Como premisa, hemos de reconocen que en los momentos en que nuestra mente nos marca la nacesidad de escuchar un Te Deum, siempre recurrimos de forma alternativa al que compusieron Dvorak y Bruckner entre otros muchos existentes.
Una de nuestras amables y fieles lectoras, muy vinculada incluso profesionalmente al mundo de la Música, nos hablaba ayer del amor que ella le tiene al de Charpentier, lo que nos hace, y con sumo placer, hablar de este texto litúrgico que ha llevado a tantos compositres a ponerle música.
A forma muy esquemática, podemos decir que el de Bruckner es una Obra Monumental, para grandes coros, musicos, solistas y órgano.
El de Dvorak es mucho más lírico y luminoso, como corresponde al Romanticismo.
Y frente a ellos, o mejor junto a esos dos citados, el de Charpentier corresponde al Barroco Francés, en forma de motete para 8 voces, coro y un pequeño conjunto instrumental, si bien con una gran luminosidad en los metales, maderas y tímbales, con un preludio asociado el Himno de Eurovisión, compuesto a finales del siglo XVII, cuando trabajaba en la iglesia jesuita de Saint Louis de París.
Y en la confiaza de que merezca la aprobación de nuestra lectora y en estos momentos colaboradora del Blog, nos hemos inclinado por la interpretación del conjunto musical francés Le Poème Armonique dirigido por quien fue su fundador Vicent Dumestre.
El Día Mundial del Rock se celebra el 13 de julio de cada año.
Esta fecha conmemora el histórico festival benéfico Live Aid, el cual se llevó a cabo de forma simultánea el 13 de julio de 1985 en el Estadio Wembley de Londres (Reino Unido) y en el JFK Stadium de Filadelfia (Estados Unidos).
Contó con las actuaciones legendarias de Queen, Led Zeppelin, David Bowie, Mick Jagger, U2, The Who, Black Sabbath, Elton John y Madonna, entre muchos otros.
La presentación de 21 minutos de Queen en Wembley es considerada por la crítica como una de las mejores actuaciones de rock en vivo de la historia.
Fue el propio Phil Collins (quien tocó en ambos estadios el mismo día cruzando el Atlántico en el avión Concorde) quien propuso declarar este día como el Día Mundial del Rock debido al impacto cultural y solidario del festival.
El. 14 de julio de 2003 fallece en La Habana, a la edad de 95 años Compay Segundo músico y compositor cubano de amplia trayectoria mundial.
Llegó a ser un popular compositor e intérprete, muy conocido entre los amantes de la música cubana. Comenzó tocando la guitarra, el tres cubano, el clarinete y el bongó. También tocó la tumbadora.
Su fama internacional le llegó en 1997 con su participación en el disco Buena Vista Social Club, que ganó varios premios Grammy y con su aparición en la película del mismo nombre realizada por Wim Wenders.
El 13 de julio de 1929 nace en Navarra Pedro Iturralde, compositor y saxofonista español.
Fue profesor Catedrático del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, donde enseñó saxofón desde 1978 hasta su jubilación en 1994.
Es el único español, junto con Tete Montoliu, incluido en el Diccionario de Jazz de Larousse.
A mediados de los sesenta, Iturralde ingresa en el Jazztet de Madrid, conjunto liderado por Juan Carlos Calderón, con el que graba en 1966 un EP en el que canta Elia Fleta.
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Los tanteos de Iturralde con la música flamenca, y andaluza en general, datan de su juventud en Logroño, cuando realizaba interpretaciones de Falla, Turina, Albéniz o Granados, y más tarde en su etapa en Grecia, donde comienza a improvisar sobre estilos andaluces con gran éxito, por la relación entre la música flamenca y la griega.
Estas composiciones se empiezan a escuchar en el Whiskey Jazz y en el programa “Club de Jazz” de Radio Nacional.
Y para conocer la importancia de Iturralde, lo mejor es hacerlo de la mano de Juan Carlos Cifuetes (Cifu para los amigos, que lo eramos todos) y aquel mítico programa de cuando Televisión Española no tenía nombre propio, sino el de todos los españoles.
La obertura Las Hébridas (Op. 26), popularmente conocida como La cueva de Fingal, es una de las obras orquestales más célebres del compositor alemán Felix Mendelssohn.
Compuesta entre 1830 y 1832, es considerada una de las primeras grandes evocaciones de la naturaleza en la música occidental.
Mendelssohn visitó la cueva marina en la isla de Staffa (Escocia) el 7 de agosto de 1829. Quedó tan impactado por el paisaje que ese mismo día escribió los primeros compases de la obra en una postal que envió a su hermana Fanny. En la nota adjunta escribió: "Para que entiendas cuán extraordinariamente me han afectado las Hébridas, te envío lo siguiente que me vino a la cabeza allí".
La cueva de Fingal es una maravilla geológica de columnas de basalto hexagonales. Tras el éxito de la música de Mendelssohn, el lugar se convirtió en un destino de peregrinación para creadores de la época como Julio Verne, J.M.W. Turner y la reina Victoria.
Sugerimos esduchar la interpretación de esta obra a cargo de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, el pasado 9 de Abril.
Santa Justa y Santa Rufina son dos de los nombres más conocidos de Sevilla.
Muchos las reconocen como santas vinculadas a la ciudad, a la Giralda y a la tradición sevillana, pero no todos conocen la historia que explica por qué llegaron a ser veneradas como mártires.
Según la tradición, ambas eran dos hermanas alfareras de la Sevilla romana.
Su vida sencilla en Triana cambió para siempre cuando, durante una fiesta pagana, se negaron a entregar tributo a un culto que no compartían.
A partir de ese momento, la tradición relata su denuncia ante el gobernador Diogeniano, su prisión, los tormentos y el martirio que las convirtió en símbolo de fe, resistencia y memoria para la ciudad.
En 1961, en plena dictadura franquista, llegó a los cines una película que no se parecía a ninguna otra. Dirigida por Alfredo Alaria, mezclaba musical, melodrama y simbolismo para contar, de forma velada, la historia de un hombre incapaz de encajar en una sociedad que rechazaba todo aquello que se apartaba de la norma.
Hoy está considerada una de las obras más singulares y adelantadas de la historia del cine español, además de un referente imprescindible para comprender la representación de la diversidad sexual durante la censura franquista.
En este vídeo analizamos su contexto histórico, su significado y las razones por las que continúa siendo una auténtica rara avis de nuestra cinematografía.
Durante más de un siglo, la peseta fue mucho más que una moneda.
Acompañó guerras, dictaduras, la democracia, las primeras vacaciones familiares, el primer coche y millones de pequeños momentos cotidianos.
Pero su desaparición no comenzó con la llegada del euro: llevaba años perdiendo fuerza mucho antes del cambio de moneda.
En este video descubrirás por qué desapareció, cómo afectó realmente el euro a la vida diaria, qué ocurrió con el famoso redondeo de precios y por qué millones de españoles decidieron conservar sus pesetas en lugar de cambiarlas.
"QUIEN ENTREGA SU VIDA POR AMOR, LA GANA PARA SIEMPRE"
Hemos de recordar la información facilitada por nuestro amigo el Cantor Tenor de nuestro Catedral, Julio López Agudo, (primero por la dcha en la imagen) que todos estos himnos que venimos publicando fueron compuestos o adaptados por Don Herminio González Barrionuevo hace un par de décadas, cuando se comenzó a realizar el Oficio en castellano.
"Quien entrega su vida por amor, la gana para siempre" es un canto litúrgico profundamente arraigado en la tradición de la Liturgia de las Horas (especialmente en el rezo de Laudes) y se utiliza principalmente como canto procesional en las fiestas de los santos mártires con letra escrita por el sacerdote y poeta español Francisco Malgosa y Música compuesta por el reconocido músico litúrgico Juan Jáuregui y que destaca por su crudeza poética y su profunda mística martirial, estructurándose bajo tres ejes principales:
Reafirma que el sacrificio extremo por amor no es una derrota, sino la victoria definitiva.
Plaza Medieval de Vrijthof, situada en pleno centro de Maastricht
NOTA REMITIDA POR NUESTROS COMPAÑEROS PASCUAL Y MARÍA ROSA
Como muchos amigos nos habéis preguntado sobre nuestro viaje para asistir al Concierto de Andre Rieu, y aunque sea un poco extenso, queremos compartir siquiera minimamente nuestras sensaciones.
Ante todo, y dadas nuestras actuales limitaciones de movilidad, aclarar que esto solo se pudo hacer por el empeño e interés de nuestra nieta mayor, Rocío, estudiante en Maastricht, con la complicidad de nuestros hijos, Carlos, Mayte y nuestra nieta menor, Laura, estas dos acompáñanos tambien en el viaje y sumándose en el destino a Rocío, pudiendo llegar a feliz término un viaje que nos parecía una imposible aventura. Nunca nos pareció que se podía difrutar realmente con Andre Rieu fuera del entorno de Maastricht, y siempre nos pareció triste hacerlo en un Palacio de Deportes o similar, por lo que nunca ni pensamos desplazarnos a puntos de España donde actúa ocasionalmente. Maastricht pone la Mágia.
Alguilamos durante una semana, una casa a unos 15 minutos de Maastrich, al cruzar la frontera con Bélgica, y junto al Rio Mosa en un lugar verdaderamente idílico.
Y ya puestos en el Concierto, hemos de aclarar que, existiendo logicamente buena música, no debemos considerarlo como tal puesto que André Rieu convierte cada actuación en una celebración colectiva, pensada para emocionar, sorprender y hacer disfrutar al público durante más de tres horas de auténtica alegría y que nos invita a participar emocionalmente desde el primer momento. Allí, aún siendo importante escuchar de lo que se trata es de vivir una experiencia compartida con miles de personas como nosotros en una celebración en la que la música, la emoción y el entretenimiento se unen de manera natural.
También las azafatas forman parte del espectáculo
Aparcamiento de sillas de rueda, que te recogen y entregan al término
Otro de los aspectos más valiosos de la experiencia fue la forma segura y tranquila de disfrutar de unas horas de alegría. Todo estuvo organizado para que el público pudiera relajarse, sentirse cómodo y centrar su atención en el espectáculo, desde el mismo momento en que un grupo de azafatas nos espera a la entrada, con unas atenciones realmente exquisitas.
La combinación de buena organización, ambiente elegante y un público entregado convierte la velada en algo más que entretenimiento; la transforma en un recuerdo positivo y reconfortante, algo que llevaremos con nosotros el resto de nuestras vidas, así como el agradecimiento a nuestos Hijos y Nietas, por hacer posible este sueño y todos espoleados por la alegría y amor de Rocío.
Y para que todo fuese completo, antes del Espectáculo, a las 17,30h. una Cena de Gala, aunque con ropa informal en un ambiente que invitaba a preparar tanto el cuerpo como el espíritu para lo que tenía que llegar, aunque a esa hora que los españoles nunca llegaremos a entender.
Brujas y sus Canales.
Lógicamente, también hubo tiempo para conocer a fondo esa preciosa ciudad medieval que es Maastricht, así como Brujas, Amberes y otros lugares, aunque eso ya serían otras historias.
Nuestros compañeros Pascual y María Rosa tuvieron ocasión de estar el pasado día 2 en el Concierto Inaugural de la Temporada de André Rieu en la Plaza Vrijthof, situada en pleno centro de Maastricht en un ambiente medieval absolutamente increible, transformada en un enorme auditorio.
Dentro del espectáculo, la soprano ucraniana Anna Reker interpretó una bellísima canción del folkore de su país, al tiempo que André Rieu hacía un alegato en favor de la Paz.
Estamos seguros que nuestros compañeros, tan pronto les sea posible nos hablarán de esa experiencia para compartirla con todos nuestros lectores.
¡Qué noche, Señor! Iluminada por la luna, estrellada:
Clara, incluso si recoges agujas…
Sal, amado, cansado del trabajo,
¡Al menos por un minuto al bosque!
Sentémonos juntos aquí bajo el viburno —
Y sobre los señores yo soy señor…
Mira, mi pequeño pez, —
la niebla se extiende por el campo en una ola plateada;
El bosque mágico, como si estuviera bañado por rayos, ¿
Está soñando o está durmiendo?
Allí en el esbelto y alto álamo
Las hojas tiemblan acariciando;
El cielo inconmensurable está bañado de estrellas — ¡
Qué es esta belleza divina! El rocío perlado juega
El Allegro scherzando es el vibrante y triunfal tercer movimiento del Concierto para piano n.º 2 en do menor, Op. 18 de Serguéi Rachmáninov, con dos últimos minutos realmente
Es ampliamente considerado uno de los finales más catárticos, técnicamente exigentes y emocionalmente explosivos de todo el repertorio romántico para piano.
Tras el fracaso absoluto de su Primera Sinfonía en 1897, Rachmáninov cayó en una profunda depresión y un bloqueo creativo que duró tres años. Gracias al tratamiento de hipnoterapia del doctor Nikolai Dahl—a quien está dedicado el concierto—, recuperó la confianza.
El estreno de la obra completa en 1901 supuso su gran regreso triunfal.
Tras un desarrollo complejo y una sección de fuga, el movimiento avanza hacia una monumental sección donde el segundo tema se proclama con la máxima potencia orquestal. La obra cierra con una vertiginosa coda que transmuta la oscuridad inicial del concierto en un do mayor resplandeciente, victorioso y masivo.
El bello himno litúrgico «¿Quién podrá tanto alabarte?» es una composición mariana escrita originalmente por el famoso dramaturgo y poeta español del Renacimiento Juan del Encina (1469–1529).
El poema original se titula «Pues que tú, Reina del cielo» y forma parte de la Liturgia de las Horas, utilizándose frecuentemente como himno de Laudes en festividades de la Virgen María.
El deseo sexual parece un impulso espontáneo, difícil de controlar.
Un pensamiento, una caricia, una voz y el cuerpo y la mente reaccionan.
Sin embargo, la excitación es mucho menos casual de lo que se cree.
Lara, una estudiante de Múnich, se somete a un proceso de acompañamiento en terapia sexual. Junto a la psicoterapeuta y sexóloga clínica Dania Schiftan, examina los procesos que configuran su excitación. De ello se desprende que, en muchas personas, el deseo está fuertemente condicionado.
Cuando ciertos patrones se repiten una y otra vez, las conexiones neuronales se consolidan, mientras que otras se debilitan.
En consecuencia, resulta más difícil que la excitación aparezca con estímulos nuevos o en situaciones inusuales.
El 11 de julio de 1937 fallece a la edad de 38 años, George Gershwin a causa de un tumor cerebral, en la cúspide de su carrera cinematográfica en Hollywood.
Fue uno de los compositores más importantes del siglo XX, famoso por unir de forma magistral la música clásica europea con el jazz estadounidense.
Trabajó la mayor parte de su carrera junto a su hermano mayor, Ira Gershwin, quien escribía las letras de sus canciones mientras George componía las melodías.
Su familia compró un piano originalmente para su hermano Ira, pero fue George quien se sentó a tocarlo inmediatamente y demostró un talento natural asombroso.ç
Viajó a París para estudiar con compositores como Maurice Ravel e Igor Stravinsky. Ravel se negó a darle clases diciéndole: "¿Por qué quieres ser un Ravel de segunda clase cuando ya eres un Gershwin de primera?".
De entre algunos de sus muchos éxitos, podemos citar la Ópera Porgy and Bess, para un elenco de actores negros. Tapsody in Blue, Un Americano en París etc.
Hoy queremos centrarnos en su Rapsody in Blue estrenada el 12 de febrero de 1924 en Nueva York, y es considerada la pieza que rompió las barreras entre la música clásica y el jazz.Su impacto revolucionó la música estadounidense al introducir los ritmos y la energía de la cultura afroamericana en las salas de concierto tradicionales.
El icónico inicio de la obra con el lamento del clarinete fue una casualidad que funcionó: Durante los ensayos, el clarinetista Gorman tocó la escala haciendo un arrastre exagerado a modo de broma. A Gershwin le fascinó tanto que le pidió que lo tocara exactamente así en el estreno.
¿Quién es realmente la patrona de Sevilla según una antigua tradición?
Muchos pensarían en la Virgen de la Hiniesta, otros en la Virgen de los Reyes, en Santa María de la Sede o en las santas Justa y Rufina.
Pero una vieja memoria sevillana sitúa el origen del patronazgo mariano de la ciudad mucho más atrás, en los primeros tiempos del cristianismo en Híspalis.
Según esta tradición, el apóstol Santiago llegó a Sevilla en el siglo I y puso al frente de la primera comunidad cristiana a San Pío, considerado por el relato como el primer obispo de la ciudad.
Más tarde, tras la aparición de la Virgen sobre un pilar, Pío habría modelado en barro una imagen de María de pie sobre una columna, destinada a aquella primera iglesia sevillana.
Con el paso de los siglos, la tradición distingue varios patronazgos: la Virgen del Pilar como patrona de la ciudad, Justa y Rufina como copatronas, Santa María de la Sede como patrona de la Sede Episcopal, la Hiniesta como patrona de la Corporación Municipal y la Virgen de los Reyes como patrona de la Archidiócesis Hispalense.
¿Cómo se construyó una de las maravillas más famosas del mundo?
En este video descubrirás el increíble secreto que sostiene al Cristo Redentor de Brasil, la gigantesca estatua que domina la ciudad de Río de Janeiro desde la cima del Corcovado.
Conocerás la historia detrás de su construcción, los desafíos de ingeniería que enfrentaron sus creadores, los materiales utilizados, cómo lograron levantar una estructura tan monumental en la cima de una montaña y por qué sigue siendo uno de los símbolos más reconocidos del planeta.
Desde sus primeros bocetos hasta su inauguración, exploraremos los datos más sorprendentes, curiosidades poco conocidas y el verdadero secreto estructural que ha permitido que esta impresionante obra resista el paso del tiempo, las tormentas y las inclemencias del clima.
Y como todo lo bello y espectacular, la Música se hizo eco de ello, a través de la figura del trompetista Donald Byrd.
La canción "Cristo Redentor" es una de las obras más emblemáticas del jazz de los años 60, famosa por fusionar el jazz moderno con el gospel y la música espiritual norteamericana.
Aunque el trompetista Donald Byrd la inmortalizó, la pieza fue compuesta en su totalidad por el pianista, arreglista y compositor Duke Pearson.
Duke Pearson compuso la melodía tras quedar profundamente inspirado por una visita a la famosa estatua del Cristo Redentor en Río de Janeiro, Brasil.
Donald Byrd, hijo de un ministro metodista, quería crear un álbum de piezas espirituales basadas en sus raíces. Definió el disco como un "himnario moderno" donde los músicos de jazz abordaban la música religiosa con respeto y devoción.
Su gran innovación fue la incorporación de un coro gospel de 8 voces, que realiza un canto sin palabras sirviendo de fondo atmosférico para los desgarradores y melancólicos solos de la trompeta con sordina de Byrd.
Tras unos días de ausencia por parte de los Editores, sin escribir ni consultar nuestro Blog, nos hemos llevado la maravillosa sorpresa de descubrir que hemos superado la espectacular cifra de dos millones de visitas, concretamente más de DOS MILLONES CINCUENTA MIL
Cuando este proyecto nació, lo hizo sin grandes pretensiones.
Nuestro objetivo principal siempre ha sido mantener la unidad de todos los componentes de la Décima y, haciendo honor a nuestro carácter universitario, aportar nuestro granito de arena a la difusión de la cultura, la música y la historia.
Asimismo, este rincón ha sido, y seguirá siendo, un lugar para compartir las emociones y vivencias de sus miembros.
Ver que el interés por lo que aquí compartimos ha alcanzado a tantas personas nos llena de un profundo orgullo y una enorme gratitud.
A todos los que nos leéis, nos apoyáis y formáis parte de esta gran familia: muchas gracias por vuestro interés y fidelidad, y si bien tenemos lectores en todos los lugares del mundo, hemos de citar de forma especial a los componentes de La Décima, Comunidad Universitaria del Aula de la Experiencia, Personajes vinculados al mundo de la Música y la Lírica o solamente interesados en ello.
Vosotros hacéis que este Blog siga vivo.
Para acompañar estas líneas de gratitud, os invitamos a escuchar Salut d'Amour de Edward Elgar.
Deseamos que su hermosa melodía os transmita el mismo afecto y calidez con el que hoy os damos las gracias.¡Un fuerte abrazo para todos!
Si bien no existirán unas largas vacaciones, lo cierto es que durante las próximas semanas, este blog va a imitar el comportamiento del río Guadiana.
¿Qué significa esto? Que entraremos en una fase de actividad intermitente.
Al igual que el famoso río, nuestro ritmo de publicación "desaparecerá" de la superficie en algunos momentos para que podamos descansar, pero volverá a "emerger" con fuerza y nuevos contenidos de forma alterna.
No nos marchamos por mucho tiempo, simplemente bajamos el ritmo para recargar pilas.
Sigue atento, porque en cualquier momento volveremos a asomar la cabeza por aquí.
¡Feliz verano y feliz descanso a todos!
Entretanto, seguiremos dsfrutando con la Música Clásica, con el Jazz, y ¿Como y por qué no?, Con un buen Rock and Roll.
Y siempre son el sabor a sal y a mar sobre tu piel.
Supongo que como nosotros, fueron muchos quienes a finales de los 60 se vieron sorprendidos por esta pieza musical, además tan larga, y que firmaba un grupo con un nombre tan curioso como "Iron Butterfly" Mariposa de Acero.
"In-A-Gadda-Da-Vida" es una de las composiciones más icónicas y revolucionarias de la historia del rock, grabada por la banda estadounidense Iron Butterfly en 1968, Con una duración exacta de 17 minutos y 5 segundos, esta pieza ocupa por completo la cara B del disco de vinilo y es ampliamente reconocida como una obra puente fundamental entre el rock psicodélico y el nacimiento del heavy metal.
Fue un accidente de grabación. La banda tocó la versión de 17 minutos simplemente para probar los niveles de sonido de los micrófonos en el estudio, pero el productor decidió que la toma era perfecta y la dejó tal cual.
Gracias a este tema, el disco fue el primer álbum de la historia de la música en recibir la certificación oficial de Disco de Platino de la RIAA.Versión de radio.
Para poder pasarla en las emisoras de la época, se editó una versión corta en single de 2 minutos y 52 segundos que llegó al Top 40 de Billboard.
