domingo, 15 de marzo de 2026

.... Y EL MUNDO SE PARÓ.

El confinamiento por la pandemia de COVID-19 en España comenzó el sábado 14 de marzo de 2020. 
Ese día entró en vigor el Real Decreto 463/2020, que declaró el estado de alarma por 15 días, limitando salidas solo a necesidades básicas y cerrando comercios no esenciales. Pedro Sánchez lo anunció la noche del 13 de marzo en rueda de prensa.
Las medidas incluyeron cierres masivos, pánico económico y aplausos a sanitarios, en España.
Pudimos experimentar compras compulsivas, desapareciendo rapidamente artículos como el papel higienico, e incluso cosas tan poco utilizadas como la levadura y la harina, puesto que todo el mundo se puso a hacer pan en casa.
Países como Italia (confinamiento total el 10 de marzo) y Francia cerraron fronteras; EE.UU. vio protestas iniciales por "libertad", mientras China aplicaba cuarentenas estrictas. 
La economía global entró en recesión histórica, con migraciones masivas en India y desigualdades crecientes. 
En España, todos estábamos pendientes de la televisión en que dos personajes que aparentemente eran las cabezas visibles de un " Comité de Expertos" que repetian constantemente y que fue uno de los grandes engaños a los que nos sometieron, entendiendo posteriormente por qué se negaron siempre a dar sus nombres, ya que realmente no existian. 

MATANDOME SUAVEMENTE CON SU CANCIÓN.

El 15 marzo 1973 Roberta Flack llegaba al número 1 en la lista de singles de EE. UU. con Killing Me Softly With His Song. 
Roberta escuchó la canción por primera vez en un aeropuerto, cuando el tema original de Lori Lieberman sonó en el programa de audio del vuelo. 

I GOT A WOMAN

El 15 marzo 1955, Ray Charles alcanzaría el puesto número 2 en las listas de R&B de EE. UU. con el tema I Got A Woman, ampliamente considerado como la primera canción etiquetada como «soul», una mezcla de R&B y gospel.

Ray Charles oyó "It Must Be Jesus" de The Southern Tones en la radio durante una gira en verano de 1954 y, con su trompetista Renald Richard, adaptó su ritmo gospel frenético a letras profanas sobre una mujer ideal que "ama día y noche".

LUIGI CHERUBINI

El 15 de marzo de 1842 fallece en París, Luigi Cherubini, compositor italiano.
.En 1787 se estableció en París, donde compuso varias óperas con escaso éxito, este le llegó en 1791 con Lodoïska, seguido de su trabajo más conocido mundialmente, Medea (1797).
Compuso una misa en 1825 para la coronación de Carlos X.
A mediados del siglo XX se revivieron algunas de sus obras, especialmente Médée (Medea), que fue reestrenada e interpretada por la célebre soprano María Callas en 1953.

HARRY JAMES

El 15 de marzo de 1916 nace en Albany Harry James, director de big band y trompetista estadounidense. En febrero de 1939 Harry James debutó con su propia big band en Filadelfia, con la que seguiría trabajando hasta los años ochenta. La suya fue la primera orquesta en la que trabajó empleado de forma continuada Frank Sinatra (1939).
Se le puede oír tocar la trompeta en la película de 1950 Young Man with a Horn, doblando a Kirk Douglas. 
James grabó numerosos temas populares y apareció en muchas películas de Hollywood.

BRAHMS DANZA HUNGARA NÚMERO 5

La Danza Húngara nº 5 de Brahms es una de las piezas más vibrantes y populares del compositor romántico alemán.
Nació de la influencia del violinista húngaro Eduard Reményi, quien en 1853 invitó al joven Brahms (20 años) a una gira; allí descubrió ritmos csárdás gitanos que impregnaron esta danza.
Aunque Brahms orquestó solo las nº 1, 3 y 10, la nº 5 ganó fama por arreglos posteriores (como el de Dvořák), popularizada en cine y animación.
Es la más interpretada de las 21, evocando pasión gitana; Brahms la tocaba "a la manera húngara" con improvisación, y hoy es emblema de su amor por el folclore europeo.

15 COMIDAS DE POBRES QUE ALIMENTARON A MILLONES DE ESPAÑOLES

La España obrera también se cuenta desde la mesa. 
No desde restaurantes elegantes, sino desde cocinas pequeñas, fogones de carbón, ollas gastadas y platos que tenían que rendir para muchos. 
En este video repasamos 15 comidas humildes que marcaron a generaciones enteras: recetas nacidas del hambre, del ingenio y de la necesidad de seguir adelante. 
Comidas que no buscaban lucirse, sino alimentar, calentar y dar fuerzas para otro día más. Aquí no hay postureo gastronómico. 
Aquí hay memoria, esfuerzo y una verdad que todavía huele a pan, ajo, aceite y carbón.

UN GRITO DEL ALMA. UNA ORACIÓN PARA ESTE DOMINGO DE CUARESMA

A veces, la oración no se compone de palabras hermosas y cuidadosamente elegidas. 
A veces, es simplemente un grito crudo y desesperado del alma que se dirige a su Creador desde lo más profundo del dolor, el agotamiento o un asombro abrumador. 
 En este video especial, dejamos el violín a un lado por un momento para compartir algo increíblemente poderoso: una voz ortodoxa griega solitaria y profundamente emotiva en oración. 
En la tradición bizantina, un cantor solista (psaltis) no canta para interpretar; canta para llorar ante Dios. 

EL MALTRATO A LA MUJER EN LA COMPOSICIÓN MUSICAL (6)

 


BARROCO (I). BARBARA STROZZI. LA GRAN DAMA DE LA CANTATA BARROCA.

Barbara Strozzi (1619-1677) fue una destacada compositora y cantante italiana del Barroco veneciano, considerada la más prolífica en música vocal profana impresa de su época.

Publicó ocho colecciones propias entre 1644 y 1664 sin apoyo eclesiástico ni mecenazgo constante, mudándose a Padua en sus últimos años, donde falleció el 11 de noviembre de 1677. 

En un mundo musical dominado por hombres, enfrentó prejuicios de género, escepticismo por su creatividad y acusaciones de prostitución ligadas a su independencia y actuaciones en academias. Superó barreras sin conventos ni nobleza, autofinanciando publicaciones y desafiando estereotipos mediante su talento y redes intelectuales como los Incogniti. Su resiliencia le permitió superar inseguridades financieras y sociales, publicando más que muchos contemporáneos masculinos. 

"Che si può fare"  es una aria para voz sola y bajo continuo de Barbara Strozzi, incluida en su Arie a voce sola, op. 8, publicada en Venecia en 1664. Esta pieza barroca ejemplifica su maestría en cantatas seculares, con un lamento sobre el sufrimiento amoroso inevitable.

Ofrecemos la interpretación de la joven soprano Inés Ananda, en el Concierto de clausura de la masterclass de la maestra María Luisa Baldassari, que tuvo lugar en la sala de cámara del Conservatorio Superior de Castilla y León, el día 12 de febrero. de 2026.

sábado, 14 de marzo de 2026

LA PEQUEÑA TONKINESA, EL CUPLÉ EXÓTICO QUE CONQUISTÓ EUROPA

La canción original, “La Petite Tonkinoise”, fue compuesta por Vincent Scotto a comienzos del siglo XX y se convirtió rápidamente en un fenómeno en los cabarets y cafés-concert de París. 
Estrenada por el popular cantante Polin, la canción narraba de forma humorística la historia de una joven del Tonkín y un soldado francés, dentro de la moda orientalista que fascinaba al público europeo durante la Belle Époque. 
 El éxito fue tan grande que la canción se difundió por toda Europa y llegó también a España, donde su melodía inspiró adaptaciones dentro del repertorio del cuplé interpretado por artistas como La Fornarina y otras grandes figuras del género.

EL MALTRATO A LA MUJER EN LA COMPOSICIÓN MUSICAL (5)


 RENACIMIENTO (III)FRANCESA CACCINI

Francesca Caccini (Florencia, 1587 – después de 1641) fue compositora, cantante, laudista, profesora de música y poetisa, activa en el entorno de la corte de los Médici y considerada la primera mujer de la que se conserva una ópera completa.

Entró al servicio estable de la corte de los Medici como cantante de cámara, compositora y maestra, convirtiéndose hacia 1614 en la músico mejor pagada de la corte.

El propio hecho de que solo una de sus óperas haya llegado íntegra, pese a haber compuesto varias, muestra la fragilidad del legado de una compositora en un campo dominado por hombres. Dependió de la protección de poderosas mecenas (Cristina de Lorena, María Magdalena de Austria), lo que indica que su carrera estaba muy condicionada por el favor cortesano y por las expectativas sobre la “excelencia femenina”. 

 Aunque alcanzó gran fama y el salario más alto de la corte, su nombre quedó durante siglos eclipsado por colegas masculinos como Monteverdi, y buena parte de su producción teatral se perdió o no se copió con el mismo celo que la de ellos.

La liberazione di Ruggiero dall’isola d’Alcina (1625): comedia musical/ópera en un acto, estrenada en la Villa Poggio Imperiale de Florencia, primera ópera completa conservada compuesta por una mujer y también primera ópera italiana representada fuera de Italia (Varsovia, 1628

viernes, 13 de marzo de 2026

CATEDRAL DE SEVILLA. LA MADRUGÁ

El paso de las cofradías por la Catedral de Sevilla durante la Semana Santa es un momento culminante de devoción y tradición. 
El recorrido es la estación de penitencia obligatoria para las hermandades.
Es un momento de intensa devoción, con lágrimas entre nazarenos y espectadores al contemplar los pasos bajo la Giralda. 
Genera un caudal de fe, pasión y orgullo cofrade, uniendo silencio, incienso y saetas en un clímax espiritual.

LOS CIGARRILLOS ESPAÑOLES QUE TODOS FUMABAN

Hubo un tiempo en que los estancos españoles olían a tabaco nacional 
Marcas como Farias, Celtas, Popular, Rumbo, Ideales o Monterrey dominaban cada estantería y formaban parte de la identidad de millones de fumadores. 
Pero tras la entrada de España en la Comunidad Económica Europea en 1986, el monopolio cayó, las multinacionales arrasaron el mercado y aquellas marcas históricas comenzaron a desaparecer una a una. En este video recordamos 10 marcas de cigarros españoles que ya no existen y analizamos cómo la globalización, el marketing internacional y los cambios generacionales borraron todo un imperio tabacalero nacional. 
No es solo una historia de humo… es una historia de industria, cultura y memoria colectiva. ¿Cuál recuerdas tú?

NEIL SEDAKA, LA VOZ MASCULINA DE SOPRANO

Neil Sedaka fallecido el pasado día 27 de Febrero fue un destacado cantante, pianista y compositor estadounidense de pop , nacido el 13 de marzo de 1939 en Brooklyn, Nueva York.
Comenzó su carrera en los años 50 formando parte de The Tokens y colaborando con Howard Greenfield, escribiendo éxitos como "Stupid Cupid" para Connie Francis, 
 En los 60 acumuló éxitos como "Breaking Up Is Hard to Do" y "Oh! Carol!", pero decayó en popularidad hasta su resurgir en los 70 gracias a Elton John y Rocket Records, con números uno como "Laughter in the Rain" y "Bad Blood". 
 

EL TENOR , CANTOR EN LA CATEDRAL Y MIEMBRO DE A5VOCAL ENSEMBLE, JULIO LÓPEZ AGUDO, NOS HABLA DE LA POLIFONÍA.


 "LA POLIFONÍA TIENE UNA BELLEZA INTRÍNSECA QUE LA HACE MÁS QUE ATRACTIVA A CIUALQUIER PERSONA SENSIBLE Y RECEPTIVA A LA MÚSICA".

Nuestro amigo Julio López Agudo, Tenor y Cantor en la Catedral de Sevilla, cofundador y director de A5 VOCAL ENSEMBLE  ha concedido una entrevista a Catalunya Press, que podemos leer en ESTE ENLACE en el que cuenta cosas muy interesantes sobre la Polifonia , esa increible textura musical en la que suenan al mismo tiempo dos o más líneas melódicas independientes, de importancia similar, que el oído percibe como un todo coherente.

De esa entrevista entresacamos algunas reflexiones como la que encabeza esta nota, y algunas más, "Podría considerarse que existe cierto esplendor en cuanto a la difusión de músicas históricas, pero otra cosa es la atención que esos festivales prestan a la música vocal o coral, frente a un dominio casi exclusivo de lo instrumental. A diferencia del resto de Europa, donde la proporción de conciertos vocales e instrumentales está casi a la par, en España esta proporción es de cuatro a uno a favor de lo instrumental."

Guerrero doblaba habitualmente las voces de soprano, una característica muy habitual en la música del primer Barroco, pero no tan común durante los años de vida del autor sevillano. Sospecho que en la Sevilla de mediados del XVI, la enorme cantidad de dinero y recursos que llegaban de América tuviera como efecto secundario que la capilla de cantores y cantorcillos de su catedral fuera más que numerosa, y unidos a los ministriles y demás instrumentistas que llenaban su coro, permitieran a Guerrero componer obras para unas mimbres de las que pocos disponían.

Recomendamos vivamente la lectura de tan interesante entrevista, mientras esduchamos algunas grabaciones como las que reseñamos más abajo, disponibles en CD y en plataformas, como Spotify, donde nosotros ya las tenemos en "nuestra biblioteca y como favoritas".


BOTTESINI, EL PAGANINI DEL CONTRABAJO

Giovanni Bottesini, conocido como el "Paganini del contrabajo", compuso varias fantasías virtuosas que destacan las capacidades del contrabajo, incluyendo duetos con violonchelo. 
La obra más conocida es  la "Fantasia for Cello and Double Bass" 
Esta obra fue interpretada en el Concierto que la Orquesta del Diván, dirigida por Barenboim ofreció en la Alhambram y ofrecido publicamente ayer, día 12 de Marzo.
PARA PODER DISFRUTAR DEL VÍDEO HAY QUE PULSAR SOBRE "VER EN YOUTUBE"

EL MALTRATO DE LA MUJER EN LA COMPOSICIÓN MUSICAL (4)


 

RENACIMIENTO (2) LEONORA D'ESTE

Leonora d’Este ( 1515-1575) fue una princesa italiana, hija de Alfonso I de Este y Lucrecia Borgia, que vivió como monja en el convento del Corpus Domini de Ferrara y es muy probablemente autora de uno de los ciclos de motetes más importantes del siglo XVI. Hoy se la considera una pionera, quizá la primera compositora cuya música sacra se publicó en la historia occidental, aunque de forma anónima

Su presunta colección de motetes se publicó de forma anónima como Musica quinque vocum motetta materna lingua vocata (Venecia, 1543), porque el hecho de ser mujer, princesa y monja hacía inaceptable que su nombre figurara como autora. Investigadoras como Laurie Stras han señalado que estaba “triplemente descalificada” para aparecer en portada: por su sexo, su rango aristocrático y su condición religiosa, lo que la obligó al anonimato pese a su talento. 

Además, el propio contexto de clausura limitaba la circulación pública de su música, generando esa “música secreta” de Ferrara que influyó pero quedó oculta durante siglos.

jueves, 12 de marzo de 2026

BERNA PERLES ES YERMA

En su momento nos hicimos eco de la gran interpretación de nuestra querida y admirada amiga, y de todos los sevillanos, la soprano Berna Perles en su papel de Yerma, que estrenó recientemente en la Ópera de Tenerife, bajo la dirección escénica de Villa-Lobos.

Ahora tenemos ocasión de ver un resumen de ese grán éxito, y recordamos algunos de las alabanzas que la crítica le dedicó.

Perles recibió vítores y aplausos de 10 minutos por su intensidad, transmitiendo el dolor y la obsesión de Yerma con dicción clara y proyección en todos los registros. 

Un verdadero  "tour de force" memorable, con entrega emocional y técnica impecable pese a la complejidad de la partitura. 

Presencia constante en escena, combinando recitado, monólogos y dúos con ferocidad straussiana. ​

Y ahora, comprobemos por nosotros mismos que esas alabanzas fueron más que merecidas.

MAPPING DE LA BODA DE CARLOS V EN SEVILLA. 2026.

Mapping proyectado en los Reales Alcázares de Sevilla, sobre la boda de Carlos V en Sevilla. 11 de marzo de 2026. 
Nuestra felicitación a "María Fotógrafa" por tan extraordinario documento.

SIMÓN BOCANEGRA Y SUS RAICES ESPAÑOLAS

La ópera Simón Boccanegra de Giuseppe Verdi se estrenó el 12 de marzo de 1857 en el Teatro La Fenice de Venecia, con libreto de Francesco Maria Piave basado en la obra homónima de Antonio García Gutiérrez (1843). nacido en Chiclana de la Frontera (Cádiz) y autor también de la novela El Trovador, de la que surgió la ópera Il Trovatore.
Aunque contó con críticas favorables, el público la recibió con frialdad, lo que llevó a su olvido temporal tras 1866. Verdi escribió inicialmente el libreto en prosa, que Piave versificó; la revisión con Boito (futuro libretista de Otello y Falstaff) la salvó.

El prólogo muestra la elección de Boccanegra como dux tras la muerte de su amada Maria Fiesco, cuya hija (Amelia) es el eje del reencuentro familiar; la envenenación lenta por Paolo añade tensión.

EL MALTRATO DE LA MUJER EN LA COMPOSICIÓN MUSICAL (3)


 

RENACIMIENTO (I). MADDALENA CASULANA

Maddalena Casulana (c. 1544-1590) fue una compositora, cantante y laudista italiana del Renacimiento tardío, pionera al ser la primera mujer en publicar un libro exclusivo de su música. 

Nació posiblemente en Casole d'Elsa o Vicenza, y su obra se imprimió principalmente en Venecia, donde ganó reconocimiento pese a las barreras de género.

Enfrentó la discriminación patriarcal que negaba a las mujeres dones intelectuales y artísticos, viéndose obligada a defender su talento en dedicatorias como: «la errónea vanidad de que solo los hombres poseen los dones del arte y el intelecto». Superó prejuicios humillantes en un mundo masculino, recurriendo a mecenazgo femenino y docencia para apoyar a otras

CHARLIE PARKER

 El 12 de marzo de 1955 fallece en Nueva York, a la edad de 34 años Charlie Parker, saxofonista y compositor estadounidense de jazz. 
Apodado Bird y Yardbird, es considerado uno de los mejores intérpretes de saxofón alto de la historia de ese género musical, siendo una de las figuras claves en su evolución y uno de sus artistas más legendarios y admirados. 
De igual forma, según los críticos de jazz, es uno de los más importantes músicos de la historia junto a Louis Armstrong, Duke Ellington, John Coltrane y Miles Davis.
La salud de Parker se vio afectada por las drogas. Adicto a la heroína casi desde su adolescencia, muchos músicos le imitaron en esto con la convicción de que así podrían elevar su calidad musical.
En 1951, su licencia de cabaret le fue revocada en Nueva York, lo que le dificultaba tocar en clubes. Sus problemas con las drogas se agudizaron y, aunque podía seguir tocando de forma inspirada (como lo demuestra su grabación de 1953 en el Concierto en el Massey Hall en Canadá con Dizzy Gillespie, Bud Powell, Max Roach y Charles Mingus), su carrera entró en declive.
Clint Eastwood le homenajeó con la producción y direccion de la película Bird, de la que ofrecemos un fragmento.


miércoles, 11 de marzo de 2026

LA ESPAÑA DE LOS AÑOS 60. COSAS QUE NUNCA VOLVEREMOS A VIVIR

La España de los años 60 no fue perfecta… pero tenía algo que hoy parece imposible de recuperar. 
Era la época del afilador despertando el barrio, de las tertulias eternas en el bar, de los veranos de tres meses en el pueblo y de los cines de barrio donde todos compartían la misma película. 
Era un país que despertaba económicamente, pero que aún vivía despacio, con comunidad, con rituales y con una forma de relacionarse que hoy nos resulta casi irreconocible. 
 En este video viajamos a esa España donde las cartas tardaban días, la comida llevaba horas, los vecinos eran familia y la televisión unía a todo el país frente a una sola pantalla. 
No es nostalgia barata… es memoria colectiva.

SENTADO EN EL MUELLE DE LA BAHÍA

El 11 marzo de 1968, el single de Otis Redding (Sittin’ On) The Dock Of The Bay se convirtió en disco de oro en Estados Unidos tres meses después de que el cantante muriera en un accidente aéreo. 
Grabado pocos días antes de su muerte, se convirtió en el primer tema póstumo en encabezar las listas de Estados Unidos.
Otis Redding pertenece al maldito "Club de los 27", ya que falleció a los 26 años el 10 de diciembre de 1967 en un accidente aéreo.
Este término informal agrupa a músicos icónicos que murieron a los 27 años, como Jimi Hendrix, Janis Joplin, Jim Morrison, Kurt Cobain y Amy Winehouse, aunque Redding es menos citado en listas populares por su muerte temprana en el soul, no en rock psicodélico. ​
Nacido en 1941, Redding tenía exactamente 26 años y 3 meses al morir, cumpliendo el criterio del "club" pese a no haber alcanzado los 27.

PROKOFIEV, SONATA PARA PIANO NO. 7

Prokofiev compuso nueve sonatas para piano, destacando las conocidas como "Sonatas de Guerra" (n.° 6, 7 y 8, Op. 82-84), escritas entre 1939 y 1944 durante la invasión nazi a la URSS y el régimen estalinista. ​Tras regresar a la URSS en 1936, Prokofiev enfrentó la presión del estalinismo: en 1939, obligado a componer Zdravitsa (un himno laudatorio a Stalin), respondió con estas sonatas disonantes para expresar su disidencia interna, aunque paradójicamente la n.° 7 ganó el Premio Stalin en 1943. 
Acusado de "formalismo" (música elitista y no popular), simplificó su armónica en la n.° 8 para evadir censores, manteniendo complejidad estructural oculta. 
Curiosidades técnicas La Sonata n.° 7 en si bemol mayor (Op. 83) usa compás 7/8 en su finale extenuante, evocando caos bélico con estallidos rítmicos y pasajes líricos contrastantes; su Andante es nostálgico, como un Etude-Tableau de Rachmaninoff.
El pianista Sviatoslav Richter estrenó la Séptima Sonata el 18 de enero de 1943 en Moscú. Más tarde recordó la profunda conmoción del público: «Con esta obra, nos sumergimos brutalmente en la atmósfera ansiosamente amenazante de un mundo que ha perdido el equilibrio. Reinan el caos y la incertidumbre. Vemos cómo se desatan fuerzas asesinas... en la tremenda lucha que esto implica, encontramos la fuerza para afirmar la irreprimible fuerza vital»

BOBBY McFERRIN

El 11 de marzo de 1950 nace en Nueva York Bobby McFerrin   reconocido por su control vocal excepcional e improvisaciones a cappella que fusionan jazz, pop, folk y clásica. ´
 McFerrin creció en un entorno musical, hijo del barítono Robert McFerrin Sr., y comenzó con clarinete y piano antes de dedicarse al canto a los 27 años, inspirado por una visión de actuar solo con micrófono. 
En 1979 se mudó a San Francisco para experimentar, debutando con Elektra Records tras un festival de jazz en 1981.

ALBERTO CORTEZ

El 11 de marzo de 1940 nace an La Pampa Alberto Cortez, cantautor, compositor y poeta argentino nacionalizado español.
Muchos poetas y escritores han dejado huella en su obra como Antonio Machado, Miguel Hernández, o Pablo Neruda. 
Más adelante su gran referente musical fue Jacques Brel. 
Multitud de galardones han reconocido su extensa obra, con más de cuarenta discos publicados y premios tan importantes como el Grammy Latino a la Excelencia del año 2007 o la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en España en 2015.

ASTOR PIAZOLLA

El 11 de marzo de 1921 nace en Mar del Plata Astor Piazolla, bandoneonista, director de orquesta, arreglista y compositor argentino considerado uno de los músicos más importantes del siglo XX y uno de los mayores exponentes de tango en todo el mundo.
En 1934 conoció a Carlos Gardel en Manhattan, y realizó una pequeña aparición en la película El día que me quieras haciendo de canillita, y fue junto a Gardel que Piazzolla tocó su primer tango en un asado que reunió a varios argentinos que estaban en la metrópoli estadounidense.
Sus obras revolucionaron el tango tradicional, en un nuevo estilo denominado tango de vanguardia o nuevo tango, menos bailable y pensado para la atenta escucha del mismo. 
Entre las innovaciones que emprendió, su tango nuevo incluyó instrumentos pocos usuales para el género, como percusión, guitarra eléctrica y vibráfono, integró elementos de la música académica y jazz tales como el contrapunto, fugas e improvisaciones jazzisticas.
Ofrecemos una variación sobre Libertango, a cargo de Manos Kitsikopoulos, por cortesía de Clamo Music, dentro de los Conciertos de ProMúsica Águilas, para añoranza de los aficionados de aquella bella ciudad, que hace años dejó de ser referencia musical en el Sureste Español, por decisiones políticas y pasividad de los abonados de aquella Asociación.

EN LA ACERA SOLEADA DE LA CALLE

"On the Sunny Side of the Street" es un estándar del jazz compuesto en 1930.
La canción se estrenó el 25 de febrero de 1930 en Nueva York y rápidamente se popularizó. 
Louis Armstrong la inmortalizó con múltiples versiones, convirtiéndola en un pilar del jazz; también la cantaron Ella Fitzgerald, Billie Holiday, Frank Sinatra, Benny Goodman y Count Basie. 
En 1945, Tommy Dorsey con los Sentimentalists llegó al 16 en listas. 
Su letra invita a "cruzar a la acera soleada", simbolizando resiliencia y alegría pese a la pobreza ("sin un centavo, rico como Rockefeller"). 
Coleman Hawkins la grabó en 1934 con un piano vanguardista, y Armstrong la tocó en vivo hasta los 70, adaptándola a su estilo operático con glissandos y notas altas.
Sugerimos disfrutar durante unos minutos de esta optimista canción, con alguna de sus versiones.

EL MALTRATO DE LA MUJER EN LA COMPOSICIÓN MUSICAL (2)


 EDAD MEDIA ( II). KASSIA DE CONSTANTINOPLA

Kassia de Constantinopla fue una monja, poeta e himnógrafa bizantina del siglo IX, considerada la primera compositora de la que conservamos obras completas con notación interpretable hoy.

Recibió una educación excepcional para una mujer de su tiempo (gramática, teología,  música y filosofía). Su belleza e inteligencia hicieron que fuera incluida en un “desfile de novias” donde el emperador Teófilo debía elegir esposa entregando una manzana de oro. ​ Ante el comentario misógino del emperador (“por una mujer vinieron los peores males”, aludiendo a Eva), Kassia respondió: “pero también por una mujer llegaron los mejores bienes”, aludiendo a María; Teófilo, herido en su orgullo, eligió a Teodora como emperatriz. No obstante, Kassia rechazó, por convicción, el papel de emperatriz y optó por la vida monástica

Hacia 843 fundó un convento en la parte occidental de Constantinopla, en Xerolophos,  y fue su primera abadesa.en la Constantinopla del siglo IX, la vía “respetable” para una mujer de élite era el matrimonio o el convento; ella renuncia conscientemente al matrimonio imperial para elegir el monacato como proyecto intelectual y espiritual propio. 

Su composición mucial más conocida es el Himno de Kassiani o “Señor, la mujer caída en muchos pecados” (a menudo llamado simplemente “El himno de Kassiani”), cantado en el Oficio del Martes Santo (en la práctica la noche del Lunes Santo) en la tradición ortodoxa; es su obra más famosa, de gran intensidad poética y musical.

martes, 10 de marzo de 2026

LA ZARZUELA EN LA TAUROMAQUIA

Recibimos de nuestro profesor Javier Sánchez Rivas, y a través del Club de Amigos de don Hilarión, el programa que se interpretará en la Conferencia-Concierto del próximo día 13 de Marzo en el Salón de Actos de la Facultad de Derecho a las 18,30h, y del que dimos debida cuenta EN ESTE ENLACE

Si ya la conferencia es motivo más que suficiente para asistir a este interesante acto, a la vista del Programa la Asistencia ya pasa a ser imprescindible, y para ello, solo debemos enviar un mensaje al Club de Amigos de Don Hilarión en la forma ya conocida.


1 Pasodoble de Pan y Toros. (F. Asenjo Barbieri y J. Picón.

2 Juan Matías el barbero o La corrida de la beneficencia (R. Chapí y Manuel Nieto / R. de la Vega) 

3 Dúo del Gato Montes (Manuel Penella) 

 4 El niño de Jerez (C. Zavala, E. Montesinos, y A. Paso).
 
 5 Intermedio de Don Manolito (P. Sorozábal y L. Fernández de Sevilla y A. Cuadrado Carreño).

 6 Ponteareas (Reveriano Sotullo) 

 7 El Tío Caniyitas (1959, Ricardo Dorado)

 8 El Relicario (J. Padilla, A. Oliveros y J.M. Castellví) 
 
9 El intermedio del Baile de Luis Alonso (G. Giménez y J. de Burgos) 

10 Pasodoble torero de La tierra de la alegría (Joaquín Valverde y Eulogio Velasco, José F. Elizondo)

EL LAMENTO DE DIDO

El Lamento de Dido, aria final de la ópera Dido y Eneas,  por su belleza expresiva y maestría técnica, está considerada una de las páginas más sublimes del barroco inglés, con un increible lamento hipnótico que simboliza la muerte inexorable, fusionando dolor y resignación.
Es un icono de la ópera barroca, elogiada por su pureza y poder evocador, y sigue siendo referencia en recitales y pedagogía operística.
Nosotros hemos querido hoy escuchar ese famoso "Lamento" "Cuando sea depositada en la tierra" interpretado por una de nuestras "Musas", la mezzosoprano Joyce DiDonato, quien también interpreta Tu mano, Belinda.

SEVILLA EN EL AÑO 1960 NO ERA UNA POSTAL

Sevilla en los 60 no era una postal. 
Era pan al amanecer, calles que olían a río, cines con secretos, y una ciudad intentando aguantar sin romperse. 
Hoy viajamos a 15 recuerdos mágicos de la Sevilla de 1960: lo duro, lo humano, lo que daba vergüenza contar y lo que se quedó escondido en la memoria de los barrios. 
Porque hay cosas que mejoraron… y otras que se perdieron para siempre.

LOS SONIDOS DEL SILENCIO

El 10 marzo  de1964, Paul Simon y Art Garfunkel grabaron el tema The Sounds Of Silence como dúo acústico.
Para que la canción llegara a ser un éxito, y sin conocimientos de los artistas, los productores de la compañía discográfica le añadieron guitarra eléctrica, bajo y batería.
Simon la compuso a los 21 años en el baño de sus padres, en oscuridad total con el grifo abierto para captar ecos acústicos que inspiraron "Hello darkness, my old friend". 
La canción critica la desconexión emocional o "la incapacidad de las personas para amarse emocionalmente". 
Algunos la vinculan al asesinato de JFK (1963) o al silencio como cáncer social.

ELVIS, NECESITO TU AMOR ESTA NOCHE

El 10 de Marzo de 1959 sale el single "I Need Your Love Tonight" canción romántica y enérgica de Elvis Presley, grabada en  los Estudios de Radio Recorders, Hollywood.

Elvis la grabó el 10 de Abril de 1958 en su primera sesión como civil tras el servicio militar (marzo 1958), produciendo seis temas para RCA Victor con guitarras acústicas, bajo y batería.

VEINTE AÑOS SIN ANNA MOFFO. LA BELLÍSIMA


El 9 de marzo de 2006 fallece en Nueva York con 74 años de edad, Anna Moffo, soprano estadounidense, hija de padres italianos y famosa durante los años 1960. 
Moffo fue muy admirada por la pureza de su voz y su belleza física, adjudicándose el apodo de La Bellissima. 
Después de graduarse en la escuela secundaria, Moffo recibió una oferta para ir a Hollywood para hacer cine, pero no aceptó por su intención de convertirse en monja.
Anna Moffo llegó al Metropolitan en 1959 con Violetta de La Traviata, papel que interpretó en 80 ocasiones sobre el mismo escenario.
Y cantó nuevamente en ese teatro en la temporada de 1960-61 en tres roles diferentes, Gilda de Rigoletto , Adina de L'elisir d'amore, y Liù de Turandot, junto a Birgit Nilsson y Franco Corelli.
Moffo fue particularmente popular en Italia. Allí presentó el show de Anna Moffo desde 1960 hasta 1973 y fue votada como una de las diez mujeres más bellas de Italia.

PABLO SARASATE

El 10 de marzo de 1844 nace en Pamplona Pablo Sarasate, virtuoso del violín, compositor y director de orquesta navarro del periodo romántico. 
Entre sus obras más conocidas se encuentran Aires gitanos (Zigeunerweisen), las Danzas españolas y la Fantasía Carmen.
Niño precoz, educado en casa inicialmente, sus padres conscientes tempranamente del potencial de su hijo por lo que le procuraron formación continuamente: tomó lecciones de violín, con la edad de siete años en La Coruña
En su biografía sobre el músico recoge Julio Altadill una anécdota sobre los inicios musicales del violinista: 
 “Era ya un venerable sexagenario su padre cuando me refirió que su hijo conoció los signos musicales antes que las letras del alfabeto, y por tanto aprendió a leer antes en el pentagrama, que en los libros de 1ª enseñanza” 

EL SILENCIO DE LOS BOSQUES (DE BOHEMIA)

Waldesruhe Op. 68, es una pieza lírica de Antonín Dvořák, conocida en checo como Klid (Silencio o Tranquilidad) y en inglés como Silent Woods. (Silencio de los Bosques).
La versión para violonchelo y piano (B. 173) se creó el 28 de diciembre de 1891, adaptada por Dvořák para un gira de conciertos con Hanuš Wihan (violonchelo) y Ferdinand Lachner (violín) antes de su viaje a EE.UU. 
Se estrenó el 3 de enero de 1892 en Rakovník, con Wihan y el propio Dvořák al piano. 
En 1893, Dvořák la transcribió para violonchelo y orquesta (
Es una obra de carácter sombrío y destaca por el sonido sonoro del violonchelo, convirtiéndola en una pieza popular.
Existen muchas intepretaciones celebres como la de Jacqueline Du Pré, Yo Yo Ma etc. y proponemos escuchar, por disponibilidad de vídeos publicados, la de este último con Orquesta y dirigidos por Seiji Ozawa, y la de Cello y Piano con  Giovanni Gnocchi y Alessandro Stella.

HERMANAS OLVIDADAS EN LA COPLA Y CINE ESPAÑOL

En la historia del cine español hay estrellas cuyo brillo fue tan intenso que eclipsó a quienes tenían más cerca. Pero detrás de algunas de esas grandes figuras existieron hermanas con talento, belleza y vocación artística que, por distintas circunstancias, quedaron en un segundo plano. 
En este vídeo descubrimos las historias poco conocidas de varias mujeres que vivieron a la sombra de grandes mitos del espectáculo: Tina Meller, hermana de la legendaria Raquel Meller; Juanita Montenegro, que inició su carrera junto a la internacional Conchita Montenegro; Asunción Nile, inseparable colaboradora de Imperio Argentina; Tere Reina, hermana de la gran Juanita Reina; Carmen Flores, hermana de Lola Flores; y las actrices Elisa Montes y Terele Pávez, hermanas de Emma Penella. 
Un recorrido por historias familiares, trayectorias truncadas, vocaciones ocultas y destinos artísticos que nos permiten descubrir otra cara del cine y del espectáculo español del siglo XX. Porque detrás de algunas estrellas, también hubo otras vidas que merecen ser recordadas.

EL MALTRATO DE LA MUJER EN LA COMPOSICIÓN MUSICAL (1)

Comenzamos el Ciclo que ANUNCIAMOS AYER y que seguirá un orden cronológico que iniciaremos con la Edad Media.


EDAD MEDIA (1) 

Hildegarda de Bingen (Bermersheim, 1098 – Rupertsberg, 1179) fue una abadesa benedictina alemana, mística y polímata, conocida como la “Sibila del Rin”.  Entregada siendo niña, tan solo 8 años,  al monasterio de Disibodenberg, profesó como benedictina y fue elegida magistra (abadesa) en 1136.

Asumió autoridad espiritual y doctrinal en un contexto fuertemente patriarcal, predicando en público y aconsejando a altas figuras políticas y eclesiásticas y logrando emancipar su comunidad femenina de Disibodenberg, monastferio masculino, fundando Rupertsberg y defendiendo su autonomía frente a la jerarquía eclesiástica.

Hildegarda de Bingen no tuvo una canonización formal en el sentido moderno, con proceso de beatificación y milagros documentados, ya que fue venerada como santa de forma popular desde su muerte en 1179, especialmente en diócesis alemanas como Maguncia y Tréveris.

El papa Benedicto XVI extendió su culto litúrgico a la Iglesia universal el 10 de mayo de 2012, inscribiéndola formalmente en el catálogo de santos mediante una "canonización equivalente"
reconociendo la devoción histórica sin nuevo proceso canónico. Esto culminó con su proclamación como Doctora de la Iglesia el 7 de octubre de 2012, durante el Sínodo de los Obispos, junto a san Juan de Ávila.
Su Ordo Virtutum (ca. 1151), un drama litúrgico alegórico con 82 melodías, representa la lucha del alma entre Virtudes (que cantan) y el Diablo (que habla), precursor del oratorio moderno.

lunes, 9 de marzo de 2026

POR EL MAR CORREN LAS LIEBRES

 

Ante todo, estamos plenamente seguros de que nuestros compañeros bajo la supervisión de Gloria de Jesús no nos contarán mentiras sino que nos harán pasar unos momentos divertidos e hilarantes.

Plauto es autor de comedias, algunas de las cuales incluso influyeron en Shakespeare y autores modernos y seguro que el hecho de contar con la supervisión de nuestra profesora y el elenco de actores que ya conocemos con grandes éxitos en su haber nos garantiza el éxito.

Además de todo ello, es por una buena labor con aportación voluntaria para proyectos del tercer mundo.
El director Salvador Jiménez-Donaire (Sevilla, 1994) es un artista plástico graduado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, con Premio Extraordinario al Mejor Expediente Académico, si bien lo cierto es que carecemos de informaciones sobre anteriores direcciones teatrales. Salvador 

MALTRATO MUSICO CULTURAL DE LA MUJER. INTRODUCCIÓN.

Hace ya muchos años, antes de que se utilizara el Día de la Mujer y a ella misma como argumentario político, tuvimos ocasión de hacer un pequeño trabajo de Investigación en el Día de los Investigadores en nuestra "Facultad",  con un nombre similar al que da título a esta publicación.

Basicamente se trataba de reseñar mujeres compositoras que habían sido borradas u olvidadas en el mundo de la Música Clásica y era un trabajo corto, puesto que había que presentarlo de forma oral y con un tiempo muy limitado.

El haber piublicado ayer una nota con caracter músical en el Día de la Mujer, nos ha hecho recordar aquel trabajo y decidido que cada día dedicaremos un artículo a una de esas Grandes Mujeres Compositoras, y que pretendemo scubra el período de 30 días, comenzando mañana,( aunque haya saltos por no poder publicar en el Blog) desde la Edad Media, con una pequeña reseña de la compositora Mujer y algún vídeo o grabación sonora ilustrativa.

Pero, sin que demos la salida a nuestro recorrido pero para ir entrando en materia, comenzaremos con una mujer, que no figurará en la relación,  María Ana (Nannerl) Mozart a la sombra de su famoso hermano, y que transcribió algunas piezas improvisadas por Wolfgang, cuando éste todavía no dominaba la anotación musical.

Quizás esta obra, no solo fue transcrita, sino también compuesta por Nannerl como algunos de los primeros conciertos para violín que llevan la firma de Wolfgang.

EL ENIGMA DE TARTESSOS, HISTORIA DE LA PRIMERA CIVILIZACIÓN DE OCCIDENTE

En este documental exploramos la fascinante historia de Tartessos, considerada por muchos historiadores como la primera gran civilización del occidente europeo. 
Situada en el suroeste de la Península Ibérica, entre las actuales provincias de Huelva, Sevilla y Cádiz, Tartessos fue una cultura rica, avanzada y profundamente conectada con el comercio del Mediterráneo antiguo. 
A lo largo del video analizamos cómo surgió esta civilización durante el Bronce Final, su desarrollo gracias al comercio con los fenicios, y cómo el intercambio cultural transformó la región en uno de los centros económicos más importantes de la protohistoria de España. 
Descubriremos cómo ciudades como Gadir (Cádiz), una de las colonias fenicias más antiguas de Occidente, impulsaron el comercio de metales como plata, cobre y estaño, procedentes de la famosa Faja Pirítica Ibérica. Estos recursos convirtieron a Tartessos en un territorio clave dentro de las redes comerciales del Mediterráneo y el Atlántico.

EL MARQUEE CLUB Y LOS PINK FLOID

El Marquee Club fue un icónico club de música en Londres, conocido como cuna del rock británico y lugar clave para jazz, blues y punk. 
Inaugurado en 1958, albergó a leyendas como los Rolling Stones en su debut en 1962.  
Abrió el 19 de abril de 1958 en el sótano del cine Academy, en el 165 de Oxford Street (West End), enfocado en jazz y R&B con artistas como Muddy Waters. 
En 1964 se mudó al 90 de Wardour Street en Soho, su sede más famosa durante 25 años, donde tocaron casi todas las grandes bandas británicas. 
Posteriormente se relocated a Charing Cross Road en los 80, pero decayó y cerró definitivamente alrededor de 1995-2008 tras varios intentos de reapertura. 
Y allí actuaron el 9 marzo 1967.el Grupo Pink Floid, a quienes recordamos con su gran éxito Interstellar Overdrive.

EL INCREIBLE VIAJE PARA FOTOGRAFIAR UN ECLIPSE

El fotógrafo Liam Man viajó hasta el otro extremo del mundo para fotografiar un eclipse solar sobre un glaciar de la Patagonia chilena. 
 Acompañado de un equipo de escaladores locales y equipado con un dron ligero y una cámara, Man logró capturar una escena irrepetible. 
 Debido al cambio climático, cuando tenga lugar el próximo eclipse, gran parte del hielo del glaciar Leones habrá desaparecido.

RAQUEL MELLER

El  9 de marzo de 1888 nace en Tarazona Raquel Meller, cantante, cupletista y actriz de cine española. Durante las décadas de 1920 y 1930 fue la artista española de mayor éxito internacional. 
Estrenó famosas canciones como «La Violetera» de José Padilla.
En el Teatro Bellas Artes de su ciudad natal, existe una sala-museo o exposición permanente sobre la cantante.

SAMUEL BARBER

El  9 de marzo de 1910 nace en Pensilvania Samuel Barber, compositor estadounidense de música de cámara y orquestal. 
Considerado un niño prodigio, comenzó a tocar el piano a los seis años y a componer a los siete. Cursó estudios en el Curtis Institute of Music de Filadelfia.
En el año 1936 conoció en Roma a Arturo Toscanini y además escribió su Cuarteto para cuerdas en si menor, cuyo segundo movimiento —a sugerencia de Arturo Toscanini— arregló para orquesta de cuerdas, dándole el título de Adagio para cuerdas (Adagio for Strings) y, posteriormente, para coro mixto como Agnus Dei. 
Estas melancólicas piezas son sin duda alguna sus obras más famosas. 
Más tarde, en 1938, el propio Toscanini dirigió en Nueva York su Primer ensayo para orquesta y el célebre Adagio para cuerda.

VA PENSIERO SULL'ALI DORATE



Verdi venía de un fracaso con su ópera Un Giorno di Reigno y totalmente hundo además con la muerte de su esposa y sus hijos, de forma que había jurado no componer ninguna ópera más en su vida, haciendo frente a las presiones de empresarios como Mirelli que lo consideró como "un niño mimado" ante su rechazo a componer.


Mirelli, que también era libretista, lo visitó en su casa en una noche nevosa del 1841, recibiendo una vez más el rechazo del compositor de forma que al salir tiró sobre la mesa, de forma despectiva el libreto de una ópera llamada Nabucodonosor.


El libreto se abrió por una página donde Verdi leyó “Va, pensiero, sull’ali dorate”y eso fue como un signo que le abrió repentinamente la inspiración, de forma que fue leyendolo una hoja hoy, otra mañana, de forma que la tuvo terminada en el Otoño de ese mismo año.
El estreno de Nabucco tuvo lugar el 9 de marzo de 1842 en La Scala de Milán y fue un éxito inmediato que lanzó a Verdi a la fama operística. 
La ópera habla del exilio y la añoranza de la patria a través del pueblo hebreo en Babilonia, pero el público italiano del siglo XIX leyó esa situación en paralelo a su propia fragmentación política, y bajo dominio Austriaco.
El estreno marcó un punto de inflexión: de ser un joven casi desconocido, Verdi pasó a ser visto como una voz musical de enorme fuerza dramática, y Nabucco quedó como uno de los pilares de la identidad italiana
Bartolomeo Mirelli Murió en 1879; su apuesta por Verdi marcó la historia de la ópera italiana.


domingo, 8 de marzo de 2026

HIMNO DEL ATLÉTICO DE MADRID, FINALISTA DE LA COPA DEL REY

Al Editor de esta nota, declarado "Cule" desde que tiene uso de razón, y quizás a muchos de nuestros compañeros y lectores, nos entristece e incluso irrita que en una Final de la Copa del Rey, donde ambos finalistas son de provincias declaradamente separatistas, no se le preste la atención y el respeto que se le debe, aunque solo fuese por "educación" a los simbolos de España, Bandera, Himno e incluso a nuestro Rey máxime cuando ahora en que tanto se cuidan, y de forma acertada,  manifestaciones de tipo racista,  lo otro es simplemente "Libertad de Expresión", en cumplimiento de la Constitución, o al menos esa es la opinión de los legisladores.

Es por todo ello, que si bien "nuestro compañero Culé" habiendo ya un equipo Vasco en la final,  y si bien sintió profundamente la eliminación de "su equipo" ante el Atlético de Madrid, la pena fue menos al tomar en cuenta esa consideración, y mucho más reconfortante, al escuchar el "Himno Colchonero", en la voz de la joven soprano Inés Ananda, declarada publicamente "India" y que incluso ha recibido reconocimientos por parte  de Peñás Atléticas en actos oficinales del Club.

ACCESO NORMALIZADO A LAS MUJERES EN LA UNIVERSIDAD.

Hay un dato muy importante en el Día de la Mujer, y que quizás hoy quede fuera de los discursos oficiales, incluso de organizaciones feministas.

El 8 de marzo de 1910, el rey Alfonso XIII firmó una Real Orden por la que se autorizó, por primera vez, que las mujeres españolas pudieran matricularse libremente en la universidad y cursar estudios superiores en igualdad formal de condiciones que los hombres. 

Hasta entonces solo podían estudiar como alumnas privadas y con permisos especiales, y su presencia en las aulas estaba muy restringida. 

 Esta Real Orden derogó la normativa de 1888, que exigía consultar a la “Superioridad” cada vez que una mujer solicitaba matrícula oficial, y dispuso que los centros concedieran las inscripciones de matrícula oficial y no oficial a las mujeres sin ese trámite extraordinario, siempre que cumplieran los requisitos generales de edad y preparación. 

Supuso así el inicio del acceso normalizado de las mujeres españolas a la universidad y suele citarse como un hito clave en la historia de la educación femenina y de la igualdad jurídica en España

CHABUCA GRANDA

El 8 de marzo de 1983 fallece en Miami a la edad 62 años María Isabel Granda y Larco más conocida como Chabuca Granda,  cantautora, folclorista, productora discográfica, guionista de cine y dramaturga peruana. 
Consiguió fama a nivel internacional gracias a temas como «La flor de la canela», «José Antonio», «El puente de los suspiros», «Cardo o ceniza» y «Fina estampa», canciones que han sido versionadas por importantes intérpretes internacionales como María Dolores Pradera, Pamela Rodríguez, Caetano Veloso, Soledad Pastorutti y Julio Iglesias.
​ En el 2017, su obra musical es declarada Patrimonio Cultural de la Nación, y en el 2019, el gobierno peruano le concede a título póstumo la máxima condecoración nacional, la Orden El Sol del Perú.

HECTOR BERLIOZ

El 8 de marzo de 1869 fallece en Paris a la edad de 65 años Hector Berlioz, compositor francés y figura destacada del romanticismo. 
Su obra más conocida es la Sinfonía fantástica, estrenada en 1830.
Entre sus amigos estaban los escritores Alejandro Dumas, Victor Hugo y Honoré de Balzac.
Théophile Gautier escribiría: Me parece que Héctor Berlioz, con Victor Hugo y Eugène Delacroix, forman la Santísima Trinidad del arte romántico.
Hubo un interés renovado por la música de Berlioz en los años sesenta y setenta, debido en parte a los esfuerzos del director de orquesta inglés Colin Davis, quien grabó su obra entera, sacando a la luz muchas obras menos conocidas de Berlioz. Él fue quien realizó la primera grabación completa de Los troyanos.

CARL PHILIPP EMANUEL BACH

El 8 de marzo de 1714 nace en Weimar Carl Philipp Emanuel Bach, músico y compositor alemán.
Está considerado uno de los fundadores del estilo clásico y uno de los compositores más importantes del periodo galante, aparte de ser el último gran maestro del clave hasta el siglo XX. 
Carl Philipp Emanuel Bach era el quinto de los siete hijos de Johann Sebastian Bach y Maria Barbara Bach; su padre tuvo veinte en total. Georg Philipp Telemann fue su padrino.

DÍA DE LA MUJER

Siendo La Décima un grupo basicamente compuesto por mujeres, donde son mayoría muy significativa, el Día de la Mujer es uno más entre el calendario, y los hombres que formamos parte de él, sabemos y admiramos su gran mérito con verdaderos ejemplos de superación y esfuerzo personal a lo largo de toda su vida, y en ello siguen, siendo objeto de todo nuestro Cariño y Admiración
Esta admiración  la extendemos a todas las Mujeres, pero para ser más concreto, pensamos en todas esas compositoras que durante tantos siglos han sido invisibles para la Música, y queremos hacer un pequeño resumen que, si bien no es representativo ante el gran número que existen, al menos a través de ellas, queremos mostrar nuestra Gratitud y Reconocimiento, con un ejemplo en cada época y estilo.
EDAD MEDIA: Hildegarda von Bingen, monja y compositora y ascendida a los altares en 2012 como Santa Hildegarda, Doctora de la Iglesia.


RENACIMIENTO: Barbara Strozzi.Compositora y cantante. Publicó ocho colecciones entre 1644 y 1664, incluyendo madrigales, arias, cantatas y duetos. EN ESTE VÍDEO, CANTA INÉS ANANDA.



BARROCO. Isabella Leonarda. Religiosa Ursulina,  compositora de sonatas y oratorios.


CLASICISMO: María Theresia von Paradis. Compositora y pianista, a pesar de su ceguera.



ROMANTICISMO: Queremos citar a dos, Hermana y Esposa de dos hombres, también grandes compositres. Fanny Mendelssohn y Clara Schuman 



SIGLO XX Y CONTEMPORANEO: Cecile Chaminade. Una de las primeras mujeres en ganarse la vida con la música. La excelente pianista Margarita Dominguez Mota interpreta: Autumn.

sábado, 7 de marzo de 2026

LEE MARVIN, CANTANTE OCASIONAL

"No soy Sinatra, pero si te gusta mi voz, ¡es tuya gratis!".
El 7 marzo 1970, llega al número 1 en Reino Unido el tema "Estrella Fugaz" canción icónica interpretada por Lee Marvin en la película Paint Your Wagon (1969), un western musical dirigido por Joshua Logan donde Marvin daba vida al prospector Ben Rumson.
Marvin, un actor rudo y sin formación musical profesional, fue elegido para el rol principal junto a Clint Eastwood y Jean Seberg, pese a que ninguno tenía experiencia cantando.
La letra evoca la vida nómada del Viejo Oeste, rechazando el arraigo por la libertad de "rondar como estrella errante" en busca de oro y aventuras. 
Lee Marvin fumaba tres paquetes de cigarrillos al día, tenía una voz grave y ronca por su pasado como marine en la Segunda Guerra Mundial.
Su interpretación desafinada pero carismática se grabó en solo tres tomas, con el director insistiendo en mantener los errores para realzar su autenticidad "de vaquero borracho". 
Marvin cantó en vivo sobre la pista orquestal, bebiendo whisky entre versos, lo que añadió un vibrato natural e irregular que el equipo conservó intacto.

Marvin bromeó en entrevistas: "No soy Sinatra, pero si te gusta mi voz, ¡es tuya gratis!".

PUENTE SOBRE AGUAS TURBULENTAS

 Turbulentas eran ya las relaciones en  Paul Simon y Garfunkel cuanto el 7 marzo 1970, Puente Sobre Aguas Turbulentas llega al número 1 en Estados Unidos.

Es una balada gospel-rock que se convirtió en su despedida definitiva, con enfrentamientos ligados a tensiones creativas y grabaciones innovadoras. 

Paul Simon la escribió en 1969 en una casa alquilada en Blue Jay Way (Los Ángeles), la misma donde George Harrison compuso su canción homónima para los Beatles. ​ ​

Inspirado en coros negros Garfunkel insistió en añadir una tercera para mayor épica.  Simon cedió la voz principal completa a Garfunkel (quien al principio se resistió), quedando él en coros de fondo; luego lamentó no haber cantado él.