes y a la Iglesia.

103 ANIVERSARIO DE LOLA FLORES

Ayer 21 de enero se cumplieron 103 años del nacimiento de Lola Flores, un siglo largo del arte más desbordado, temperamental y genuino que ha dado España. 

Este video especial rinde homenaje a la gran estrella del cine y la copla españoles, tomando como eje la entrevista que Diego Galán realizó a la artista en 1992 dentro del programa "¡Queridos Cómicos!", un testimonio único en el que la Faraona repasa su vida, su carácter y su manera irrepetible de entender el arte y la vida. 

A través de sus propias palabras y de un recorrido por su trayectoria cinematográfica, revivimos a la Lola actriz, cantante y mito popular que marcó generaciones desde la gran pantalla. 

El homenaje se completa con algunos de los números musicales más emblemáticos de su repertorio, auténticos himnos de la copla y la canción española:

BERNA PERLES ES MUCHO MÁS QUE UNA CANTANTE DE ÓPERA

Con motivo de una entrevista en Platea Magazine, del pasado mes de Septiembre, VER EN ESTE ENLACE Berna Perles aseguraba que "Una cantante de ópera es mucho más que una Voz" y coincidimos plenamente con ella.

Pero es que, además, la propia Berna es más que una gran soprano y no puede entenderse de otra forma  en una cantante que, no solo se enfrenta a complejos personajes de óperas como Norma, Manon Lescaut, La Boheme, Don Giovanni etc. sino que parece la elegida por los directores cuando se trata de abordar proyectos singulares, y a moto de ejemplo, recordamos Bernarda Alba, El orgullo de quererte, El caballero de Olmedo, donde por cierto debutó en un papel operístico la jovencísima Inés Ananda, la reciente Yerma en la Ópera de Tenerife, con  un esfuerzo físico y vocal al limite, y ahora lo hace con otro ilusionante proyecto como es la recuperación de Margot, una ópera de Turina, y pronto lo hará con la Zarzuela Jugar con Fuego de Barbieri.

Margot se representará en el Gran Teatro de Córdoba hoy y mañana, con una conferencia previa del profesor y musicólogo Andrés Moreno Mengibar en la que desvela aspectos de esta joya olvidada de Turina.

Y ahondando aún más en nuestra apreciación, proximamente intervendrá como "Artista Invitada", en el concierto "Notas de Cine", donde podrá Voz a dos de los temas musicales del programa, en el Teatro Soho de su Málaga Natal.

¿Exagermos cuando decimos que  Berna Perles es mucho más que una cantante de Ópera?. Pues aninamos a nuestros lectores que profundicen en la entrevista que citamos, y que saquen sus propias conclusiones.

UN HITO EN LA PROGRAMACION DE LA OCB ¿UNA CELEBRACIÓN?

Tras su exitosa actuación en el Espacio Turina, junto a la soprano Rocío de Frutos, el director de la OCB, nuestro profesor Alberto Álvarez Calero nos vuelve a sorprender, ahora con lo que supone un verdadero salto cualitativo en la programación de la Orquesta de Cámara de Bormujos, como es, ofrecer, en versión Concierto, la ópera Orfeo y Euridice, con un magnifico plantel de solistas y el Coro de Cámara de Sevilla, dirigido por la también profesora,  de Filología, de nuestra Universidad, que ha asumido "Por Concurso de Méritos", la dirección de nuestro Coro Universitario, María Jesús Pacheco. 

Desconocemos si esta extraordinaria programación obedece a una celebración, pero es curioso que coincida con el X Aniversario de la fundación de la Orquesta por parte de nuestro profesor, pero de no ser así de forma consciente, les ha salido una celebración "Realmente Redonda", así como el hecho de interpretarse precisamente el Día de los Enamorados, con ese personaje tan importante en la ópera como es el de "Amor", simbolizando el poder divino del amor sobre la muerte.

La versión Vienesa que se nos ofrece es la original que compuso Gluck en 1762 y quien con motivo de su estreno en Francia en 1774, hubo de introducir música para ballet y otros pasajes, para adecuarse al "Gusto Francés".

Estamos plenamente seguros que el público que seguimos fielmente estos Conciertos en la Universidad CEU Fernando III, podemos tener problemas ante la posibilidad de que se agote el aforo de su amplio y magnñífico Auditorio, y dado que, como siempre, la entrada es libre hasta completar aforo.

ATAULFO ARGENTA

El 21 de enero de 1958 fallece en Los Molinos, Madrid, en extrañas circuntancias,  Ataúlfo Argenta, pianista y director de orquesta español. 

Durante la guerra se casó con una antigua compañera del Conservatorio, Juana Pallarés Guisasola. Se vio en la necesidad de tocar en teatros y en orquestas menores para ganarse la vida. 

Al día siguiente de nacer su segundo hijo estaba dando un concierto en Oviedo y en el descanso le dieron la noticia de que ese hijo había muerto. Argenta salió a tocar las Escenas infantiles de Schumann con lágrimas en los ojos.

Ataúlfo Argenta destaca como uno de los directores de orquesta españoles más destacados del siglo XX, con un impacto significativo en la música sinfónica y la zarzuela. 

Sus logros incluyen dirigir 40 orquestas europeas, como la Filarmónica de Viena, y realizar 720 conciertos con un vasto repertorio de 600 obras de memoria.

Grabó más de 30 zarzuelas completas entre 1952 y 1958, dignificando el género con la Orquesta de Cámara de Madrid y voces como Pilar Lorengar, incluyendo títulos como La Revoltosa de Chapí y La reina mora de Serrano. 

Sus discos siguen siendo referencia por su calidad y popularizaron el repertorio en la era del tocadiscos.

MONTY ALEXANDER EN EL BLUE NOTE DE TOKYO

Hace ya bastante tiempo, nos hicimos eco y hablamos del Blue Note de Tokyo, ese prestigioso Club de Jazz, el más imporante de Japón, y filial del Neoyorkino Blue Note de Nueva York, diseñado con estética elegante (asientos para 250 personas, sonido impecable), y que ofrece cenas con cócteles durante shows, basicamente de Jazz y Bossa Nota, e incluso de Flamenco Jazz..

En esta ocasión, y en ese selecto espacio, proponemos escuchar al pianista Monty Alexander con "Notas de Amor".