La Corte de Faraón, la obra prohibida por la Censura, que el cine español terminó rescatando.
En este video exploramos cómo esta célebre opereta, cargada de picardía y dobles sentidos, fue prohibida por la censura de Franco por parodiar la historia bíblica de José y escandalizar a la moral oficial del régimen.
Aun así, sobrevivió en grabaciones discográficas, adaptaciones absurdas como La Bella de Texas con Nati Mistral, versiones mexicanas y reinterpretaciones cinematográficas.
El video incluye además fragmentos de las distintas versiones cinematográficas de los famosos cuplés babilónicos.
"Red Roses for a Blue Lady" es una canción popular de 1948 .
Se trata de un hombre que pide rosas rojas a un florista para reconciliarse con su amada tras una discusión, esperando que las flores alejen su tristeza ("blue") y allane el camino hacia el matrimonio con una orquídea blanca para su vestido de novia.
La canción resurgió en 1965 con vcarias versiones simultáneas en las listas de éxitos y proponemos escuchar algunas de ellas.
Quiero unas rosas rojas para una dama triste,
señor florista, tome mi pedido, por favor.
Tuvimos una discusión tonta el otro día,
espero que estas bonitas flores alejen su tristeza.
Quiero unas rosas rojas para una dama triste,
envíelas a la chica más dulce del pueblo.
Y si funcionan, volveré corriendo a escoger
su mejor orquídea blanca para su vestido de novia.
Miguel de Cervantes, en Don Quijote de la Mancha, nos define lo que es un refrán: "los refranes son sentencias breves, sacadas de la experiencia y especulación de nuestros antiguos ancianos"
Los refranes son sentencias breves, habitualmente, de autor desconocido.
No obstante, muchas frases literarias y bíblicas han pasado a formar parte del refranero popular. La mayoría de los refranes son observaciones acuñadas por la experiencia colectiva a lo largo del tiempo, con temas que van desde la meteorología hasta el destino invariable y fatalista de existencia.
Constituyen el bagaje cultural del pueblo en tiempos en los que la tradición oral pasaba la sabiduría popular de una generación a otra.
El 25 de enero de 1886 nace en Berlín Wilhem Furgwängler, director de orquesta y compositor alemán, considerado uno de los más notables del siglo XX.
Tuvo una relación ambigua y muy polémica con el nazismo: no fue miembro del Partido, ayudó a muchos músicos judíos, pero permaneció en Alemania y dirigió bajo el Tercer Reich, lo que le valió acusaciones de colaboración.
Tras la guerra fue sometido a procesos de desnazificación en Viena y Berlín, acusado de apoyar al nazismo por haberse quedado en Alemania y haber dirigido en actos oficiales.
Él alegó que permaneció “no porque fuera nazi, sino porque era alemán”, que su misión era preservar la música alemana.
Finalmente fue exonerado y pudo volver a dirigir, pero la controversia nunca desapareció: para algunos es un ejemplo de “resistencia desde dentro”, para otros, un gran artista que aceptó demasiadas concesiones morales.
Bayreuth reabrió el 29 de julio de 1951 tras siete años de cierre, con un concierto inaugural dirigido por Furtwängler que incluyó la Novena Sinfonía de Beethoven.
Wilhelm Furtwängler introduce varios silencios memorables en su interpretación de la Sinfonía n.º 9 de Beethoven, pero el más icónico es la pausa dramática antes de la entrada de la Oda a la Alegría en el cuarto movimiento (Finale), que genera una tensión apoteósica y que en aquella ocasión duró entre 10 y 15 segundos.
Descubre cómo sobrevivían familias enteras y acompáñanos en este viaje al recuerdo y a la historia.
Este contenido revive el invierno en la España de 1950, una etapa de posguerra marcada por nevadas históricas, escasez, hambre y temperaturas extremas.
Conocerás cómo el frío se colaba en casas sin calefacción, cómo el brasero y la mesa camilla se convirtieron en el centro de la vida familiar y por qué sistemas como la gloria castellana eran auténticos tesoros.
Hablamos de la gran nevada de Madrid, del racionamiento, de los sabañones, de las escuelas heladas y de la enorme diferencia entre ricos y pobres.
También de algo que quizás se ha perdido en zonas superpobladas: la vida compartida, la solidaridad vecinal y la resistencia colectiva frente al invierno más duro.
Sevilla se ha ido tejiendo a sí misma a través de una mezcla de historia documentada y relatos orales que han dejado un mapa de leyendas casi tan denso como su propio callejero.
Un origen casi mítico. Desde antiguo se atribuye la fundación mítica de la ciudad a Hércules, cuya figura habría llegado a la zona hacia el año 1000 a. C. con los primeros navegantes fenicios.
Algunas crónicas sitúan en ese mismo marco legendario a personajes como Hispalo o Hispano, sucesores mitológicos a los que se atribuye el origen de Hispalis.
La Sevilla que asusta y fascina. Triana y el casco histórico concentran relatos de apariciones, maldiciones y pactos, que van desde el “Cristo de las Mieles” en el cementerio hasta historias de fantasmas y casas encantadas recogidas en compilaciones recientes de mitos locales.
Ramón Gaya fue un destacado pintor y escritor español nacido en Murcia el 10 de octubre de 1910 y fallecido en Valencia el 15 de octubre de 2005.
Abandonó la escuela a temprana edad para dedicarse a la pintura, influido por pintores murcianos como Pedro Flores y Luis Garay, amigos de su padre, un litógrafo catalán.
A los 17 años recibió una beca del Ayuntamiento de Murcia para estudiar en el Museo del Prado, y viajó a París donde expuso pero rechazó la vanguardia.
Durante la Guerra Civil Española colaboró en revistas como Hora de España y las Misiones Pedagógicas; perdió a su esposa en 1939 y se exilió en México hasta 1952, creando "Homenajes a los Grandes Pintores" y paisajes locales.
Regresó a España en 1960 tras pasar por Roma, donde se inspiró en maestros como Tiziano y Rembrandt.
Gaya era un gran amante de la Música, y en especial de Mozart, a quien se refirió de forma explicita, y quien haya visitado su Museo en la ciudad de Murcia, sin duda ha percibida que allí, suena tanto Mozart, como Beethoven y Bach, así que aprovecharemos para acercarnos a esa sensibilidad del pintor con la música
Una sarabanda es una danza de origen español del siglo XVI, inicialmente popular y sensual, que evolucionó en el Barroco hasta convertirse en un movimiento estándar de las suites instrumentales
Nacida en España o Hispanoamérica con influencias árabes o indígenas, se bailaba con castañuelas, giros lascivos y letras picantes, lo que llevó a su prohibición temporal por las autoridades eclesiásticas y reales a finales del XVI.
Las sarabandas más famosas pertenecen al Barroco, destacando las de Bach en sus suites para violonchelo solo (BWV 1007-1012), especialmente la n.º 1 en Re menor y la n.º 6 en Re mayor por su profundidad expresiva.
Proponemos escuchas ambas, la primera de ellas con Rostropovich, y la segunda con Yo-Yo Ma
La Sinfonía n.º 3 "Expansiva" (Sinfonía Espansiva), Op. 27, de Carl Nielsen es una obra clave del repertorio sinfónico danés, compuesta entre 1910 y 1911.
Composición y estreno
Nielsen la subtituló por el tempo del primer movimiento, "Allegro expansivo", reflejando su energía vital y expansión melódica influida por el folclore danés.
Se estrenó el 28 de febrero de 1912 en Copenhague bajo la dirección del propio compositor, con una orquestación amplia que incluye solistas vocales opcionales en el segundo movimiento
El propio Nielsen añadió el título de la sinfonía, "Sinfonía Espansiva", poco después del estreno. Se deriva del tempo "allegro espansivo" del primer movimiento y captura el espíritu de la sinfonía. Al igual que en las obras de Ludwig van Beethoven (1770-1827), Nielsen basó sus sinfonías en una estética o concepto general. Nielsen escribió que "espansiva", en esta pieza, representa la ampliación de horizontes y la expansión de la vida. El propio Nielsen escribió varias notas de programa para los movimientos individuales de su tercera sinfonía.
Curiosamente, el manuscrito original de la sinfonía se creyó perdido durante mucho tiempo. En 1913, fue enviado a la reconocida editorial musical de Leipzig, CF Kahnt, para su impresión. Cuando la editorial cerró durante la época de la RDA, el manuscrito se guardó cuidadosamente en un sótano y posteriormente se trasladó al Archivo Estatal Sajón. Allí fue redescubierto en 1977, aunque esta información no se comunicó fuera de la RDA. No fue hasta el año 2000 que el manuscrito finalmente estuvo disponible para los especialistas de la Edición Carl Nielsen.
El 24 de enero de 1705 nace Carlo Maria Michelangelo Nicola Broschi, más conocido por el sobrenombre de Farinelli, cantante castrato italiano, uno de los más famosos del siglo XVIII y considerado el más grande de los castrati de la historia.
Nació en el seno de una familia de la baja nobleza. Es castrado y, visto su origen acomodado, en su caso sí debió ser cierta la versión oficial (común en estos casos) de su castración como consecuencia de una caída de caballo.
Felipe V, melancólico e insomne, lo contrató para cantar cada noche las mismas cuatro arias, lo que calmaba al rey y le valió ascensos: músico de cámara, director de teatros reales y Caballero de Calatrava en 1750.
Bajo Fernando VI, impulsó la ópera italiana en Madrid y Aranjuez, colaborando con Domenico Scarlatti y Pietro Metastasio.
Su vida inspiró la película Farinelli (1994), que recrea su arte con fusión vocal moderna.
Cecilia Bartoli, mezzosoprano italiana especializada en música barroca, ha revivido el repertorio de los castrati a través de su disco Sacrificium (2009), donde interpreta arias compuestas para voces como la de Farinelli.Con Sacrificium, divulgó el sacrificio cruel (3.000-4.000 niños al año, pocos triunfaron) y la belleza resultante, usada en iglesias y ópera pese a prohibiciones papales. Su enfoque rescata este mundo perdido, conectando directamente con figuras como Farinelli de la conversación previa
De todos es conocida la afición grastonómica de Rossini, el que también era un maestro.
La melodía “Di tanti palpiti” de su ópera Tancredi fue tan popular que se cantaba por doquier, incluso en tabernas y restaurantes, e incluso hay fuentes que citan que era cantada en Valencia por los sembradores de arroz
Esa conocida aría fue compuesta mientras Rossini esperaba que le sirvieran un Rissoto en un restaurante, y de ahí nació el apodo tan coloquial
“Di tanti palpiti” es la cabaletta final del aria de entrada de Tancredi en el Acto I de la ópera Tancredi de Rossini, cn una explosión de "Coloratura", tan típica del compositor.
Expresa el amor apasionado del protagonista por Amenaide, con esperanza de reunificación tras el exilio.
El 23 de enero de 1910 nace Django Reinhadt, músico de jazz de origen gitano sinti.
Se trata del primer músico de jazz originario de Europa que ejerció una influencia similar a la de los grandes artistas estadounidenses.
Su música es el resultado de la fusión entre el swing y la tradición musical gitana del este europeo, lo que se conoce en inglés con el nombre de «gypsy jazz» y en francés como «jazz manouche» («jazz gitano»).
Aunque no sabía leer música, Reinhardt compuso —a solas y junto a Grappelli— varias melodías sumamente originales y exitosas
A pesar de perder dos dedos en un incendio a los 18 años, desarrolló una técnica virtuosa con acordes y solos rápidos que influyó en guitarristas posteriores, y eso con tan solo tres dedos.
Fundó el Quintette du Hot Club de France con Stéphane Grappelli, creando estándares como "Minor Swing" y "Daphne" que definen el estilo manouche: rítmico, apasionado y sin batería, solo con guitarras rítmicas y contrabajo.
Colaboró con ídolos como Louis Armstrong y Dizzy Gillespie, convirtiéndose en el primer europeo con influencia comparable a los americanos.
Django es una figura con muchas referencias en el cine, incluso con un película documental sobre su vida y múltiples referencias.
Asímismo John Lewis, pianista de The Modern Jazz Quartes, compuso una obra en su honor.que se convirtió en un estandard del Jazz, con el nombre de "Django".
Cavalleria rusticana dura poco más de una hora, pero podemos considerarla una Ópera Íntegra.
En ese tiempo hay traición, un crimen y el nacimiento del verismo operístico.
En este video se explica por qué la ópera de Pietro Mascagni cambió la historia del teatro musical, cómo Santuzza se convirtió en uno de los personajes femeninos más extremos del repertorio y por qué esta obra sigue siendo una de las óperas más representadas del mundo.
Su influencia en el cine, especialmente su uso en El Padrino III (Intermezzo), y las referencias vocales que han marcado a generaciones de sopranos en este repertorio.
"Física: Creación del Universo" en relación con El Jardín de las Delicias de El Bosco.
En el tríptico abierto se incluyen tres escenas.
La tabla izquierda está dedicada al Paraíso, con la creación de Eva y la Fuente de la Vida, mientras la derecha muestra el Infierno.
La tabla central da nombre al conjunto, al representarse en un jardín las delicias o placeres de la vida. Entre Paraíso e Infierno, estas delicias no son sino alusiones al Pecado, que muestran a la humanidad entregada a los diversos placeres mundanos.
Son evidentes las representaciones de la Lujuria, de fuerte carga erótica, junto a otras de significado más enigmático.
A través de la fugaz belleza de las flores o de la dulzura de las frutas, se transmite un mensaje de fragilidad, del carácter efímero de la felicidad y del goce del placer.
Así parecen corroborarlo ciertos grupos, como la pareja encerrada en un globo de cristal en el lado izquierdo, en probable alusión al refrán flamenco: “La felicidad es como el vidrio, se rompe pronto”.
Sevilla cuenta con una rica historia tranviaria que abarca desde finales del siglo XIX hasta la actualidad, marcada por la transición de tracción animal a eléctrica y su resurgimiento moderno.
El tranvía de sangre se inauguró en 1887, operado por la Seville Tramways Company, y evolucionó al eléctrico en 1899, convirtiendo a la ciudad en una de las pioneras españolas junto a Bilbao o Madrid.
El servicio inicial usaba mulas en seis líneas de vía estrecha, cubriendo 9,8 km con frecuentes descarrilamientos.
En 1899, una red electrificada de casi 20 km circunvaló el centro histórico, conectando Puerta Osario con Plaza de Armas y ramales a Triana, Parque de María Luisa y San Jacinto. Para 1921, Tranvías de Sevilla S.A. gestionaba 28 km, 50 coches motores y extensiones a Camas, Coria, Gelves y Puebla del Río.
La Cátedra Arzobispo Juan del Río de la Universidad de Sevilla rinde homenaje a Monseñor Juan del Río Martín, exarzobispo castrense y primer director de SARUS, el Servicio de Asistencia Religiosa de la universidad.
Creado en 2025, promueve el diálogo entre la fe, la razón y la cultura mediante eventos, investigación y recursos.
La cátedra se inaugura el 28 de enero de 2026 a las 12 del mediodía en el Paraninfo de la Universidad de Sevilla con la conferencia «La búsqueda de la verdad en Santo Tomás de Aquino: Razón, fe y vida académica», impartida por el arzobispo de Sevilla, Mons. José Ángel Saiz Meneses.
Pablo Guija, delegado diocesano de Pastoral Universitaria, destaca el legado carismático de Del Río en el apoyo a los estudiantes y a la Iglesia.
Ayer 21 de enero se cumplieron 103 años del nacimiento de Lola Flores, un siglo largo del arte más desbordado, temperamental y genuino que ha dado España.
Este video especial rinde homenaje a la gran estrella del cine y la copla españoles, tomando como eje la entrevista que Diego Galán realizó a la artista en 1992 dentro del programa "¡Queridos Cómicos!", un testimonio único en el que la Faraona repasa su vida, su carácter y su manera irrepetible de entender el arte y la vida.
A través de sus propias palabras y de un recorrido por su trayectoria cinematográfica, revivimos a la Lola actriz, cantante y mito popular que marcó generaciones desde la gran pantalla.
El homenaje se completa con algunos de los números musicales más emblemáticos de su repertorio, auténticos himnos de la copla y la canción española:
Con motivo de una entrevista en Platea Magazine, del pasado mes de Septiembre, VER EN ESTE ENLACE Berna Perles aseguraba que "Una cantante de ópera es mucho más que una Voz" y coincidimos plenamente con ella.
Pero es que, además, la propia Berna es más que una gran soprano y no puede entenderse de otra forma en una cantante que, no solo se enfrenta a complejos personajes de óperas como Norma, Manon Lescaut, La Boheme, Don Giovanni etc. sino que parece la elegida por los directores cuando se trata de abordar proyectos singulares, y a moto de ejemplo, recordamos Bernarda Alba, El orgullo de quererte, El caballero de Olmedo, donde por cierto debutó en un papel operístico la jovencísima Inés Ananda, la reciente Yerma en la Ópera de Tenerife, con un esfuerzo físico y vocal al limite, y ahora lo hace con otro ilusionante proyecto como es la recuperación de Margot, una ópera de Turina, y pronto lo hará con la Zarzuela Jugar con Fuego de Barbieri.
Margot se representará en el Gran Teatro de Córdoba hoy y mañana, con una conferencia previa del profesor y musicólogo Andrés Moreno Mengibar en la que desvela aspectos de esta joya olvidada de Turina.
Y ahondando aún más en nuestra apreciación, proximamente intervendrá como "Artista Invitada", en el concierto "Notas de Cine", donde podrá Voz a dos de los temas musicales del programa, en el Teatro Soho de su Málaga Natal.
¿Exagermos cuando decimos que Berna Perles es mucho más que una cantante de Ópera?. Pues aninamos a nuestros lectores que profundicen en la entrevista que citamos, y que saquen sus propias conclusiones.
Tras su exitosa actuación en el Espacio Turina, junto a la soprano Rocío de Frutos, el director de la OCB, nuestro profesor Alberto Álvarez Calero nos vuelve a sorprender, ahora con lo que supone un verdadero salto cualitativo en la programación de la Orquesta de Cámara de Bormujos, como es, ofrecer, en versión Concierto, la ópera Orfeo y Euridice, con un magnifico plantel de solistas y el Coro de Cámara de Sevilla, dirigido por la también profesora, de Filología, de nuestra Universidad, que ha asumido "Por Concurso de Méritos", la dirección de nuestro Coro Universitario, María Jesús Pacheco.
Desconocemos si esta extraordinaria programación obedece a una celebración, pero es curioso que coincida con el X Aniversario de la fundación de la Orquesta por parte de nuestro profesor, pero de no ser así de forma consciente, les ha salido una celebración "Realmente Redonda", así como el hecho de interpretarse precisamente el Día de los Enamorados, con ese personaje tan importante en la ópera como es el de "Amor", simbolizando el poder divino del amor sobre la muerte.
La versión Vienesa que se nos ofrece es la original que compuso Gluck en 1762 y quien con motivo de su estreno en Francia en 1774, hubo de introducir música para ballet y otros pasajes, para adecuarse al "Gusto Francés".
Estamos plenamente seguros que el público que seguimos fielmente estos Conciertos en la Universidad CEU Fernando III, podemos tener problemas ante la posibilidad de que se agote el aforo de su amplio y magnñífico Auditorio, y dado que, como siempre, la entrada es libre hasta completar aforo.
El 21 de enero de 1958 fallece en Los Molinos, Madrid, en extrañas circuntancias, Ataúlfo Argenta, pianista y director de orquesta español.
Durante la guerra se casó con una antigua compañera del Conservatorio, Juana Pallarés Guisasola. Se vio en la necesidad de tocar en teatros y en orquestas menores para ganarse la vida.
Al día siguiente de nacer su segundo hijo estaba dando un concierto en Oviedo y en el descanso le dieron la noticia de que ese hijo había muerto. Argenta salió a tocar las Escenas infantiles de Schumann con lágrimas en los ojos.
Ataúlfo Argenta destaca como uno de los directores de orquesta españoles más destacados del siglo XX, con un impacto significativo en la música sinfónica y la zarzuela.
Sus logros incluyen dirigir 40 orquestas europeas, como la Filarmónica de Viena, y realizar 720 conciertos con un vasto repertorio de 600 obras de memoria.
Grabó más de 30 zarzuelas completas entre 1952 y 1958, dignificando el género con la Orquesta de Cámara de Madrid y voces como Pilar Lorengar, incluyendo títulos como La Revoltosa de Chapí y La reina mora de Serrano.
Sus discos siguen siendo referencia por su calidad y popularizaron el repertorio en la era del tocadiscos.
Hace ya bastante tiempo, nos hicimos eco y hablamos del Blue Note de Tokyo, ese prestigioso Club de Jazz, el más imporante de Japón, y filial del Neoyorkino Blue Note de Nueva York, diseñado con estética elegante (asientos para 250 personas, sonido impecable), y que ofrece cenas con cócteles durante shows, basicamente de Jazz y Bossa Nota, e incluso de Flamenco Jazz..
En esta ocasión, y en ese selecto espacio, proponemos escuchar al pianista Monty Alexander con "Notas de Amor".
El 21 de enero de 1957 llegó al puerto de Castellón de la Plana el buque soviético Crimea con 412 españoles repatriados desde la URSS, en la tercera expedición de un proceso iniciado en 1956 que permitió el regreso de cerca de 2.000 "niños de la guerra" y otros exiliados.
Estos pasajeros eran principalmente "niños de Rusia", evacuados entre 1937 y 1938 durante la Guerra Civil Española (5.000 menores de 9-14 años del norte republicano, como País Vasco y Asturias), que se formaron en la URSS y ahora volvían con 23-35 años, muchos casados y con hijos.
Incluían también "mayores" como dirigentes comunistas, militares y pilotos varados allí al final de la guerra.
El 21 de Enero de 1893 se patentó la famosa fórmula secreta de la Coca-Cola, usada también por la empresa como estrategia de mercadotecnia.
La bebida fue creada en 1886 por el farmaceútico John Pemberton como un jarabe para problemas estomacales. Sin embargo, fue el contable Frank Mason Robinson quien introdujo la marca e ideó el logotipo.
Y esto nos sirve como excusa perfecta para escuchar, precisamente hoy, otro 21 de Enero a las míticas Andrew Sisters y su "Ron con Coca Cola".
El 21 enero 1972 se produjo un hecho muy curioso en la Historia del Rock.
Estando Chuck Berry, actuando en el Hollywood Palladium, saltó un espontaneo a escena para tocar la guitarra con él. Ese espontaneo era Keith Richards pero sería echado por tocar demasiado fuerte.
Chuck Berry posteriormente diría que no había reconocido que era Keith Richards, y que si lo hubiera sabido no le hubiera echado.
El 21 de enero de 1941 nace en Madrid Plácido Domingo, cantante, director de orquesta, productor y compositor español, exdirector general de la Ópera Nacional de Washington y de la Ópera de Los Ángeles (California).
Entre otras distinciones, posee la Orden del Imperio Británico y la Gran Cruz de Alfonso X el Sabio.ç
Plácido Domingo es considerado uno de los cantantes de ópera más influyentes y versátiles de la segunda mitad del siglo XX y comienzos del XXI, tanto por la amplitud de su repertorio como por su impacto mediático y su labor como director y promotor de jóvenes cantantes.
En las últimas décadas se ha reinventado como barítono, incorporando roles verdianos de esa cuerda mientras mantenía presencia escénica en grandes teatros, algo poco frecuente en carreras tan largas.
Junto a la ópera y la zarzuela, ha cultivado con éxito la canción popular y la música latina, obteniendo también premios en estos ámbitos y ampliando su audiencia más allá del público lírico tradicional.
Sugerimos escucharlo en dos de grandes interpretaciones en Ópera con Tosca, y con la omnipresente Zarzuela y El Gato Montés, junto a nuestra amiga, la soprano Teresa Castal.
La Doctrina Monroe, formulada en 1823 bajo el lema no pronunciado pero ampliamente difundido de “América para los americanos”, marcó el inicio de la política exterior de Estados Unidos hacia América Latina y el resto del continente americano.
El video repasa casos clave como México, Cuba, Nicaragua, Haití, República Dominicana, Guatemala, Chile, Panamá o Granada, analizando el papel de la CIA, las ocupaciones militares y la defensa de los intereses estratégicos y económicos estadounidenses.
Finalmente, se analiza la vigencia contemporánea de la Doctrina Monroe, su supuesta declaración de fin en 2013 y su reaparición en discursos políticos recientes.
Alberto Álvarez y Rocío de Frutos (de cuyo muro extraemos las fotos)
Hace unos días, terminó el Curso que nos ha impartido en el pasado trimestre, la soprano y profesora en la Facultad de Ciencias de la Formación, Rocío de Frutos, quien el pasado domingo triunfó en el Espacio Turina con el Concierto "La huella española en la Viena Clasica", junto a nuestro también profesor, el maestro Alberto Álvarez Calero con su formación la Orquesta de Cámara de Bormujos.VER CRÍTICA AQUÍ
Estas circunstancias, nos hace intentar resumir el gran éxito que la enseñanza de la Música está gozando en nuestra "Facultad", que actualmente, y citando solo aquellas enseñanzas que seguimos los miembros de La Décima, se completan con Javier Sánchez Rivas, cubriendo entre todos ellos, "Lírica", "Música Clásica" y "Zarzuela.", si bien en definitiva "Todo es Música".
Hemos de confesar que en este Curso, y tras haber seguido las enseñanzas de Zarzuela y Música, ambos con profesores que al mismo tiempo son directores de ambas disciplinas, nos llamó la atención la nueva propuesta de "Introducción a la Escucha Activa" a cargo de Rocío Frutos, de la que que nos declaramos fieles admiradores como soprano.
Y ahora, una vez terminado el Curso, con una Clase realmente magistral el pasado 16 de Diciembre, podemos asegurar que nuestra admiración la tenemos ya también en su rol de Profesora, con un desarrollo de la asignatura realmente delicioso en su planteamiento, presentación e impartición, todo ello con una empatía realmente elogiable.
Nuestra felicitación tanto a los citados profesores como a nuestro Director, Jesús Dominguez Platas, quien ha sido capaz de aunar y ofertarnos estas enseñanzas musicales, en una matería que ya abordó y proyectó previamente nuestra anterior directora Rosa María Ávila, gran amante de la Música en todos sus aspectos.
El 20 de Enero de 2012 muere, a la edad de 73 años por complicaciones de leucemia, Etta James icónica cantante estadounidense de soul, blues, jazz y R&B, conocida por su potente voz contralto y una carrera marcada por éxitos masivos, adicciones y un regreso triunfal.
Nacida en Los Ángeles como Jamesetta Hawkins, creció en un entorno inestable, cantando gospel desde niña en coros eclesiásticos y debutando en radio a los cinco años.
La voz de Etta, ardía como el Blues y acariciaba como el Soul.
Elvis la grabó El 20 de enero de 1969 Elvis Presley graba la canción In the Guetto en los estudios American Sound de Memphis tras 23 tomas, con los Memphis Boys
A pesar de las dudas iniciales al ser la primera "canción protesta" de Presley, él la defendió y resultó un éxito internacional, número 1 en países como Alemania y Australia.
Elvis Presley la ijncluyo en su álbum From Elvis in Memphis, convirtiéndose en su primer gran éxito en cuatro años.
La letra narra el ciclo vicioso de pobreza y violencia en un gueto de Chicago: un bebé nace en la miseria, crece robando y peleando, y muere joven por un disparo, mientras otro niño nace para perpetuar el drama.
Mac Davis la compuso, inspirado en la muerte de un amigo de infancia en un barrio pobre de Lubbock (Texas).
José Antonio Marina hace una reflexión necesaria sobre el momento que atravesamos actualmente. Tiempos de incertidumbre, aceleración y enfrentamiento, en los que renunciar al pensamiento crítico no es una opción.
La verdadera salida pasa por fortalecer nuestra capacidad de analizar, comprender y decidir con responsabilidad.
Marina propone cambiar la lógica del conflicto por la lógica del problema.
En lugar de buscar la victoria sobre el otro, invita a identificar retos comunes y construir soluciones justas que tengan en cuenta a todas las partes.
El 20 de enero de 1996 fallece Gerry Mulligan, músico estadounidense de jazz, saxista barítono y arreglista.
Se trata de una de las figuras más destacadas del cool jazz, además del mayor exponente del saxo barítono de su tiempo, al punto de ser elegido por 42 años seguidos (1953-1995) como el mejor ejecutante de dicho instrumento.
A comienzos de los años 50, Mulligan optó por tocar con el joven Chet Baker en una formación inédita que quedó asociada para siempre a los dos músicos: el cuarteto sin piano. Sin un instrumento armónico, el saxo de Mulligan y la trompeta de Baker ejecutaron un jazz contrapuntístico que combinó a la perfección la suavidad del cool con la impetuosidad del bebop.
El 20 de enero de 1809 nace en Lanciego, Álava Sebastian de Iradier, compositor español.
Las fuentes lo presentan como un personaje elegante, mundano y viajero, un auténtico “dandy vasco”, más interesado en disfrutar de la vida que en los laureles de la posteridad.
Sus viajes incluyen estancias en Cuba y México, decisivas para su contacto directo con el repertorio criollo y para la composición de sus habaneras más célebres La paloma, compuesta en ritmo de habanera hacia 1859‑1863 durante o a partir de su estancia en Cuba, se ha convertido en una de las canciones más interpretadas del mundo, con incontables arreglos y versiones a lo largo de más de siglo y medio, incluso se le atribuye, aunque eso es muy discutible, e incluso incierto, ser el creador del genero de la habanera.
Otra pieza muy significativa es El arreglito, melodía que Georges Bizet utilizó —probablemente sin saber su autoría— como base para la célebre habanera de Carmen,
Hoy, y para paliar la congoja que sentimos por las victimas del accidente ferroviario, hemos decidido darnos dos Caprichos, pero musicales.
El Capricho español, de Nikolái Rimski-Kórsakov, es una suite orquestal de 1887 que evoca el colorido español a través de temas folclóricos, pese a ser obra de un ruso que nunca vivió en España.
Rimski-Kórsakov lo compuso en verano de 1887 en San Petersburgo, basado en melodías de cancioneros como "Ecos de España" de José Inzenga (1878) y folklore asturiano de González del Valle.
Viajó a España en 1862-1865 como oficial naval, visitando Cádiz y Sevilla, pero usó fuentes de segunda mano para los temas.
El Capricho italiano de Piotr Ilich Tchaikovsky, es una obra orquestal vibrante compuesta en 1880, inspirada en su viaje a Italia, que captura el espíritu mediterráneo con melodías folclóricas y danzas populares.
Tchaikovsky lo escribió entre enero y mayo de 1880 en Roma, huyendo del frío ruso y el duelo por la muerte de su padre.
Escuchó toques de corneta militares desde su hotel cerca de barracas, que inspiraron la fanfarria inicial, y recogió temas de colecciones folclóricas o callejeras, como una tarantela final
El 19 de enero de 1982, falleció Elis Regina, cantante brasileña, considerada una de las mayores representantes del género musical conocido como música popular brasileña.
Su abogado la encontró inconsciente en el suelo del dormitorio alrededor de las 10 de la mañana, tras una llamada telefónica donde su voz sonaba pastosa. Los niños pequeños jugaban en casa esperando que despertara, y él forzó la puerta junto al hijo mayor para hallarla sin respiración, con manos frías y cuerpo caliente.
La llevaron de urgencia en taxi a una clínica, donde se confirmó su deceso por parada cardiorrespiratoria.
La autopsia determinó sobredosis accidental por mezcla de cocaína, alcohol (vermouth) y tranquilizantes (barbitúricos), en un contexto de depresión y abuso previo de sustancias.
Sin embargo, surgieron rumores de implicación de la dictadura militar brasileña (1964-1985), dada la lentitud del informe forense firmado por Harry Shibata (vinculado a torturas) y su postura crítica contra el régimen.
Con motivo de la tragedia que todos estamos viviendo y que a los andaluces nos toca especialmente de cerca, hemos podido averiguar, no con sorpresa, que teniendo días Internacionales para Abosolutamente todo no lo tenemos para los accidentes ferroviarios, y lo más parecido que hemos encontrado ha sido una propuesta de la Unión Internacional de Ferrocarriles (UIC), que busca concienciar sobre la prevención de accidentes en trenes y vías férreas, pero no se centra en conmemorar víctimas específicamente.
Por tanto, por nuestra parte, Hoy es nuestro particular Día que dedicamos a recordar las victimas de tales accidentes, que provoca unas escenas realmente dantescas y para ello recurrimos a la composición de Honegger: Pacific 231.
La expresión “el guardián de mi hermano” significa asumir responsabilidad por el bienestar del otro, cuidarlo y velar por él, no solo en sentido físico sino también moral y afectivo.
En lenguaje actual, equivale a decir que una persona se siente obligada a preocuparse, proteger y ayudar a su prójimo, especialmente a quienes tiene más cerca.
La Música y la Palabra de Inspiración ha sido una fuente de paz y consuelo en tiempos de guerra, tragedia y cambio. Desde la Gran Depresión hasta las pandemias mundiales, ha permanecido constante, llevando la gloria de la música sacra y la palabra hablada conmovedora a hogares de todo el mundo.
Cada vez más habitantes de las grandes urbes recogen hierbas que crecen junto las carreteras.
Para los recolectores y cazadores modernos es gratis, sabroso y más variado que en el supermercado.
Christian Amys es un experto en "urban foraging”.
En su ciudad natal, Brighton, busca alimentos frescos. La ciudad costera inglesa es para él un edén urbano. Christian encuentra verduras y hierbas silvestres en lugares donde la mayoría nunca sospecharía que hay algo comestible.
Este hombre de 42 años sólo invierte unas pocas libras a la semana en alimentos del supermercado: "Quiero ser independiente. Prefiero prescindir del supermercado. Me gusta buscar delante de mi puerta porque está bien saber de dónde viene lo que como”.
Estrenado hacia 1921 por la mítica cupletista La Goya, “La chula tanguista”, también conocida por su inolvidable estribillo “Vino tinto con sifón”, es uno de los grandes himnos del cuplé español y una pieza clave de la música ligera de la España de entreguerras.
Tras el éxito de La Goya, el tema fue interpretado por grandes figuras del género como La Chelito, Jesusilla Unamuno, Lilián de Celis y Olga Ramos, manteniendo viva la llama del cuplé a lo largo de décadas.
El Ayuntamiento de Sevilla ha anunciado el programa de actividades para conmemorar el 500 Aniversario de la Boda del Emperador Carlos V con la Reina Isabel de Portugal, y lo primero es resumir los motivos de este momento tan especial para la ciudad de Sevilla.
Aquella boda, celebrada en nuestos Reales Alcázares en 1526 consolidó a la ciudad como epicentro del poder imperial europeo, elevando su estatus diplomático, cultural y económico en el Renacimiento.
El evento, único viaje del emperador a Andalucía, simboliza la grandeza histórica de Sevilla.
La boda en el Real Alcázar atrajo a nobles, embajadores y artistas europeos, con fastos que incluyeron arcos triunfales (Prudencia, Fortaleza) y transformaron Sevilla en capital temporal del Imperio Habsburgo e mpulsó obras como la Casa Consistorial y urbanizó la ciudad con fiestas, música y decorados que marcaron su "edad de oro" pre-descubrimiento americano pleno.
Todos los Actos programados, y que podemos ver EN ESTE ENLACE harán que este año, de 2026 permanezca en el recuerdo para la Historia de Sevilla.
Y lógicamente, la Música será una parte importante de esos Actos, y así el FeMàs, el Festival de Música Antigua de Sevilla, dedicará el día 22 de marzo un concierto dedicado a Carlos V, con música inspirada en la época del emperador, bajo el título “Las canciones del emperador” e interpretada por Carles Blanch a la Vihuela y Pedro Estevan a la Percusión.
Ofrecemos un concierto auspiciado por la Fundación March, en el que Ministriles y cantantes dieron forma a la imagen sonora de Carlos V. La canción Mille Regretz, favorita del emperador, sirve como eje para el repertorio de este concierto, iniciado con una procesión por el entorno de la Fundación. Las voces y los instrumentos de la época reconstruyen con particular detalle los sonidos que reflejaban la magnificencia de su reinado.
El dúo legendario de Sir Bryn Terfel y Pene Pati interpretando "Granada" de Agustín Lara se viralizó por su química hilarante y potencia vocal en un concierto reciente.
Esta actuación, descrita como "bromance operístico", combina el barítono galés consagrado con el tenor neozelandés de origen samoano, apodado "el Pavarotti samoano".
La interpretación tuvo lugar con la Bournemouth Symphony Orchestra dirigida por Mark Wigglesworth, en un programa que incluyó piezas potentes como
Se trata de una curiosa interpretación, con omprovisación juguetona: Terfel inicia con su grave barítono, Pati responde con agudos brillantes y se alternan frases en un "duelo" vocal cómico, rompiendo con la solemnidad típica de la ópera.
Imperio Argentina y Miguel Ligero formaron el dúo cinematográfico más popular del cine español clásico. Fueron las primeras grandes estrellas del incipiente star system hispano y protagonizaron algunas de las películas más importantes de los años 30, como "La hermana San Sulpicio", "Nobleza Baturra" o "Morena Clara", el mayor éxito de taquilla del cine español durante décadas.
El 16 de enero de 1928 nace en Zaragoza Pilar Lorenza García, famosa soprano española, nacionalizada alemana que realizó gran parte de su carrera en Berlín con repertorio de Zarzuela, Mozart, Puccini, Verdi y Wagner.
Conocida con su nombre artística de Pilar Lorengar «Lorengar» procede de la unión de Loren(za) Gar(cía).
Los mayores éxitos de Pilar Lorengar se centran en sus interpretaciones de zarzuela, ópera lírica mozartiana y canciones españolas, con hitos en producciones de teatros como la Deutsche Oper de Berlín. Su debut internacional con Cherubino en Las bodas de Fígaro en Aix-en-Provence y la inauguración de la Ópera de Berlín con Violetta en La Traviata marcaron su consagración
Si bien el Flamenco no suele ser un estilo musical habitual en nuestro Blog, lo cierto que nunca rehusamos ningúna música siempre que, según nuestra humilde opinión, sea de calidad.
Hace años que seguimos, posiblemente por cuestiones personales de nuestro Equipo de Redacción, la figura de Miguel Poveda, desde que con 20 años, allá por el año 1993 se hizo con la Lámpara Minera, en el Festival de la Minas celebrado en Murcia, y más concretamente en La Unión.
El pasado mes de Octubre, y junto a su hermana, la bailaora Sonia Poveda actuaron en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona, en el Festival "De Cajón", integrado en el Festival de Jazz, y allí dejaron estas "Alegrias", en una demostración de lo que significa ese Palo en el Flamenco.
Leyendo la exgtraordinaria crítica del profesor Andrés Moreno Mengibar sobre el Concierto del pasado domingo en la Sala Manuel García del Maestranza, nos hemos centrado en la alusión que hace de la Sonata de Shostakovich, y nos ha parecido que merece la pena profundizar y esduchar esta bella composición. VER LA CRÍTICA COMPLETA AQUÍ
La Sonata para viola y piano, op. 147, de Dmitri Shostakóvich, compuesta en 1975, es su última obra completada, dedicada al violista Fyodor Druzhinin y terminada semanas antes de su muerte por cáncer de pulmón. Esta pieza para viola y piano en do mayor destaca por su carácter crepuscular y expresivo, con la viola evocando una voz humana madura y melancólica
El timbre oscuro de la viola confiere visceralidad y desolación, con armonías tardías que recuerdan su estilo esencial y fantasmagórico. La obra explora emociones como tristeza, angustia y resignación fría.
Recientemente anuncíabamos el Concierto de Piano y Clarinete, a cargo de Wolfang Puntas y Rocío Padrón, el próximo jueves 22 de enero a las 19 horas en el Salón Social del Club Náutico Sevilla, sito en la Avda. Remeros de Sevilla S/N. VER ENLACE AQUÍ
El programa de ese Concierto no puede ser más atractivo como podemos verificar.
Preludio de Agua, Azucarillos y Aguardiente de F. Chueca.
Vals de Neptuno del Año Pasado por Agua de F. Chueca.
Dúo de La Revoltosa de R. Chapí.
El Molinero de Subiza de C. Oudrid.
Dúo de La del Manojo de Rosas de P. Sorozábal.
Romanza de Juan Pedro de La Rosa del Azafrán de J. Guerrero.
Preludio de La Verbena de la Paloma de T. Bretón.
Romanza del Tenor de la Tabernera del Puerto de P. Sorozábal.
Canto a la espada del Huésped del Sevillano de J. Guerrero.
Romanza de la Carta de Gigantes y Cabezudos de M. Fernández Caballero.
De España Vengo del Niño Judío de P. Luna.
Asímismo, recordamos que la próxima Zarzuela será Los Claveles, en el Auditorio Cartuja Center, según detalles en el anterior enlace, donde también podemos acceder para la compra de entradas.
La vocalización para una soprano consiste en ejercicios técnicos de canto basados en patrones melódicos y rítmicos repetidos con vocales puras (como "a", "e", "i"), diseñados para preparar y fortalecer la voz sin las interferencias de las consonantes.
Estos ejercicios homogeneizan el sonido en todos los registros vocales, desde el grave medio hasta los agudos característicos de la soprano
La vocalización calienta los músculos laríngeos, diafragmáticos y resonadores, previniendo lesiones como fatiga, nódulos o hemorragias en las cuerdas vocales, comunes en sopranos por su tesitura aguda y exigente.
Nuestra amiga, la joven soprano Inés Ananda, en este simpático vídeo nos hace una demostración de sus ejercicios de vocalización, al tiempo que rinde homenaje a sus profesoras.
"Lascia ch'io pianga" es una célebre aria para soprano compuesta por Georg Friedrich Händel, extraída de la ópera Rinaldo Y expresa el lamento de Almirena por su cautiverio, deseando libertad y piedad.
Proponemos escuchar esta famosa aria, en la voz de la soprano egipcia Fatma Said, junto a la Gran Pirámide de Giza.
Seguro que todos, absolutamente todos, conocemos el famoso Nessus Dorma de Turandot, compuesta tras la muerte de Puccini, en 1924, quien dejó la obra inconclusa, y estrenada dos años más tarde, con Toscanini en la Scala de Milán.
Su belleza ha atraido a mútiples músicos de todo tipo, y en este caso, junto a la original, en la voz de Pavarotti, y solo como curiosidad, una versión con la guitarra electríca como solista.
El día 14 de Enero de 1960, Elvis Presley recibió el rango de sargento en el Ejército de Estados Unidos durante su servicio militar obligatorio entre 1958 y 1960.
Aunque ingresó como soldado raso para evitar privilegios y mejorar su imagen pública, su buen desempeño le valió un ascenso, justo antes de su licenciamiento, donde sirvió como jefe de un carro M-48 en la 3ª División Acorazada en Alemania.
Elvis no compuso ni grabó ninguna canción durante su servicio militar, si bien se publicaron algunas grabaciones que había hecho previamente, y su regreso lo hizo con Stuck on You, que se convirtió en un éxito inmediato.
Al licenciarse, se mostró un Presley con voz más controlada y arreglos muy distintos al rock al que nos tenía acostumbrados, influenciado por dos años de disciplina militar y exposición a ritmos europeos en Alemania.
Grabó menos rock salvaje y más pop maduro, como "It's Now or Never"
El 14 de enero de 1949 fallece en Madrid, a la edad de 66 años Joaquín Turina, compositor y musicólogo español representante del nacionalismo en la primera mitad del siglo XX.
Manuel de Falla, Isaac Albéniz y él compusieron las obras más importantes del impresionismo en España. Sus obras más importantes son Danzas fantásticas y La procesión del Rocío.
En La oración del torero, el impresionismo se manifiesta en progresiones exuberantes y orquestación atmosférica. técnica de instrumentación orquestal que prioriza la creación de ambientes sonoros evocadores, difusos y envolventes, en lugar de líneas melódicas definidas o contrastes dramáticos marcados, y ofrecemos una curiosa y magnñífica versión
Revive nuevamente la magia de Carmen Sevilla, una de las mujeres más luminosas y queridas de la historia del cine español.
En esta segunda parte, continuamos el viaje a través de un montaje visual único basado en la entrevista que Fernando Méndez Leite realizó a la actriz en 1984 para La noche del cine español.
Un homenaje a su carisma, sensibilidad y talento inmortal.
Puebla de la Mujeres, afamada comedia de los hermanos Álvarez Quintero explota el costumbrismo andaluz, el habla popular y la vista alrededor de los Patios vecinales.
Su acción transcurre en un pueblo andaluz ficticio conocido como “Puebla de las Mujeres”, donde se afirma que todo hombre forastero que llega acaba casándose allí, creando el motor cómico de la trama.
Un joven madrileño llega al pueblo y se convierte en objeto de intrigas, chismes y maniobras matrimoniales de las vecinas, que dan pie a enredos sentimentales.
Puebla de la Mujeres es una de las obras más representadas de los Quintero, y estamos seguros que será un gran éxito con nuestros compañeros, dirigidos por Gloria de Jesús.
Y para ilustrar musicalmente esta publicación, hemos pensado en Paco de Lucía y una Bulería, uno de los palos del flamenco más alegres y picaros para ese argumento de intrigas amorosas.
Día 26 de Enero, lunes a las 18:15 h. en el Pabellón de Uruguay, con entrada libre hasta completar aforo.
