LA CAPILLA DOMÉSTICA DE SAN LUIS DE LOS FRANCESES.

A diferencia de la gran iglesia pública, esta es la capilla interior y privada, un recinto sagrado que estuvo oculto al mundo y reservado exclusivamente para los novicios jesuitas. 

 Cruzar sus puertas es como abrir un cofre dorado donde cada centímetro cuadrado cuenta una historia.

ALFREDO KRAUSS, LA NOCHE EN QUE EL ALCAZAR ENMUDECIÓ

Hoy, 10 de septiembre, es una fecha que siempre asociaremos al momento en que pendientes del comienzo de un Concierto en el Patio de la Monteria del Alcazar el director Klaus Weise cogió el microfono para darnos una triste noticia, que ya corria entre los asistentes, por llamadas telefónicas de aficionados ligados a su familia, como nuestra compañera Emilia.

Hace ya 27 años de aquello, año 1999,  pero nunca olvidaremos ese momento en que se nos anunciaba la muerte de Alfredo Kraus, el tenor que convirtió el canto en una ciencia exacta y en un arte de caballeros. 

Kraus no era solo una voz única, sino una forma de entender la profesión basada en la disciplina, el respeto absoluto a la partitura y una dignidad inquebrantable.  

Kraus no buscó nunca el aplauso fácil ni los fuegos artificiales de la mercadotecnia. Supo esculpir su carrera con la precisión de un orfebre, seleccionando con mimo cada rol para proteger un instrumento tan valioso como su Voz.

Inmediatamente, y en su homenaje, se cambió el orden de las obras a interpretar, para comenzar con el Intermezzo de Cavalleria Rusticana.

HENRY PURCELL

.El 10 de septiembre de 1659 nace en Westminster Henry Purcell, compositor inglés del barroco. Considerado uno de los mejores compositores ingleses de todos los tiempos, incorporó a su música elementos estilísticos franceses e italianos, generando un estilo propio inglés de música barroca.

Se dice que Henry Purcell comenzó a componer a los 18 años de edad, pero la primera obra que puede ser identificada con certeza como de su autoría es la Oda para el cumpleaños del rey escrita en 1670.

En 1689, Purcell compuso la ópera Dido y Eneas, que constituye un importante hito en la historia de la música dramática inglesa con la famosa aria «Lamento de Dido»

EL MAR DE ARAL Y LA BAHÍA DE PORTMAN

EL MILAGRO FRENTE AL BLOQUEO

Hoy nos hemos visto reconfortados con la noticia de la resurrección del Mar de Arán, considerado hasta hace poco la mayor catástrofe medio ambiental del siglo XX.

En el video que compartimos, podemos ver cual era la situación y como ésta se ha revertido, pero ello nos ha hecho pensar en algo que nos pilla más cerca, como es la Bahía de Portman, y hemos creido ver puntos coincidentes, al menos en cuanto a la catastrofe provocada por el ser humano. si bien mientras que el mar de Aral (Asia Central) sufrió una desecación extrema por desvíos hídricos masivos, dedicados a cultivos,  la bahía de Portmán (La Unión, junto a Cartagena) fue sepultada físicamente bajo millones de toneladas de residuos mineros tóxicos por vertidos directos al mar de más de 60 toneladas de metales pesados, llegando a colmatar la bahía, que desapareció.

En el primer caso, la solución ha venido de la Ingeniería hidaulica, con la construcción de una presa, pero ¿Que pasa con Portman?

Mientras que en Aral se ha demostrado que el retorno existe, incluso con cooperación internacional, en Portaman seguimos atrapados por la burocracia, que hace que el proyecto lleve decadas atascado, y tras la decisión inicial de un dragado de todos esos minerales, el gobierno central ha cambiado de opinión, proponiendo un sellado y que esos materiales queden sepultados,  algo que choca con los intereses y opinión de los propios vecinos, que quieren tener de nuevo su playa y no tener ese peligo latente bajo sus arenas,

Y así, mientras que la burocracia eterniza el problema, a la Bahía siguen llegando más contaminación procedente de residuos de antiguas balsas.

O sea, que NADA NUEVO BAJO EL SOL NI SOBRE LAS ARENAS DE LO QUE FUE UNA HERMOSA BAHÍA.

Y ahora, proponemos echar un vistazo a la acción llevada a cabo en Aral y sus resultados y aproximación al desastre de Portaman.

LOS COCEORES, LA PLAYA QUE UNE MURCIA Y ANDALUCIA

Publicación remitida por nuestro compañero Pascual.

Hace tan solo unos dias, el odontólogo nos preguntaba donde habíamos pasado las vacaciones y me pidió detalles del lugar, situación geográfica exacta etcetera, dudando en ese momento entre si decirle que la falta "culturilla" o extenderme como embajador de Águilas, y eso fue lo que hice, con una explicación más escueta aunque mis pensamientos volaban hacia un texto que podría haber sido así.

En Águilas, tenemos una playa, Los Coceores, aunque también se le conoce como Cala Cerrada, ( o quizás sea al revés) que sirve de Unión entre Murcia y Almería, con unas formaciones de roca amarilla, que le da su composición de conchas marinas fosilizadas y en las que el viento dibuja cuevas y formas caprichosas, como ningún escultor puede llegar nunca a hacer.

Siempre hemos pensado que allí es exactamente el lugar donde, no solo el mar, sinó también la cultura, funde a Murcia con Andalucía, puesto que la Naturaleza no entiende de mapas sino de Sentimientos, y podemos asegurar que los peces que allí existen, cada vez menos, no entienden en que lugar se encuentran.

Así es, de forma general El Mediterraneo, un mar que Une, y donde no solo nuestra niñez, sino nuestra madurez, ya casi vejez, sigue jugando en sus playas.

JUANITA REINA, ALBENIZ Y SERENATA ESPAÑOLA

Serenata española es una destacada película española de drama musical rodada en 1946 y estrenada en cines el 12 de mayo de 1947. 

Fue dirigida por el célebre cineasta Juan de Orduña y producida por la compañía Colonial AJE. 

El largometraje funciona como un biopic libre y romántico sobre la vida del célebre compositor y pianista español Isaac Albéniz.

Esta película supuso un punto de inflexión clave para Juanita Reina, ya que consolidó su salto al estrellato cinematográfico de la mano de Juan de Orduña, con quien repetiría en futuros proyectos de éxito de la época.

Y una  buena noticias. La película se puede ver libremente a través de Youtube, en vídeo que publicamos a continuación, tras el documental.

CUANDO SINATRA SUSURRÓ JUNTO A TOM JOBIM

Hemos pensado a veces en cual es, para nuestro criterio, la mejor grabación de la que disponemos, de Frank Sinatra, y no dudamos ni un momento es la respuesta.

Un antiguo LP, CD y posteriormente en vídeo, de una actuación del año 1967, junto a Antonio Carlos Jobim.

Hemos recuperado el LP de nuestra vieja, pero no polvorienta, discoteca para volver a releeer y recordar el texto que figuraba en el mismo, cuando uno de los alicientes al comprar uno de aquellos discos, y posteriormente CD era leer el texto que lo acompañaba, y del que extraemos algunas frases, incluso del propio productor.

El ambiente de extrema suavidad, intimidad y absoluto respeto que se vivió en el estudio de grabación entre ambos músicos, destacando que intentaban "hacerse callar el uno al otro" con delicadeza.  

Cornyn describió la música y el ambiente como algo "tierno como una quemadura de sol de dos días en Río". Para explicar por qué decidieron no usar arreglos estridentes, escribió una analogía memorable: "¿Golpear una de sus canciones [de Jobim] en la espalda con un par de trompetas? Sería como lavar cristalería fina en una hormigonera".

Decía de Tom Jobim "Un hombre-niño esbelto y despeinado, que habla en voz baja mientras a su alrededor corre un mundo demasiado rápido. A Antonio no le preocupa el clamor del mundo. Le preocupan más los susurros de su propio corazón." 

Sinatra: "No he cantado tan suave desde que tuve laringitis". La propia hija de Frank, Nancy Sinatra, confirmaría años más tarde en sus memorias esa misma atmósfera descrita en el LP, mencionando que en el estudio "Frank y Tone [Tom Jobim] se comunicaban en voz baja, con los ojos, sus sonrisas, sus abrazos y miradas de complicidad".

De aquella sesión de grabación, SOLO PODÍA SURGIR MAGIA.

L'ELISIR D'AMORE

Si algún joven, o menos joven,  que comienza a escuchar ópera nos pidiera nuestra opinión sobre con qué título comenzar para despertar y fomentar su futuo interés, con un argumento fácil de entender y con unos personajes entrañables, nuestra respuesta no admitiría dudas: l'Elisir d'Amore" de Gaetano Donizetti. 

La producción que sugerimos, si bien hay otras que nos agradan más, tiene el aliciente de contar con subtítulos en español, y una especial quimica entre sus intérpretes, pues no en balde Roberto Alagna y Angela Georghiu, fueron matrimonio hasta el año 2013 y cuando se grabó esta producción, estaban practicamente de "Luna de Miel", quizás favorecidos por el famoso Elixir.

DEMOLEDOR INFORME PISA ¿INVERSIÓN O IDEOLOGÍA?

Como universitarios que somos todos cuantos formamos parte activa de La Décima, nos sentimos absolutamente desolados por el último informe PISA que nos sitúa en el vagón de cola, muy por debajo de la media de la OCDE y de la Unión Européa.

Personas más entendidas que nosotros, que solo somos "estudiantes", seguro que intentarán buscar "Excusas pero no Soluciones" a este grave problema que atenta contra nuestro futuro, de una forma manifiesta.

Habrá quienes dirán que falta financiación por parte de las Autonomías, cuando lo evidente es que tenemos ejemplos como el pais vasco, con los peores datos a pesar de que tiene uno de los mayores gastos por alumno mientras que otras como Madrid, Castilla y León y Asturias están a la cabeza del rendimiento nacional y por encima de la media de la OCDE.

Lo cierto, es que con los motivos que cada parte interesada pueda aportar, "Entre todos lo mataron y ella sola su murió", con el inicio en aquella controvertida Ley Celáa, siendo éste el primer informe PISA que se realiza desde su implantación, y que dividió por completo a la sociedad docente española, y dejamos a la curiosidad de cada uno de nuestros lectores interesados, que repasen aquella Ley y que, con inteligencia y sin adoctrinamiento saque sus conclusiones. Para algo en la Universidad, lo que nos enseñan basicamente es a "PENSAR".

LISETTE OROPESA, JAVIER CAMARENA Y EL HISTÓRICO BIS EN EL REAL CON LUCIA DE LAMERMOOR

El histórico bis del sexteto de Lucia di Lammermoor ocurrió en julio de 2018, marcando un hito inolvidable dentro de las celebraciones de la Temporada 17/18, que conmemoraba los 200 años de la colocación de la primera piedra del Teatro Real. 

Para que un bis coral (de seis personas) suceda, la química debe ser perfecta. El primer reparto encargado de esta hazaña estuvo encabezado por dos superestrellas del bel canto: el tenor mexicano Javier Camarena (Edgardo) y la soprano estadounidense Lisette Oropesa (Lucia). Oropesa, de hecho, estuvo a punto de conseguir su propio bis individual tras la emblemática y exigente "escena de la locura" debido a la brutal ovación que recibió. 

La noche del histórico primer bis (7 de julio) coincidió plenamente con las celebraciones del Madrid Orgullo 2018. Para conmemorarlo y expandir la ópera más allá de sus muros, el Teatro Real instaló tres pantallas gigantes en la Plaza de Oriente y retransmitió la función en directo por redes sociales, haciendo que el histórico bis fuera presenciado en tiempo real por miles de personas en las calles y en todo el mundo.

BLUE SUEDE SHOES

El 8 septiembre 1956, sale publicado el single Blue Suede Shoes de Elvis Presley, versión original de Carl Perkins. 

Blue Suede Shoes se convirtió en un himno del rock and roll y tuvo un gran impacto en la cultura popular. La canción fue uno de los primeros éxitos en cruzar las barreras raciales en la música, ya que fue popular tanto entre la audiencia blanca como negra. Además, fue una de las primeras canciones de rock en alcanzar el número uno en las listas de country y rhythm and blues al mismo tiempo.

Pero hablar de esta canción nos obliga a homenajear a su creador Carl Perkins y las circunstancias por las que triunfó con Elvis.

En marzo de 1956, Carl Perkins iba camino a Nueva York para presentarse en el show de televisión de Perry Como y celebrar que su tema original "Blue Suede Shoes" ya era un éxito millonario en ventas. Su coche chocó contra un camión. Perkins sufrió una grave fractura craneal y su hermano Jay quedó herido de muerte. Esto lo obligó a pasar meses hospitalizado y en recuperación. 

Elvis pidió expresamente a su discográfica (RCA) que no lanzara la canción como un sencillo comercial para no competir con el disco de Perkins mientras este se recuperaba. 

Con Perkins fuera de combate en el hospital, la televisión estadounidense necesitaba a alguien que tocara el nuevo ritmo de moda. Elvis interpretó el tema en sus legendarias apariciones en televisión 

La arrolladora energía visual de Elvis, combinada con la inactividad forzada de Perkins, hizo que el público masivo asociara permanentemente el tema con el "Rey del Rock".

RICHARD STRAUSS

El 8 de septiembre de 1949 fallece en Baviera, Richard Strauss, destacado compositor y director de orquesta alemán cuya larga trayectoria abarca desde el romanticismo tardío hasta la primera mitad del siglo XX. 

Es conocido particularmente por sus óperas, poemas sinfónicos y Lieder. 

Strauss, junto con Gustav Mahler, representa el extraordinario florecimiento tardío del romanticismo germánico después de Richard Wagner, en el cual un desarrollo elaborado y complejo de la orquestación se une a un estilo armónico avanzado. 

La obra de Strauss influyó profundamente en el desarrollo de la música del siglo XX.

ANTONIN DVORAK

El 8 de septiembre de 1841 nace Antonín Dvorak, compositor posromántico natural de Bohemia —territorio entonces perteneciente al Imperio austríaco—, uno de los primeros compositores checos en lograr el reconocimiento mundial y uno de los grandes compositores de la segunda mitad del siglo XIX. Empleó con frecuencia ritmos y otros aspectos de la música folclórica de Moravia y su Bohemia natal, siguiendo el ejemplo de su predecesor, el nacionalista de la era romántica Bedřich Smetana.

En 1892, se mudó a Estados Unidos y se convirtió en el director del Conservatorio Nacional de Música de América en Nueva York. 

La presidenta del Conservatorio Nacional, Jeannette Thurber, le ofreció un salario anual de 15 000 dólares, veinticinco veces lo que le pagaban en el Conservatorio de Praga.

Mientras estuvo en Estados Unidos, escribió sus dos obras orquestales más exitosas: la Sinfonía del Nuevo Mundo, que difundió su reputación en todo el mundo,y el Concierto para violonchelo.

El Te Deum, op. 103, es un cantata para soprano y barítono solista, coro y orquesta con el texto latino del famoso himno espiritual «Te Deum laudamus» (A ti, Dios, te alabamos). Fue compuesto en 1892 y dedicado a los 400 años del descubrimiento de América.

EL SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO

La música de Mendelssohn para El sueño de una noche de verano es un caso singular.

Compuesta entre el 7 de julio y el 6 de agosto de 1826, cuando Mendelssohn tenía 17 años y medio. Es una obertura de concierto, no pensada inicialmente para acompañar una representación teatral, sino como pieza independiente inspirada en la lectura de una traducción alemana de la comedia de Shakespeare. 

Dieciséis años después, en 1842, Mendelssohn recibió el encargo del rey Federico Guillermo IV de Prusia de escribir música incidental para una producción de El sueño de una noche de verano que se representaría en Potsdam en 1843.

Mendelssohn reutilizó aquella obertura coompletándolo con coros, melodramas y marcha hasta quedar como todos conocemos.

Mendelssohn conocía bien la comedia y se identificaba con sus personajes; en cartas a su hermana Fanny hablaba de la obra como un proyecto de “inmensa audacia”

CUANDO ALGUNAS PELÍCULAS PERMANECÍAN CASI UN AÑO EN LA MISMA SALA

Entre 1950 y 1961, algunas películas españolas se convirtieron en auténticos fenómenos de público y consiguieron permanecer durante meses y meses en cartel. 

 En este vídeo repasamos algunos de aquellos increíbles taquillazos: Marcelino, pan y vino, Tarde de toros, Aquellos tiempos del cuplé, ¿Dónde vas, Alfonso XII?, La violetera o El último cuplé. 

 Y las cifras son sorprendentes: 145, 175, 210, 217 días... hasta llegar a un récord extraordinario de 325 días en una misma sala. 

 Una clasificación que también nos permite descubrir qué quería ver realmente el público español de los años cincuenta y comprobar que las películas que hoy consideramos grandes clásicos no siempre fueron las que más tiempo permanecieron en cartel. Sara Montiel, Paquita Rico, Vicente Parra, Pablito Calvo, Lilián de Celis y muchas otras figuras protagonizaron una época en la que ir al cine era uno de los grandes acontecimientos de la vida cotidiana.

UN GRAN Y FAMOSO GESTO MUSICAL, SURGIDO DE UNA BROMA

El famosísimo comienzo de la Rapsodia en Blue con ese “lamento” de clarinete nació de una broma en los ensayos, pero a Gershwin le gustó tanto el resultado que lo incorporó definitivamente a la obra.

En la partitura original, el clarinete debía hacer un trino seguido de una escala ascendente de 17 notas, escrita de manera discreta y sin indicación de glissando. 

Durante los ensayos previos al estreno de 1924, Ross Gorman, el clarinetista principal de la banda de Paul Whiteman, decidió “gastarle una broma” a Gershwin y tocó esa escala con un glissando exagerado y muy “jazzy”, estirando las notas y añadiendo un efecto de lamento.

Gershwin fue todo lo contrario a enfadarse: le encantó el efecto. Le pidió a Gorman que lo hiciera igual en el concierto y que, de hecho, le diera aún más carácter de “lamento” o “queja” jazzística. 

En el estreno, el 12 de febrero de 1924 en el Aeolian Hall de Nueva York, ese glissando inicial “electrizó” al público y se convirtió inmediatamente en uno de los gestos musicales más reconocibles del siglo XX.

BUDDY HOLLY

El 7 septiembre 1936, nace Buddy Holly, uno de los grandes pioneros del rock and roll. 

Formó su primera banda, The Western and Bop, mientras estaba en la escuela secundaria. Más tarde, su estilo musical evolucionó hacia el rock and roll, influenciado por artistas como Elvis Presley y Chuck Berry. 

En 1956, Buddy Holly formó su famosa banda, The Crickets, que se convertiría en una de las bandas más destacadas en los inicios del rock and roll.  Falleció trágicamente a la edad de 22 años en un accidente de avión el 3 de febrero de 1959, junto con los músicos Ritchie Valens y J.P. «The Big Bopper» Richardson, un tragedia que se conoció como «El día que murió la música» tras la canción de Don McLean, American Pie.

POR QUÉ NOS SIGUE CONMOVIENDO EL SEGUNDO DE LA SEPTIMA.

Es posible que cualquier buen aficionado a la música clásica, haya entendido inmediatamente que queremos hablar de la Septima Sinfonía de Beethoven, y dentro de ella, de su segundo movimiento.

Como nos suele suceder a quienes empezamos a amar la música clásica hace algún tiempo, es posible que esta sinfonía y movimiento le produjera e hiciera "descubrirla" con una fuerte emoción en algún momento de su vida que incluso quizás recuerde. 

La Séptima Sinfonía de Beethoven es una de sus obras más vitales y rítmicamente obsesivas, y su segundo movimiento, el Allegretto, se ha convertido en uno de los fragmentos más célebres y conmovedores de toda la música sinfónica, con la curiosidad de que en el estreno el público pidió que se repitiera antes de continuar con el resto de la sinfonía y desde entonces es uno de los movimientos más programados y grabados de Beethoven, quien explota las posibilidades del cuerpo de cuerdas (violas, violonchelos, contrabajos) para crear un tapiz sonoro denso y misterioso y aunque a veces se ha usado como “marcha fúnebre”, el tempo Allegretto sugiere algo menos sombrío: una procesión melancólica pero viva, entre el lamento y la resignación esperanzada.

Proponemos a nuestros lectores que decidan escuchar este vídeo, y poco inmersos en la música clásica,  seguir estos momentos

Apertura en penumbra (cuerdas graves) El movimiento comienza con un acorde de la menor y un ostinato rítmico muy suave en violas, violonchelos y contrabajos. 

Escucha el ritmo “largo–corto–corto” que recorre casi todo el movimiento. Crecimiento y densidad Poco a poco entran más instrumentos; el mismo material se repite pero con más fuerza y color. 

 Fíjate en los contracantos que se superponen: Beethoven va añadiendo capas que convierten lo simple en algo complejo. 

Hay una sección que funciona como un rayo de esperanza: la melodía se vuelve más clara y dulce. Este contraste es clave: pasa del lamento contenido a una especie de “consuelo” temporal. 

Clímax y catarsis La música vuelve a la tensión inicial, pero ahora con mayor vehemencia: las cuerdas tocan con más intensidad y el carácter se vuelve casi angustiado. Beethoven lleva la emoción al límite sin perder la coherencia del ritmo base. 

Tras el clímax, la música se va apagando gradualmente; el ostinato persiste, pero cada vez más tenue. El final no es triunfal, sino íntimo: como si el dolor se aquietara sin resolverse del todo.

UN COLLAR PARA CAMBIAR EL DESTINO

Una reina visigoda, un príncipe musulmán y una ambición que podía cambiar el destino de Sevilla. 

Tras la caída del reino visigodo, Egilona, viuda de don Rodrigo, fue conducida a Sevilla. 

Allí despertó el amor de Ab-del-Azziz Ben Musa y terminó convirtiéndose en su esposa, adoptando el nombre de Ommalissan. 

 Pero para quien había sido reina, aquella nueva posición no parecía suficiente. 

Una conversación en el Alcázar, un collar convertido simbólicamente en corona y una denuncia enviada a Damasco desencadenarían un trágico desenlace.

LOS CUARTETOS DE CUERDAS EN LA MÚSICA DE CÁMARA

El cuarteto de cuerdas es considerado el género por excelencia de la música de cámara y el terreno definitivo para el testeo técnico e intelectual de los compositores occidentales. 

Integrado de forma fija por dos violines, una viola y un violonchelo, esta agrupación representa un equilibrio tímbrico idóneo.

Uno de los cuartetos de cuerda jóvenes más emocionantes del panorama internacional en esta transmisión en vivo desde la Beethovenhalle Bonn, presentada como parte del Beethovenfest Bonn 2026. 

El Cuarteto de Cuerda Isidore combina voces estadounidenses contemporáneas con obras maestras atemporales del repertorio clásico en un programa que une siglos y continentes.