El 27 de enero de 1806 nace en Bilbao Juan Crisóstomo de Arriaga, compositor español de música clásica, apodado el “Mozart español” debido a las grandes dotes musicales que presentaba ya desde niño, al igual que Wolfgang Amadeus Mozart, así como a su prematura muerte a los diecinueve años de edad.
En septiembre de 1821, su padre, recomendado por el compositor José Sobejano y Ayala, decide mandar a su hijo a París con tan solo 15 años para que allí pudiera adquirir los conocimientos que en su Bilbao natal ya nadie podía proporcionarle.
El día 26 del mismo mes, Juan Crisóstomo parte hacia la capital francesa, obteniendo la carta de residente el día 13 de octubre del mismo año, pocos días después de llegar a la ciudad.
Desde este momento su familia no volvería a verle nunca más.
A la muerte de Juan Crisóstomo, un baúl fue enviado a la casa de su padre en Bilbao, conteniendo su violín y algunos manuscritos con parte de su obra, y fue dejado en un desván donde permaneció años abandonado hasta ser rescatado, casi medio siglo después, por un familiar en 1869
El 27 de enero de 1823 nace en Lille, Édouard Lalo, violinista y compositor francés.
Las fuentes discrepan sobre su ascendencia española ya que se tiene constancia del apellido de la madre: Wacquez, pero no se sabe ciertamente si corresponde al español Vázquez o no.
Dedicado durante mucho tiempo a una labor oscura, conoció el éxito con Symphonie espagnole, para violín y orquesta (1873), Concerto pour violoncelle (1876) y Rhapsodie norvégienne (1879), entre otras obras.
El 27 de enero de 1756 nace en Salzburgo Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart, conocido como Wolfgang Amadeus Mozart, un compositor, pianista, director de orquesta y profesor de origen austriaco, del antiguo Arzobispado de Salzburgo (anteriormente parte del Sacro Imperio Romano Germánico, actualmente parte de Austria).
Maestro del clasicismo, es considerado como uno de los músicos más influyentes y destacados de la historia.
Todos conocemos muchos detalles de la vida, de Mozart, incluso los que son inventados y sin base histórica, así como su obra, así que hoy vamos a centrar la atención de una sus composiciones más curiosas, como La Flauta Mágica, que puede parecer un cuento de Hadas, pero que encierra toda una simbología masónica, de la que Mozart era miembro, transmitiendo ideales ilustrados de fraternidad y sabiduría y que Ramón Gener desarrolla en su conferencia.
¿Cómo se pueden alterar los componentes moleculares del cuerpo humano para luchar contra las enfermedades?
En este vídeo la biofísica Eva Nogales se adentra en el mundo celular para mostrarnos los secretos que esconden las pequeñas unidades que forman y son vitales en nuestro organismo.
Con un discurso cercano y didáctico, Nogales explica cómo los microtúbulos, componentes celulares a los que ha dedicado años de investigación, interactúan para generar la reproducción celular y cómo los avances en los que trabaja diariamente han sido clave para ayudar a combatir enfermedades como el cáncer.
Andrés Moreno Mengibar escribe para la revista Bekmesser la crítica de Margot, de Turina, en el Gran Teatro de Córdoba, cuyo director y gerente han puesto un gran empeño en resucitar esta Obra, cuya acción original se situa en Sevilla, de donde era natural el compositor.
Podrmos leer la crítica completa EN ESTE ENLACE, del que entresacamos algunos parrafos.
"No tuvo suerte Turina con su estreno en el Teatro de la Zarzuela, pero hay que achacarlo más a la diferencia de lenguaje frente el repertorio zarzuelero habitual por entonces que a la calidad intrínseca de la música de Margot"
Berna Perles, como Margot, supo ser las joven despreocupada de París, con voz ligera y bien situada arriba en su cuplé de presentación; pero también la sufriente y desesperada al borde la locura del segundo acto, con una voz más dramática, de centro ancho y bien plantado y un fraseo muy intenso. Resultó impresionante su manera de atacar en pianissimo el sobreagudo de “¿Qué será de ti?”.
La publicación de esa crítica, viene acompañada de un vídeo, con un fragmento de la obra, tal como fue interpretado en la Cátedral de Jerez, en el año 2021, por la Joven Orquesta Filarmónica"Campos Andaluces".
La Brasil Jazz Sinfônica es una orquesta brasileña creada en 1989 en el ámbito de la Secretaría de Cultura del Estado de São Paulo, que fusiona una orquesta sinfónica tradicional con una big band de jazz.
Tiene un cuerpo estable de unos 70 músicos que une la plantilla orquestal “clásica” (cuerdas, maderas, metales, percusión sinfónica) con sección de jazz (saxos, trompetas, trombones, batería, bajo, etc.), buscando una sonoridad híbrida propia.
Hoy es un símbolo de la diversidad musical brasileña: rescata y reinterpreta clásicos del acervo popular con lenguaje sinfónico-jazzístico.
El pasado mes de Diciembre de 2025 ofrecieron un concierto interpretando la Música deAntonio Carlos Jobim.
Una forma distinta de escuchar la tradicional música brasileña.
La Corte de Faraón, la obra prohibida por la Censura, que el cine español terminó rescatando.
En este video exploramos cómo esta célebre opereta, cargada de picardía y dobles sentidos, fue prohibida por la censura de Franco por parodiar la historia bíblica de José y escandalizar a la moral oficial del régimen.
Aun así, sobrevivió en grabaciones discográficas, adaptaciones absurdas como La Bella de Texas con Nati Mistral, versiones mexicanas y reinterpretaciones cinematográficas.
El video incluye además fragmentos de las distintas versiones cinematográficas de los famosos cuplés babilónicos.
"Red Roses for a Blue Lady" es una canción popular de 1948 .
Se trata de un hombre que pide rosas rojas a un florista para reconciliarse con su amada tras una discusión, esperando que las flores alejen su tristeza ("blue") y allane el camino hacia el matrimonio con una orquídea blanca para su vestido de novia.
La canción resurgió en 1965 con vcarias versiones simultáneas en las listas de éxitos y proponemos escuchar algunas de ellas.
Quiero unas rosas rojas para una dama triste,
señor florista, tome mi pedido, por favor.
Tuvimos una discusión tonta el otro día,
espero que estas bonitas flores alejen su tristeza.
Quiero unas rosas rojas para una dama triste,
envíelas a la chica más dulce del pueblo.
Y si funcionan, volveré corriendo a escoger
su mejor orquídea blanca para su vestido de novia.
Miguel de Cervantes, en Don Quijote de la Mancha, nos define lo que es un refrán: "los refranes son sentencias breves, sacadas de la experiencia y especulación de nuestros antiguos ancianos"
Los refranes son sentencias breves, habitualmente, de autor desconocido.
No obstante, muchas frases literarias y bíblicas han pasado a formar parte del refranero popular. La mayoría de los refranes son observaciones acuñadas por la experiencia colectiva a lo largo del tiempo, con temas que van desde la meteorología hasta el destino invariable y fatalista de existencia.
Constituyen el bagaje cultural del pueblo en tiempos en los que la tradición oral pasaba la sabiduría popular de una generación a otra.
El 25 de enero de 1886 nace en Berlín Wilhem Furgwängler, director de orquesta y compositor alemán, considerado uno de los más notables del siglo XX.
Tuvo una relación ambigua y muy polémica con el nazismo: no fue miembro del Partido, ayudó a muchos músicos judíos, pero permaneció en Alemania y dirigió bajo el Tercer Reich, lo que le valió acusaciones de colaboración.
Tras la guerra fue sometido a procesos de desnazificación en Viena y Berlín, acusado de apoyar al nazismo por haberse quedado en Alemania y haber dirigido en actos oficiales.
Él alegó que permaneció “no porque fuera nazi, sino porque era alemán”, que su misión era preservar la música alemana.
Finalmente fue exonerado y pudo volver a dirigir, pero la controversia nunca desapareció: para algunos es un ejemplo de “resistencia desde dentro”, para otros, un gran artista que aceptó demasiadas concesiones morales.
Bayreuth reabrió el 29 de julio de 1951 tras siete años de cierre, con un concierto inaugural dirigido por Furtwängler que incluyó la Novena Sinfonía de Beethoven.
Wilhelm Furtwängler introduce varios silencios memorables en su interpretación de la Sinfonía n.º 9 de Beethoven, pero el más icónico es la pausa dramática antes de la entrada de la Oda a la Alegría en el cuarto movimiento (Finale), que genera una tensión apoteósica y que en aquella ocasión duró entre 10 y 15 segundos.
Descubre cómo sobrevivían familias enteras y acompáñanos en este viaje al recuerdo y a la historia.
Este contenido revive el invierno en la España de 1950, una etapa de posguerra marcada por nevadas históricas, escasez, hambre y temperaturas extremas.
Conocerás cómo el frío se colaba en casas sin calefacción, cómo el brasero y la mesa camilla se convirtieron en el centro de la vida familiar y por qué sistemas como la gloria castellana eran auténticos tesoros.
Hablamos de la gran nevada de Madrid, del racionamiento, de los sabañones, de las escuelas heladas y de la enorme diferencia entre ricos y pobres.
También de algo que quizás se ha perdido en zonas superpobladas: la vida compartida, la solidaridad vecinal y la resistencia colectiva frente al invierno más duro.
Sevilla se ha ido tejiendo a sí misma a través de una mezcla de historia documentada y relatos orales que han dejado un mapa de leyendas casi tan denso como su propio callejero.
Un origen casi mítico. Desde antiguo se atribuye la fundación mítica de la ciudad a Hércules, cuya figura habría llegado a la zona hacia el año 1000 a. C. con los primeros navegantes fenicios.
Algunas crónicas sitúan en ese mismo marco legendario a personajes como Hispalo o Hispano, sucesores mitológicos a los que se atribuye el origen de Hispalis.
La Sevilla que asusta y fascina. Triana y el casco histórico concentran relatos de apariciones, maldiciones y pactos, que van desde el “Cristo de las Mieles” en el cementerio hasta historias de fantasmas y casas encantadas recogidas en compilaciones recientes de mitos locales.
Ramón Gaya fue un destacado pintor y escritor español nacido en Murcia el 10 de octubre de 1910 y fallecido en Valencia el 15 de octubre de 2005.
Abandonó la escuela a temprana edad para dedicarse a la pintura, influido por pintores murcianos como Pedro Flores y Luis Garay, amigos de su padre, un litógrafo catalán.
A los 17 años recibió una beca del Ayuntamiento de Murcia para estudiar en el Museo del Prado, y viajó a París donde expuso pero rechazó la vanguardia.
Durante la Guerra Civil Española colaboró en revistas como Hora de España y las Misiones Pedagógicas; perdió a su esposa en 1939 y se exilió en México hasta 1952, creando "Homenajes a los Grandes Pintores" y paisajes locales.
Regresó a España en 1960 tras pasar por Roma, donde se inspiró en maestros como Tiziano y Rembrandt.
Gaya era un gran amante de la Música, y en especial de Mozart, a quien se refirió de forma explicita, y quien haya visitado su Museo en la ciudad de Murcia, sin duda ha percibida que allí, suena tanto Mozart, como Beethoven y Bach, así que aprovecharemos para acercarnos a esa sensibilidad del pintor con la música
Una sarabanda es una danza de origen español del siglo XVI, inicialmente popular y sensual, que evolucionó en el Barroco hasta convertirse en un movimiento estándar de las suites instrumentales
Nacida en España o Hispanoamérica con influencias árabes o indígenas, se bailaba con castañuelas, giros lascivos y letras picantes, lo que llevó a su prohibición temporal por las autoridades eclesiásticas y reales a finales del XVI.
Las sarabandas más famosas pertenecen al Barroco, destacando las de Bach en sus suites para violonchelo solo (BWV 1007-1012), especialmente la n.º 1 en Re menor y la n.º 6 en Re mayor por su profundidad expresiva.
Proponemos escuchas ambas, la primera de ellas con Rostropovich, y la segunda con Yo-Yo Ma
La Sinfonía n.º 3 "Expansiva" (Sinfonía Espansiva), Op. 27, de Carl Nielsen es una obra clave del repertorio sinfónico danés, compuesta entre 1910 y 1911.
Composición y estreno
Nielsen la subtituló por el tempo del primer movimiento, "Allegro expansivo", reflejando su energía vital y expansión melódica influida por el folclore danés.
Se estrenó el 28 de febrero de 1912 en Copenhague bajo la dirección del propio compositor, con una orquestación amplia que incluye solistas vocales opcionales en el segundo movimiento
El propio Nielsen añadió el título de la sinfonía, "Sinfonía Espansiva", poco después del estreno. Se deriva del tempo "allegro espansivo" del primer movimiento y captura el espíritu de la sinfonía. Al igual que en las obras de Ludwig van Beethoven (1770-1827), Nielsen basó sus sinfonías en una estética o concepto general. Nielsen escribió que "espansiva", en esta pieza, representa la ampliación de horizontes y la expansión de la vida. El propio Nielsen escribió varias notas de programa para los movimientos individuales de su tercera sinfonía.
Curiosamente, el manuscrito original de la sinfonía se creyó perdido durante mucho tiempo. En 1913, fue enviado a la reconocida editorial musical de Leipzig, CF Kahnt, para su impresión. Cuando la editorial cerró durante la época de la RDA, el manuscrito se guardó cuidadosamente en un sótano y posteriormente se trasladó al Archivo Estatal Sajón. Allí fue redescubierto en 1977, aunque esta información no se comunicó fuera de la RDA. No fue hasta el año 2000 que el manuscrito finalmente estuvo disponible para los especialistas de la Edición Carl Nielsen.
El 24 de enero de 1705 nace Carlo Maria Michelangelo Nicola Broschi, más conocido por el sobrenombre de Farinelli, cantante castrato italiano, uno de los más famosos del siglo XVIII y considerado el más grande de los castrati de la historia.
Nació en el seno de una familia de la baja nobleza. Es castrado y, visto su origen acomodado, en su caso sí debió ser cierta la versión oficial (común en estos casos) de su castración como consecuencia de una caída de caballo.
Felipe V, melancólico e insomne, lo contrató para cantar cada noche las mismas cuatro arias, lo que calmaba al rey y le valió ascensos: músico de cámara, director de teatros reales y Caballero de Calatrava en 1750.
Bajo Fernando VI, impulsó la ópera italiana en Madrid y Aranjuez, colaborando con Domenico Scarlatti y Pietro Metastasio.
Su vida inspiró la película Farinelli (1994), que recrea su arte con fusión vocal moderna.
Cecilia Bartoli, mezzosoprano italiana especializada en música barroca, ha revivido el repertorio de los castrati a través de su disco Sacrificium (2009), donde interpreta arias compuestas para voces como la de Farinelli.Con Sacrificium, divulgó el sacrificio cruel (3.000-4.000 niños al año, pocos triunfaron) y la belleza resultante, usada en iglesias y ópera pese a prohibiciones papales. Su enfoque rescata este mundo perdido, conectando directamente con figuras como Farinelli de la conversación previa
De todos es conocida la afición grastonómica de Rossini, el que también era un maestro.
La melodía “Di tanti palpiti” de su ópera Tancredi fue tan popular que se cantaba por doquier, incluso en tabernas y restaurantes, e incluso hay fuentes que citan que era cantada en Valencia por los sembradores de arroz
Esa conocida aría fue compuesta mientras Rossini esperaba que le sirvieran un Rissoto en un restaurante, y de ahí nació el apodo tan coloquial
“Di tanti palpiti” es la cabaletta final del aria de entrada de Tancredi en el Acto I de la ópera Tancredi de Rossini, cn una explosión de "Coloratura", tan típica del compositor.
Expresa el amor apasionado del protagonista por Amenaide, con esperanza de reunificación tras el exilio.
El 23 de enero de 1910 nace Django Reinhadt, músico de jazz de origen gitano sinti.
Se trata del primer músico de jazz originario de Europa que ejerció una influencia similar a la de los grandes artistas estadounidenses.
Su música es el resultado de la fusión entre el swing y la tradición musical gitana del este europeo, lo que se conoce en inglés con el nombre de «gypsy jazz» y en francés como «jazz manouche» («jazz gitano»).
Aunque no sabía leer música, Reinhardt compuso —a solas y junto a Grappelli— varias melodías sumamente originales y exitosas
A pesar de perder dos dedos en un incendio a los 18 años, desarrolló una técnica virtuosa con acordes y solos rápidos que influyó en guitarristas posteriores, y eso con tan solo tres dedos.
Fundó el Quintette du Hot Club de France con Stéphane Grappelli, creando estándares como "Minor Swing" y "Daphne" que definen el estilo manouche: rítmico, apasionado y sin batería, solo con guitarras rítmicas y contrabajo.
Colaboró con ídolos como Louis Armstrong y Dizzy Gillespie, convirtiéndose en el primer europeo con influencia comparable a los americanos.
Django es una figura con muchas referencias en el cine, incluso con un película documental sobre su vida y múltiples referencias.
Asímismo John Lewis, pianista de The Modern Jazz Quartes, compuso una obra en su honor.que se convirtió en un estandard del Jazz, con el nombre de "Django".
Cavalleria rusticana dura poco más de una hora, pero podemos considerarla una Ópera Íntegra.
En ese tiempo hay traición, un crimen y el nacimiento del verismo operístico.
En este video se explica por qué la ópera de Pietro Mascagni cambió la historia del teatro musical, cómo Santuzza se convirtió en uno de los personajes femeninos más extremos del repertorio y por qué esta obra sigue siendo una de las óperas más representadas del mundo.
Su influencia en el cine, especialmente su uso en El Padrino III (Intermezzo), y las referencias vocales que han marcado a generaciones de sopranos en este repertorio.
"Física: Creación del Universo" en relación con El Jardín de las Delicias de El Bosco.
En el tríptico abierto se incluyen tres escenas.
La tabla izquierda está dedicada al Paraíso, con la creación de Eva y la Fuente de la Vida, mientras la derecha muestra el Infierno.
La tabla central da nombre al conjunto, al representarse en un jardín las delicias o placeres de la vida. Entre Paraíso e Infierno, estas delicias no son sino alusiones al Pecado, que muestran a la humanidad entregada a los diversos placeres mundanos.
Son evidentes las representaciones de la Lujuria, de fuerte carga erótica, junto a otras de significado más enigmático.
A través de la fugaz belleza de las flores o de la dulzura de las frutas, se transmite un mensaje de fragilidad, del carácter efímero de la felicidad y del goce del placer.
Así parecen corroborarlo ciertos grupos, como la pareja encerrada en un globo de cristal en el lado izquierdo, en probable alusión al refrán flamenco: “La felicidad es como el vidrio, se rompe pronto”.
